Aunque se dice que la letra es en parte una alusión a la novela "1984" de George Orwell, y puede que no falte razón en ello, personalmente pienso, al igual que otras personas, que el sentido de esta canción va más allá.
Compuesta por Alan Parsons y cantada originalmente por Eric Woolfson, "Eye in the Sky" es la segunda canción del disco de 1982 que lleva su nombre, y es también, la canción más exitosa que The Alan Parsons Project lanzó en toda su carrera. El disco al que pertenece, abre con el tema "Sirius", un instrumental estupendo con una espectacular melodía del sintetizador y los teclados, acompañada con un magnífico solo de guitarra... "Sirius" no es otra cosa que el tema introductorio de "Eye in the Sky"...
El sonido de esta canción es un clásico pop rock ochentero con sus tonos progresivos, donde la batería y la guitarra se llevan la mayor parte de los aplausos, además de los vocales, claro. La letra, tiene un sentimiento profundo de sinceridad, compuesta por un orden claro y directo de las cosas, sin preámbulos ni falsas analogías.
Don't think sorry's easily said
Don't try turning tables instead
You've taken lots of chances before
But i'm not gonna give anymore
Don't ask me
That's how it goes
Cause part of me knows what you're thinkin'
Don't say words you're gonna regret
Don't let the fire rush to your head
I've heard the accusation before
And i ain't gonna take any more
Believe me
The sun in your eyes
Made some of the lies worth believing
I am the eye in the sky
Looking at you
I can read your mind
I am the maker of rules
Dealing with fools
I can cheat you blind
And i don't need to see any more
To know that
I can read your mind, i can read your mind
Don't leave false illusions behind
Don't cry cause i ain't changing my mind
So find another fool like before
Cause i ain't gonna live anymore believing
Some of the lies while all of the signs are deceiving
hace que valga la pena creer algunas de las mentiras.
Soy el ojo en el cielo
mirando hacia ti
puedo leer tu mente
soy quien crea las reglas
negociando con tontos
puedo burlarme de ti estando ciego
y no necesito ver más
para saber que
puedo leer tu mente, puedo leer tu mente.
No dejes atrás las falsas ilusiones
no llores porque no voy a cambiar de opinión
así que busca a otro tonto como antes
porque no voy a seguir viviendo creyendo
algunas de las mentiras cuando todas las señales son engañosas.
Creo, en mi humilde opinión, que la letra es muy clara; sé quién eres, sé qué piensas, y no creeré más en tus mentiras... Aunque algo en ti hace que aún, crea en algunas...
Y bueno, este sencillo y pequeño post, lo hago a pedido de una querida amiga, que dicho sea de paso, hoy es su cumpleaños... Así que, !Feliz Cumpleaños!
Espero que la pase bonito... Y que le halla gustado mi traducción e interpretación de la super popular "Eye in the Sky".
"Concerto for Group and Orchestra" es el primer álbum en directo del grupo de hard rock británico Deep Purple, lanzado en diciembre de 1969, después de sus tres primeros álbumes de estudio, lanzados entre 1968 y mediados de 1969. Fue interpretado por la Royal Philharmonic Orchestra dirigida por Malcolm Arnold, compuesto por Jon Lord, teclista de Deep Purple y grabado en el Royal Albert Hall de Londres.
La historia de la banda no se las voy a contar hoy, lo haré en algún momento más adelante, cuando lo crea debido. Por ahora, les traigo este en directo, una de las más grandes muestras de rock sinfónico, tanto de la banda como dentro del género en general. La versión original, en vinilo, contiene cuatro piezas, que en sí son tres temas; "First Movement: Moderato-Allegro", "Second Movement: Andante", que está dividido en dos, la primera parte en la cara A, y la segunda, en la B, aunque en la versión en CD, que tengo yo, está como una sola pieza. Cierra la presentación "Third Movement: Vivace-Presto". Justamente en esta versión que poseo, de manera digital, son cinco temas, ya que el disco abre con dos que son meramente hard rock, ambas de larga duración; "Hard Road (Wring That Neck)" y "Child in Time", las dos superan los doce minutos y no aparecen en el vinilo.
