Pink Floyd: Coming Back to Life

Puede que se ofendan, que me tiren piedras o que digan que digo incoherencias, pero "Coming Back to Life" es la canción que más aprecio y que más me gusta de Pink Floyd, y en mi personal opinión, puede que sea la mejor de ellos. Pensaba inicialmente escribir hoy sobre el disco al que esta canción pertenece; "The Division Bell", el decimocuarto y último álbum de estudio de la banda británica, pero preferí escribir sobre su octavo track. Hace poco, le hice escuchar a un amigo que no gusta de Pink Floyd esta canción, sin decirle de quien era, y le encantó, cuando le dije que era de la mencionada banda, no me creyó, luego le expliqué que era de su último disco, lanzado el '94, y que paradójicamente no contaba ya ni con Roger Waters ni Syd Barrett, entonces mi amigo me dijo; "eso era, se nota que Waters ya no estaba metido ahí, por eso nunca me gustó Pink Floyd, por culpa de él". Y bueno, a mí "The Division Bell" me encanta, es mi álbum favorito de los prog-rockers mencionados, primero, porque es del año en que nací, segundo, por su sonido, me parece que el sonido de este álbum es el más maduro de Pink Floyd, y tercero, por la letra. Me imagino que muchos de ustedes consideran "The Wall" o "The Dark Side of the Moon" los mejores trabajos de ellos, pero no, para mí no es así, y está bien, pueden tener opiniones diferentes a las mías, y eso hacer que la vida sea más entretenida, ¿no?. Y bueno... Santiago Cárdenas ama "Coming Back to Life"... David Gilmour, eres un genio!

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Pedro Suárez-Vértiz: Me Elevé

Del gran Pedro Suárez-Vértiz ya les conté hace un tiempo (clic aquí para ver el post), hoy les hablaré sobre la canción que más me gusta de él, el sexto track de su primer disco como solista;
"(No Existen) Técnicas Para Olvidar". Pero antes de seguir debo comentar algo muy triste, y es que nuestro rockero está atravesando una difícil enfermedad, que tiene un nombre raro que no vale la pena mencionar, pero que le afecta el habla, cosa que es muy dura para él, ya que en cierto modo, su vida es su voz. Por eso nuestro querido Pedro ha decidido apartarse de los escenarios y los medios de comunicación en general, lo cual a mí me parece correcto, el no salir a "exhibir" su problema por las calles, aunque siempre está posteando en el Facebook sobre diversos temas. Yo espero que pueda recuperarse, ya que nunca fui a un concierto suyo y me gustaría poder disfrutar de su música en vivo, yo sé que algún día será...Yo dudo que Pedro lea este blog, aún así, desde aquí, este humilde fan le desea lo mejor y su más pronta recuperación. Bueno, hoy les traigo la que considero, es la mejor canción de Pedro Suárez-Vértiz, tanto por letra como por melodía; "Me Elevé". Él siempre ha mostrado gran creatividad a la hora de construir sus canciones, pero esta es para mí muy especial, ya que es de las pocas canciones suyas que se aparta de su temática central, el amor y lo sexual. Habla de los momentos que vive una persona que está a punto de morir, las "sensaciones" y "visiones" que tiene.

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The Alan Parsons Project: Vulture Culture

El primero de enero, en mi primer post del año, les hablé un poco de este álbum, fue más una corta reseña dentro del tema que estaba tratando en ese momento; la historia de The Alan Parsons Project (si no la leyeron, hacer clic aquí). Ahí mencioné que el tema que más me gustaba de "Vulture Culture" era "Separate Lives", pero pasados los días mi percepción a ese respecto cambió un poco, sino bastante. Antes de analizar el álbum en sí, les contaré un poco de su historia; "Vulture Culture" es el octavo álbum de estudio de la banda británica ya mencionada, se le considera musicalmente inferior al disco que le seguiría; "Stereotomy". Fue lanzado en febrero del '85 y como ya dije, la crítica le tiró algunas piedras, mismo condenado a muerte en los años de Moisés, pero bueno. Cabe resaltar que es el disco romántico y más pop de The Alan Parsons Project. En un principio, el álbum estaba destinado a ser el segundo LP de un álbum doble, con "Ammonia Avenue" delante. Después que los discos se dividieran en álbumes separados, a "Vulture Culture" se le dio un aspecto más moderno para esos años, con una batería más impactante y dinámica. "Sooner or Later" (el tercer track) fue descrito por Parsons como "el tercer intento para tratar de conseguir otro éxito con el estilo rápido del traqueteo de la guitarra como en "Eye in the Sky". "Prime Time"de "Ammonia Avenue" fue el segundo, que me pareció fue un poco más de éxito en ese sentido.".

"Vulture Culture" contiene ocho temas, de los cuales uno solo es instrumental; "Hawkeye", aunque contiene una línea dicha por Mónica, una mujer que trabajaba en la comedor de los estudios Abbey Road. La línea que dice es: "Only what's on the menu". El sonido del disco se caracteriza por ser más pop rock que rock progresivo, aunque se mantiene dentro de los parámetros del mismo, denotado en los arreglos musicales que tiene "Vulture Culture".

De los once álbumes de estudio del proyecto musical de Parsons y Woolfson, este es el que más me gusta, por la estética romántica y pop, que me es más suave de pasar y disfrutar que sus otros diez discos, pese a que también gusto de "Eye in the Sky" (la canción), "Prime Time", "Since the Last Goodbye" y "Don't Answer Me". Lo divertido de todo esto, es que la mayoría de mis temas favoritos de ellos son los que tienen como vocalista a Eric. Con esto no digo que los otros no me gusten, ya dije antes: The Alan Parsons Project es mi grupo favorito de rock progresivo y de música en general.

Ahora, siendo este un disco de rock progresivo después de todo, es un álbum conceptual, o sea, que todas sus canciones al final no pueden ser la una sin la otra, aunque de manera aislada pueden también tener mucho sentido. Pero bueno, ¿de qué trata este disco? Pues su temática central es el egoísmo, pero no un egoísmo en su sentido individual, trata más que nada del egoísmo dentro de una relación sentimental que se termina rompiendo, y ese es el análisis que haremos hoy, un análisis a la letra en conjunto y por separado de todas y cada una de las canciones que conforman "Vulture Culture".

"Let's Talk About Me" es la canción que abre el disco, dura 4:29 minutos y es cantada por David Paton, el sonido es de pop rock progresivo y en ciertos momentos de la canción hay como conversaciones. La letra es un reclamo que le hace una persona a otra, pidiendo un minuto para hablar de "mí", hablemos de mí, eso pide la canción. Haciendo preguntas que hasta cierto punto son en tonada agresiva pero a la vez desconsoladas:

"Talk about me, for a minute
I'm the one who's losing
Talk about me, for a minute
I'm the one who's always losing out"

Son las palabras de alguien que siente que da y hace todo pero al final "no importa lo que yo diga, siempre hago las cosas mal", pero parte de la letra indica que los problemas al final son del "otro" y no de uno mismo, es una negación a la probabilidad que seamos nosotros el problema, por lo que terminamos echándole la culpa al otro:

"Let's talk about you and your problems
All that I seem to do is spend the night
Just talking about you and your problems
No matter what I say I can't get it right"

Así que el álbum abre con un tema que, se puede considerar, una pelea propiciada por un alma egoísta, aunque de manera individual la canción puede adquirir el sentido de una pesadez que siente una de las partes inmiscuidas en el tema.

Le sigue "Separate Lives", sí, la que dije era mi favorita de este disco, dura 4:59 minutos y la interpreta Eric Woolfson, su sonido es más progresivo que su predecesor, aunque también tiene su lado pop, resalta el sonido del sintetizador. El punto central de la canción es "hasta acá llegamos";

"It's been a long road
We've walked the last mile
We reach the same conclusion
And we stop for a while

Together we know
The way we must go
We're leaving an illusion
That's for us to share
Only for us to share "

La letra de la canción es muy dolorosa, trata el momento más duro que uno puede vivir en una relación; la ruptura de la misma, y la letra de la canción lo trata de una manera tan verídica, que tarde o temprano a uno le puede arrancar algunas lágrimas;