Para mí, uno de los más grandes dúos de música electrónica de la historia, y no sólo dúos, grupos en general. Me refiero, obviamente, a los franceses Guy Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter, Daft Punk, los infaltables en toda buena fiesta.
Este par se conocieron en Lycée Carnot, una escuela secundaria en París. Los dos se hicieron buenos amigos, lo que los llevó a iniciar la banda Darlin', con Laurent Brancowitz en 1992. Bangalter y Homen-Christo tocaban bajo y guitarra, respectivamente, mientras Brancowitz tocaba la batería. El nombre del trío provenía de la canción de The Beach Boys del mismo nombre, que grabaron junto con una composición original, la cual fue lanzada en un EP de Duophonic Records multiartista. Una reseña negativa de la revista Melody Maker llamó a la agrupación "A bunch of daft punk" (un manojo de tontos punk), ellos, en vez de ignorarla, la encontraron interesante. Como Homen-Christo comentó: "nos esforzamos demasiado en encontrar [el nombre] 'Darlin', y pasó tan rápido...". Darlin' se desintegró después de lo sucedido, dejando oportunidades de Brancowitz en estar con Phoenix, una popular banda francesa de rock alternativo. Bangalter y Homen-Christo formaron Daft Punk y empezaron a experimentar con cajas de ritmos y con sintetizadores.
Resulta que a mediados de los años '70, cuando el rock progresivo estaba muy en boga y muy de moda entre el pueblo rockero, el señor Charly García andaba como loco de un lado al otro con toda su creatividad encima y sin dónde plasmarla, ya que Sui Generis se había desintegrado hacía poco tiempo, es por ello, que ni corto ni perezoso, se embarca en un nuevo proyecto musical, que tendría como principales influencias a bandas como Yes, Genesis, Pink Floyd y Focus, me refiero a La Máquina de Hacer Pájaros, un grupo que duró muy corto tiempo (1975-77), pero que nos dejó grandes canciones y la demostración de que sí podemos hacer rock progresivo del mejor en Latinoamérica.
Los vientos del rock progresivo y sinfónico golpeaban la puerta de García, recordar el fantástico solo de teclados y piano en el concierto despedida de Sui Generis (en el tema "Un Hada Un Cisne"), dentro del estilo Rick Wakeman de "Yessongs", y los arreglos de "Instituciones" (último disco de la banda) que ya insinuaba arreglos en elaborado estilo, además de su reconocido gusto por Procol Harum o su banda de cabecera, The Beatles. La idea de un nuevo proyecto en esta línea ya estaba en marcha.
Oscar Moro, ex baterista de Los Gatos y de Color Humano, entre otras bandas, le había mencionado a Charly que quería trabajar con él. Fue Moro precisamente el primer convocado. Existía por entonces en el Buenos Aires de principios de 1976, una banda formada por Pino Marrone en la guitarra, Aníbal Kerpel en el teclado, Gonzalo Farrugia en la batería y José Luis Fernández que tocaba el bajo. Este joven abandonaría esa banda para unirse a García y Moro. El reemplazante de Fernández sería Gustavo Montesano, mientras que la banda citada luego sería Crucis, una de las grandes en Argentina.
El debut de este grupo (Moro, García Fernández) se dio en Córdoba, poco después, en ese show conocen a un fan, también músico, que tocaba guitarra, llamado Gustavo Bazterrica, que se transformaría en el cuarto miembro del grupo. Alcanzado el estatus de cuarteto, La Máquina de Hacer Pájaros realiza sus primeras presentaciones capitalinas en el boliche La Bola Loca, propiedad de Atilio Stampone. También se había incorporado un coro a cargo de Ana María Quatraro y Héctor Dengis. Pero Charly no estaba conforme y decide agregar a otro integrante para poder alcanzar una identidad grupal que no dependa tanto de él, y eliminar al coro. Es así como Carlos Cutaia, ex Pescado Rabioso, entra a formar parte de La Máquina de Hacer Pájaros. "La onda es hacer una música elaborada, con concepción en los arreglos. Pero no queremos hacer una música hermética, queremos que la entienda todo el mundo." manifestó Charly García en el año 1976. También dijo Charly que la banda pretendía ser "el Yes del subdesarrollo".