"We live our separate lives
And go our different ways
Cause we don't see eye to eye
And we can't stand face to face

We live our separate lives
While counting all the days
Till the two of us arrive
In another time and place

We share the same thoughts
We read the same lines
We meet on sad occasions
And in happier times

A spoken goodbye
And both of us try
To walk away in silence
That's for us to share,
Only for us to share "

Creo que la letra es espectacular, es magnífica, expresiva; Compartimos las mismas ideas, leímos las mismas líneas. Nos encontramos en ocasiones tristes y en los momentos más felices. Dicho el adiós, ambos intentamos andar en silencio... Eso es para que nosotros lo compartamos, solamente para que nosotros compartamos... No me lo pueden negar queridos lectores, la letra es matadora...

Una pequeña acotación antes de continuar, estoy poniendo fragmentos de las letras de las canciones, no las letras completas

Cuando termina "Separate Lives" se escuchan murmullos y sonidos de oficina, los cuales continúan hasta el siguiente tema, "Days Are Numbers (The Traveller)", el tercer track de "Vulture Culture". Lo interpreta Chris Rainbow y dura 4:53 minutos. Es más progresivo que los dos anteriores, pero también guarda su estética pop. Resalta dentro de todos el espectacular trabajo vocal en los coros, la batería y el solo de saxofón que aparece casi al final de la canción.

La letra habla de alguien que anda sin saber a dónde, que está perdido y no lo sabe, que siempre está dejando todo y nunca tiene tiempo para volver la vista atrás;

"The traveller is always leaving town
He never has the time to turn around
And if the road he's taken isn't leading anywhere
He seems to be completely unaware
The traveller is always leaving home
The only kind of life he's ever known
When every moment seems to be
A race against the time
There's always one more mountain left to climb"

Es la descripción de una persona que ha terminado una relación, alguien ensimismado que vive dentro de su tristeza, una persona que no encuentra una razón para permanecer y lo único que tiene es algo adentro que le dice "vete";

"The traveller awaits the morning tide
He doesn't know what's on the other side
But something deep inside of him
Keeps telling him to go
He hasn't found a reason to say no
The traveller is only passing through
He cannot understand your point of view
Abandoning reality, unsure of what he'll find
The traveller in me is close behind"

El coro de esta canción son como las palabras que dice esta persona, el "traveler", el viajero, ese que vive dejando todo, huyendo de todo, a la persona que ya no tiene a su lado, al viento, dándole a entender que hay cosas que sólo ambos entienden y que sólo ambos pueden vivir...;

"Days are numbers
Watch the stars
We can only see so far
Someday
You'll know where you are
Remember
Days are numbers
Count the stars
We can only go so far
One day
You'll know where you are"

Esta canción indica el momento post rompimiento, ese momento en que vagamos de un lado a otro sin saber qué ni dónde, otro tema más con una letra extraordinaria y una melodía suave, enternecedora y a la vez dura.

El cuarto tema del disco es "Sooner or Later", cantado nada más y nada menos que por Eric Woolfson, dura 4:24 minutos y es el más pop rock de todos los temas. Resalta el sonido espectacular que tiene la batería, que va suave y constante y que en los momentos cumbre rompe todo de manera alucinante y liberadora, dejando escapar toda esa energía que ha sabido guardar durante el transcurso de la canción. Tiene unos arreglos progresivos muy simpáticos y un solo de guitarra muy hermoso. Resalta también en "Sooner or Later" el magnífico trabajo que hizo Parsons con el coro.

¿De qué va la canción? Pues un par de líneas de esta lo definen todo; "Sooner or later, i'll be free to leave the past behind, sooner or later, you're gonna be the last thing on my mind" (Tarde o temprano, seré libre para dejar el pasado atrás, tarde o temprano serás lo último en mi mente). Más contundente no puede ser. Y creo que describir el momento que representa esta canción es muy obvio; es cuando decidimos superar el pasado y seguir adelante, el momento cuando decimos, "pasó esto y lo otro, hicimos esto y lo otro pero, tarde o temprano lo olvidaré". Chocamos con la realidad y decidimos enfrentarla, no nos queda de otra...

"Oh what a price we pay
For the things we say
And the closer I get to you
The further you move away

All the lies we tell
In the games we play
And the longer I think it over
The harder it is to stay

Sooner or later I'll be free
To leave the past behind
Sooner or later you're gonna be
The last thing on my mind
Little by little I'm finding out
The truth behind your eyes
Maybe if I don't show
I thought you might like to know
You're gonna be the last thing on my mind "

Esta letra también es muy poderosa, no pueden decir que no, además de ser muy realista y directa, no se está con rodeos, dice todo de manera directa y sin remordimientos.

Interpretada por Lenny Zakatek y con una duración de 5:22 minutos, con un sonido similar a sus predecesores, "Vulture Culture",a el track número cinco del álbum y la canción homónima, nos muestra a nuestro "personaje" (recordar que el disco habla sobre lo que le va aconteciendo a una persona), con una conducta de buitre, el nombre mismo de la canción y del álbum lo indican; "Vulture Culture" ("Cultura Buitre"), es decir, una persona que vive para saciarse a sí misma sin importarle los demás. En la portada del disco nos podemos dar cuenta de ellos, aparece un buitre metálico sobre un fondo rojo en actitud de tragarse a sí mismo, como diciendo "yo empiezo conmigo y conmigo termino". Es entonces cuando nuestro personaje sin darse cuenta se va introduciendo dentro de un mundo que al final de cuentas, acabará con él, con la típica frase de "a mí no me va a pasar eso...";

"Nowhere to turn around and catch your breath
It's all relatively trouble free
No need to bother with the bottom line
Or a money back guarantee

You sign a deal that's been etched in stone
It's absolutely cut and dry
That's when they got you in the danger zone
And the only way out is to die "

Entonces ¿en qué fase vamos? pues esta canción representa el momento después que tomamos la decisión de seguir para adelante, pero el camino que tomamos no es el mejor, y creo que nos suele pasar a todos, la actitud de "¿y a mí qué me importas tú?", la peor manera que tenemos de demostrar que hemos superado algo.

La pista número seis, "Hawkeye" es un interludio instrumental, al principio les hablé de él, es el track más progresivo de todos, ya que por ningún lado se le siente algo pop. Dura 3:47 minutos. Digamos que ha transcurrido un buen tiempo en la vida del personaje de "Vulture Culture", y que esta canción representa un espacio en "silencio" de la vida de nuestro amigo, además que nos prepara para lo que se viene.

El penúltimo tema es "Somebody Out There", interpretado por Colin Blunstone, dura 4:56 minutos y es más prog que pop. El sonido característico de esta canción es el trabajo en la guitarra. Nos presenta a alguien noico, que sufre, con altos niveles de paranoia, casi hasta el paroxismo, en cierto modo puede decirse que representa a alguien algo esquizofrénico, que tiene mucha culpabilidad dentro de sí...

"Somebody out there, stolen your base
Somebody out there, parked in your space
You've no reservation, he's taken your place
Somebody out there, wasting your time
Somebody out there, using your dime
Your friends think you're crazy
They're way out of line
Somebody out there, says that he's you
Somebody out there, thinks like you do
You stare at the mirror
You're looking into
Somebody out there"

Cierra este magnífico álbum un tema estupendo y precioso; "The Same Old Sun", interpretada por el genial Eric Woolfson, con una duración de 5:27 minutos, pop rock progresivo similar a los primeros tracks del disco. Es un cierre espectacular, inigualable. Nuestro personaje toma conciencia de la oscuridad que le rodea y se da cuenta que la única persona que le puede ayudar, que puede dar respuesta a sus preguntas, es esa con quien termino, esa persona a la que maltrató e hizo sufrir. Cuando la confusión te rodea, cuando lo único que tienes al final de cuentas es dolor, te darás cuenta que la única persona que puede ayudarte es esa a quien decidiste dejar o hacer daño... Y dos cosas son las difíciles al final; el tomar el valor de darte cuenta de tu error delante del otro y pedirle perdón y, que esa persona te vuelva a aceptar. Y ahí nos deja este álbum, con incertidumbre, con dudas pero a la vez, con mucha esperanza... "Dime qué hacer, ahora que la luz de mi vida se ha ido ¿Es siempre lo mismo? Es la noche que nunca termina... Dime qué hacer, Todas las esperanzas y los sueños han ido mal para mí. Hay una sonrisa en mi cara, pero sólo estoy fingiendo... Llevando mi vida, un día a la vez. Porque no se me ocurre qué más hacer, tomando algo de tiempo para compensar mi mente, cuando no hay nadie a quien preguntar más que a ti...".