La Máquina de Hacer Pájaros fue contemporánea al inicio de la dictadura argentina, y es en este grupo donde Charly comienza a desplegar su enorme potencial como músico, compositor, cantante y letrista.
Había por esos años una tira de humor gráfico, cuyo protagonista era un tal García, y la historieta se titulaba "García y La Máquina de Hacer Pájaros", la coincidencia hizo que adoptaran ese nombre para la banda. El dibujante y humorista autor de esa tira, llamado "Crist", les hizo una graciosa historieta para la portada del álbum debut, en donde el protagonista presentaba a la banda, definiéndola como "un pájaro progresivo".
Con el material suficiente para un disco (mucho del cual ya venía de Sui Generis), comienzan a tocar en locales para no más de trescientas personas, para terminar de afianzarse y afinar los detalles finales, corría mediados de 1976...
Con ese material, totalmente escrito por García, aunque en contra de lo que él pretendía, ya que deseaba ser uno más adentro del grupo y no el líder, (pero la cantidad y la calidad de su producción musical pudo más) se disponen a grabar su debut discográfico. El disco debut fue llamado igual que la banda. La voz de Charly en este primer disco de La Máquina de Hacer Pájaros, casi ni se escucha. En cambio, sí pueden escucharse los coros de Celeste Carballo (actualmente, ícono del rock argentino), con solo 20 años de edad en aquel entonces. "La Máquina de Hacer Pájaros" fue lanzado a finales de 1976.
"La Máquina de Hacer Pájaros" contiene siete temas en total, con varios tracks de larga duración, aunque el que más resalta (y el que se convertiría posteriormente en el clásico de este disco y el tema más popular y reconocido de la banda), es "Cómo mata el viento norte", la canción que menos dura de su disco homónimo.
Las letras de este álbum marcan una distancia con las de Sui Generis, donde eran de estilo más adolescente y amoroso, en este disco, podemos ver a un García intentando ser más profundo. Aunque dicho sea de paso, el tema que abre el álbum homónimo de La Máquina de Hacer Pájaros, "Bubulina", ya se tocaba en las presentaciones en vivo de Sui Generis.
Por otra parte está el lado melódico, que demuestra una gran madurez musical por parte de Charly y compañía. Aunque digámoslo así, los discos de esos años, lanzados entre 1973 y 1976 por bandas como Focus, Pink Floyd o The Alan Parsons Project, el álbum debut en el caso de esta última, están mucho más desarrollados, mientras que La Máquina de Hacer Pájaros, pese a ser de la segunda mitad de los 70's, tenía un rock progresivo más hacia "In the Court of the Crimson King", de King Crimson, considerado el primer álbum de rock progresivo, o "In Search of the Lost Chord", de los Moody Blues, también algo por ahí del famoso "Yellow Submarine" de los Beatles, todos de finales de los sesenta y con un sonido mas lo-fi (esto sin desmerecerlos, ya que los discos mencionados son de los más grandes de la historia, lo-fi no es sinónimo de malo), aunque tiene también bastante similitud sonora con "Close to the Edge", de Yes, lanzado en el '72. En cierto modo, esto se debe a que en esa época era más difícil acceder a los nuevos discos lanzados en Estados Unidos y Europa. Pero estas comparaciones se vuelven simples vanidades al escuchar el disco, donde uno se encuentra con un rock progresivo de primerísima calidad, al nivel de Pink Floyd, Yes, y de las principales bandas progs de aquellos años.