"Tell me what to do
Now the light in my life is gone from me
Is it always the same
Is the night never ending

Tell me what to do
All the hopes and the dreams went wrong for me
There's a smile on my face
But I'm only pretending

Taking my life
One day at a time
Cause I can't think what else to do
Taking some time
To make up my mind
When there's no one to ask but you

The same old sun would shine in the morning
The same bright eyes would welcome me home
And the moon would rise way over my head
And get through the night alone

And the same old sun will shine in the morning
The same bright stars will welcome me home
And the clouds will rise way over my head
I'll get through the night on my own

Tell me what to do
Now there's nobody watching over me
If I seem to be calm
Well it's all an illusion
Tell me what to do
When the fear of the night comes over me
There's a smile on my face
Just to hide the confusion

Taking my life
One day at a time
Cause I can't think what else to do
Taking some time
To make up my mind
When there's no one to ask but you

The same old sun would shine in the morning
The same bright eyes would welcome me home
And the moon would rise way over my head
And get through the night alone

And the same old sun will shine in the morning
The same bright stars will welcome me home
And the clouds will rise way over my head
I'll get through the night on my own"

Y así termina, mis amigos, esta increíble aventura musical que es "Vulture Culture". Al principio les dije que había cambiado mi perspectiva sobre este disco, pues bien, ahora mi favorita no es sólo "Separate Lives", sino que para escucharla, debo escuchar después "Days Are Numbers (The Traveller)" y "Sooner or Later", para mí ninguna es sin la otra, y después de todo, son mis temas favoritos de este disco.

Así que bueno, espero les haya gustado este post y también que puedan adquirir este hermoso álbum, recuerden que lo pueden hacer en Amazon.

Antes de terminar, el 2007 se lanzó la versión remasterizada de "Vulture Culture", que contiene cinco pistas más; "No Answers Only Questions [Final Version]", "Separate Lives [Alternative Mix]", "Hawkeye [Demo Version]", "The Naked Vulture" y "No Answers Only Questions". Y bueno, acá les dejo el álbum completo para que lo escuchen, con los bonus tracks incluidos.

Valoración del Álbum:

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Almendra: Muchacha (Ojos de Papel)

Ya lo he dicho antes, para mí Argentina es el país de habla hispana que mejor rock posee, muy superior a España, Chile y Perú. En el ranking de las 100 canciones más destacadas del rock argentino según la revista Rolling Stone, en conjunto con MTV, el tema de Almendra, "Muchacha (Ojos de Papel)", ocupa el segundo lugar tras la canción "La Balsa", del grupo Los Gatos, lanzada como sencillo el año '67, y arriba de "Rasguña las Piedras" de Sui Generis (1970). "Muchacha (Ojos de Papel)" es la primera canción del disco "Almendra I", lanzado en 1969, álbum debut de la banda argentina.
Almendra, junto a Manal y Los Gatos, fueron las bandas precursoras del rock gaucho, y son de las primeras en cantar en Español, durante la época en la que nadie creía que el idioma hispano fuera "capaz" de ser parte del rock, ya que se consideraba al Inglés como el único idioma donde el rock podía desenvolverse. Anteriores a Almendra hubieron otros grupos de rock en el Argentina, pero sus temas eran en su mayoría covers de bandas inglesas y norteamericanas, es por eso que Almendra empieza lo que sería el rock argentino puro y duro. Pero hoy no les voy a contar la historia del rock argentino, tampoco la de Almendra, sino que voy a hablarles de uno de mis temas favoritos del rock de este país; "Muchacha (Ojos de Papel)".

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ABBA: Chiquitita

Luego de haberlos abandonado por unos días regreso para traerles una canción que marcó mis gustos musicales de manera inconsciente cuando aún era niño. Es del popular grupo ABBA, sí ese, del que no sé mucho y menos, puedo pronunciar el nombre de la mayoría de sus miembros. Nunca he sido fan de ellos y tampoco pretendo hacerlos parte importante de mi lista de canciones, pero este tema que les traigo hoy, marcó claramente parte de las pautas que rigen mis gustos musicales. "Chiquitita" es el track número ocho del disco de la banda sueca; "Voulez-Vous", lanzado el año 1979. La canción según entiendo, tuvo su versión original en sueco, pero es su versión en Inglés la que pega fuerte en los  países de habla hispana, lo que obliga en cierto modo a que ABBA hiciera una versión en Español. Esta versión fue un éxito rotundo en Latinoamérica y España, donde estuvo siempre en el Top 10 de las distintas listas y charts. Por ejemplo, en España, México y Costa Rica obtuvo el primer lugar, en Chile el quinto y en Argentina el séptimo, lo que no he encontrado es qué posiciones tuvo en el Perú durante aquellos años. Increíble es también el hecho que este tema sea el single más vendido en toda la historia de Latinoamérica, además que fue donado a la UNICEF, a quienes hasta el día de hoy le va reportando aproximadamente un millón de dolares en ganancias. Fue lanzada en abril del '79.

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Delicatezen: ...and other rituals

Apenas empezó el año llegó a mí una noticia increíble, un nuevo grupo de música electrónica estaba preparando el lanzamiento vía web de su primer álbum. Lo sorpresivo para mí fue que primero, fueran un trío de música electrónica de Latinoamérica, segundo, que fueran bolivianos, ya que he escuchado poco o nada de la música proveniente de ese país, salvo el disco "El Inca", de Wara, lanzado allá por los años 70's, después nada, hasta la llegada de este nuevo grupo a la escena musical latina y en general. Se trata de Delicatezen, a quienes me encontré por esas casualidades de la vida, y que el día de ayer lanzaron su primer trabajo, el LP titulado "...and other rituals". Ellos se adjetivan como un grupo de grow pop electrónico (grow es una palabra inglesa que significa crecer, cultivar, desarrollarse, por ende, el significado que se le puede dar a "grow pop" es demasiado interesante). Personalmente los considero un trío de electro-pop experimental. Sus miembros son Ivan, quien compone y se encarga de la producción y la post producción, Esag, quien también compone y hace parte de la producción y Aria, vocalista y también compositora. Tanto Ivan como Esag se encargan de hacer la música.

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Black Sugar; de 1970 a 1978

Odio el verano, por lo menos en invierno puedes combatir el frío pero, ¡diablos! El calor no se quita por nada... Yo no puedo imaginar como es que tanta gente se va a la playa... Llena de arena, que se te mete en los pantalones, llena de gente, calor, sudor, iugh... Me parece insoportable, pero bueno, allá ellos y ustedes si es que van, yo me quedo en casa disfrutando de una bebida helada y buena música... Hablando de buena música, hoy les traigo un grupo peruano de música soul, funk y latin jazz, se trata de Black Sugar, una banda con un sonido increíble, y es que claro, aquí en Pentagramario no les hablamos de cualquier cosa, no señor, por acá sólo pululan obras de arte musicales, oh sí, claro que sí... Pues bien, Black Sugar inició sus actividades en 1970 y desapareció en el '78. Se sabe que andan por ahí andando nuevamente desde el 2011, aunque no estoy informado de la mejor manera al respecto, lo que sí sé es que no es la alineación original, salvo por dos miembros de esta, que son quienes han rearmado la banda; Carlos Mejía y Antonio Ginnochio. Lanzaron sólo dos LP's, el álbum homónimo y "Black Sugar II", en 1971 y 1974 respectivamente... Regresando al tema del verano, el odioso verano, creo que el sonido de esta banda va con la estación mencionada... Uhhh... Creo que no estaría mal beber un poco de agua de coco bajo una palmera, recostado en una hamaca... Claro, que esto lo haría en una isla en medio del pacífico donde esté sólo yo, y quizá un par de personas más... Nothing else...

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Meat Loaf: Bat Out of Hell

Resulta que últimamente (hace algún tiempo), la chica que me gusta se alejó, por cosas de la vida, y ahora vivo una condenación medio eterna, y encima hay una que otra chica que sí me quiere dar bola pero... No, no es ella... Pero bueno... En vez de sufrir por las esquinas de mi habitación, hoy les traigo una trilogía de discos rockanroleros de los más puros y duros (esto lo hago mientras ingiero papas fritas). Oh sí, son muy hábiles amigos, les hablaré de "Bat Out of Hell", de Meat Loaf, disco lanzado el año 1977, de su continuación del '93; "Bat Out of Hell: Back into Hell" y la del 2006 "Bat Out of Hell: The Monster Is Loose.

Sobre la historia de Meat Loaf no les voy a contar porque me da pereza, ja ja, sólo diré que "Bat Out of Hell" es su segundo LP. Este disco es uno de los más vendido en la historia de la música, con un aproximado de 200,000 al año, ¿nada mal no? Pero bueno, bueno, y bueno, a la vez, además de ser uno de los más vendidos y hacer rico al gordito de Meat, es uno de los más gloriosos álbumes rockeros de la historia, oh yeah my friends, aunque la siempre criticable revista Rolling Stone no lo haya alabado mucho, dijo que el disco era "amanerado y poco original"... Bueno, ya terminé de comer mis papas fritas, ahora beberé limonada fresca... Muero de calor, i feel like in hell... ¿En qué estaba? ah sí, "Bat Out of Hell".

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Los Jaivas: Alturas de Machu Picchu

Que los peruanos y chilenos tenemos nuestras diferencias y altercados es más que conocido. Que hayan muchos xenófobos, también lo es... Eso no quiere decir que yo no aprecie cosas venidas de esas tierras. A la vez, hay muchos chilenos que aprecian lo de estos lares... Pero bueno, más allá de los temas entre países, hoy traigo para ustedes queridos lectores (entre los cuales hay chilenos), un álbum del año 1981, del grupo de rock progresivo y folk chileno Los Jaivas, titulado "Alturas de Machu Picchu". De la historia misma de Los Jaivas no sé mucho la verdad, recién los conozco... Y los conocí a través de mis búsquedas de óperas rock. Su disco me llamó la atención porque primero, era una ópera rock en español, segundo, era de los ochenta, tercero, el nombre. Me pasó lo mismo que cuando descubrí el disco "Machu Picchu" de Tangerine Dream (clic aquí para leer artículo). Así que me lo conseguí y me puse a escucharlo. Su sonido en sí me recuerda al del álbum "Fuera de la Ciudad", del grupo peruano El Polen, lanzado el año 1973. Lo que más gracia me hizo de todo esto fue que este disco, musicalización del poema que lleva el mismo nombre escrito por Pablo Neruda durante los años '40 y publicado en 1950 como parte de su poemario "Canto General", es uno de los discos más importantes en la historia del rock chileno.

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Maudlin of the Well: Bath

Maudlin of the Well es una banda de metal avant-garde procedente de Boston, Massachusetts. Entre los géneros que influyen su música se encuentran el jazz, rock progresivo, rock psicodélico, new age, música ambiental, metal gótico y y doom metal, entre otros.
Es un proyecto musical que se inició el año 1996, de la mano de Toby Driver (guitarra, bajo y voz), Sam Gutterman (batería, bajo y percusión), Terran Olson (flauta, clarinete, saxo, piano, órgano y sintetizadores), Greg Massi y Josh Seipp (guitarra), quienes se ven acompañados de diversos músicos invitados para participaciones especiales. Tanto Toby como Terran son parte de la banda de metal Kayo Dot. Maudlin of the Well tiene cuatro álbumes de estudio; "My Fruit Psychobells...A Seed Combustible" (1999), "Bath" y "Leaving Your Body Map" (2001), el 2003 se separaron, y algunos miembros formaron la ya citada banda Kayo Dot, pero se volvieron a juntar el 2008, a pedido de algunos fans que financiaron un nuevo proyecto que fue lanzado de manera gratuita por Internet, el álbum "Part the Second".

El tema principal de la banda es la proyección astral, y ¿qué es eso? la proyección astral o desdoblamiento astral es un tipo de experiencia mental subjetiva, por la cual ciertas personas dicen haber experimentado una separación o "desdoblamiento" de lo que llaman el cuerpo astral (o cuerpo sutil) y el cuerpo físico. Interesante no?

El disco del que les voy a hablar hoy es sobre el segundo, o sea "Bath", no he escuchado los otros tres por completo, pero ya lo haré y les contaré más al respecto. Bueno, las letras de este álbum transcurren dentro de la temática ya citada. El sonido tiene claras influencias de un personaje en especial, el saxofonista norteamericano de origen judío John Zorn. Para mí "Bath" tiene mucho de este personaje y su sonido. Y claro, es que Kayo Dot trabajó su primer álbum con el sello discográfico de Zorn, Tzadik Records, uno de los más importantes sellos en la industria de la música experimental. Así que Maudlin of the Well guarda también su cercanía al músico de jazz.

Lo particular de este álbum es que cuando lo escuchas sin saber de quién se trata o qué género es, al escuchar su primer track puedes pensar que se trata de algún grupo de música ambiental o jazz experimental, pero no, se trata de una banda metal, y es que lo experimental y avant-garde ese así... Ecléctico.

Contiene en total 10 tracks, que son una montaña rusa de emociones, un rato tranquilo jazz adormilado y de la nada doom metal... Pero esa es la gracia mis amigos, esa es la gracia!

"Bath" y "Leaving Your Body Map" son considerados álbumes que se complementan el uno al otro.

Tracks:

1. The Blue Ghost/Shedding Qliphoth
2. They Aren't All Beautiful
3. Heaven and Weak
4. Interlude 1
5. The Ferryman
6. Marid's Gift of Art
7. Girl With a Watering Can
8. Birth Pains of Astral Projection
9. Interlude 2
10. Geography  

Me imagino que muchos de ustedes no lo podrán digerir, pero bueno, el metal merece un espacio en nuestro blog.

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Queen; Under Pressure

Con un increíble sonido del bajo, unos toques de piano y los acordes de una guitarra hacen que esta canción, "Under Pressure", sea mi preferida de la célebre banda Queen. La considero una obra maestra, no sólo por la hermosa melodía y la estupenda voz de Mercury que nos deleita siempre; sino por el mensaje que nos brinda en ella, su letra. Con tan solo leer la primera estrofa ya podremos deducir de que se tratara la canción, y sobre cuál fue el objetivo de sus compositores al hacerla.

Esta canción nos habla de cómo era la situación de ese entonces, como era el mundo en que se vivía, que por cierto, es muy semejante al actual. Eso quiere decir que no hemos mejorado mucho, desde mi perspectiva. Y es que a veces las canciones nos brindan mensajes, algunas veces subliminales y otras tan explicitas, y que a pesar de eso, a pesar de las millones de veces que las repetimos en nuestros iPads o celulares, no nos damos cuenta del verdadero significado de esa letra, que ha sido escrita por algún motivo, y la cual mayormente son para el bien común.

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Vulture Culture, Stereotomy, Gaudí y Freudiana

El año pasado, o sea ayer, porque hoy es primero de enero, ja ja ja, les hablé sobre The Alan Parsons Project (si no lo leyeron sólo deben hacer clic aquí), y les dije que apenas escuchara los tres últimos álbumes que lanzaron, les hablaría de ellos, y así lo hice, anoche me puse a escucharlos de manera íntegra y como primer artículo de este año que empieza, completaremos el tema sobre la afamada banda inglesa.

En el post anterior mencioné que me faltaban por mencionar tres álbumes, pero anoche estuve pensando y me doy cuenta que al final son cuatro. Este cuarto disco que tendría que mencionar es "Freudiana", del año 1990, y aunque The Alan Parsons Project históricamente va de 1975 a 1987, "Freudiana" es un proyecto que venían trabajando Parsons y Woolfson antes que su proyecto desapareciera, además este fue el último trabajo que hicieron en conjunto, por eso en sí se le considera el onceavo y último trabajo del grupo. Por eso el día de hoy no hablaremos de tres discos sino de cuatro; "Vulture Culture", "Stereotomy", "Gaudí" y "Freudiana".

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