El álbum debut de La Máquina de Hacer Pájaros tiene un rock progresivo con mucha esencia sinfónica y psicodélica, también con algo de ácido, al buen estilo de King Crimson. Abre el disco, como dije antes, "Bubulina", rock progresivo sinfónico, con tintes de psicodelia, donde el sonido de los teclados es magnífico, y digo los teclados porque fueron justamente Charly y su Máquina, los primeros en introducir con éxito en una banda el uso de dos teclados de manera simultánea, en el Argentina y si no me equivoco, en América Latina también. Con unos quiebres alucinantes, el sonido de la batería es espectacular, cosa obvia, ya que la banda contaba con el mejor baterista argentino; Oscar Moro... Y bueno, en "Bubulina" no podemos dejar de mencionar la genial trabajo de la guitarra, con unos solos simplemente hermosos, bastante psicodélicos. Le sigue "Cómo mata el viendo norte", donde la guitarra acústica, acompañada del sintetizador y la suave y melodiosa voz de García, nos llevan de viaje por el paraíso del prog-rock. En esta canción, la batería, rítmica y sin aspavientos, acompaña demasiado bien, y a la vez el bajo, uff, "Cómo mata el viento norte" es una señora canción, digna de los más grandes y sublimes aplausos.
Aparece después, en tercer lugar "Boletos, pases y abonos", un tema muy sinfónico, con una estética que por momentos se acerca al sonido funk, sobre todo por el trabajo que cumple el bajo en este tema. Cabe resaltar también el magnífico solo de teclado, realmente es esencial el trabajo en teclados de La Máquina de Hacer Pájaros. "No puedo verme más" es el cuarto tema del disco, un rock progresivo bastante ácido, donde la guitarra cumple un rol básico dentro de la grandeza de esta canción.
Después viene "Rock and roll", que es básicamente un R&B, con algunos arreglos progresivos.
"Por probar el vino y el agua salada", el penúltimo tema del álbum, un folk rock que al igual que su predecesor, tiene arreglos prog.
Cierra el disco homónimo de esta gloriosa banda argentina "Ah, te vi entre las luces", la canción más larga del álbum, más de once minutos de voces melódicas, coros espectaculares, rock sinfónico, psicodelia ácida y rock progresivo que nada tiene que envidiarle a los grandes del rock progresivo británico.
Por eso y muchas cosas más, vamos a Argentina esta navidad!
La Máquina de Hacer Pájaros se separó a finales de 1977, dejando un efímero pero grandioso legado a todos los amantes del rock, que como yo, y otros miles más de personas, disfrutan mucho y demasiado de este género musical.
Nunca me cansaré de repetirlo, le duela a quien le duela, Argentina es el país que mejor rock en español ha lanzado... Ni siquiera España logra alcanzarle...
Aguante el rock che!
Fuente del contenido histórico: Wikipedia en español.
Aunque ya separados, y con Aphrodite's Child desaparecido, Vangelis y Demis Roussos siguieron colaborando juntos como ya les he contado en alguna otra ocasión, si mal no recuerdo, de manera esporádica. El día de hoy les dejo este super disco, que no es tan fácil de conseguir, pero lo que sí podemos encontrar sin mucho problema son las canciones que lo componen, en YouTube.
"Magic" fue lanzado el año 1977, con música compuesta por Vangelis y cantada por Roussos. Contiene un total de once canciones, con letras bastante felices, al igual que las melodías que contienen, que discurren entre los sonidos de pop melódico, típicos de Roussos durante la mayoría de su carrera, y el sintético new age de Vangelis, que recuerda en muchos momentos al popular pero posterior BSO que hizo para la película "Blade Runner", del '82. Lo adornan también pasajes que tienen cierto sabor a reminiscencia de Aphrodite's Child, con su psicodelia y progresividad.
Y mientras ustedes se distraen con Vangelis y Demis, yo voy a seguir preparando los post prometidos acerca de Daft Punk.
Así es mis queridos lectores, para todos los Daft Lovers y seguidores del popular dúo francés de música electrónica, Daft Punk, hay una gran noticia, ya está disponible en pre-orden para la versión física "Random Access Memories", su nuevo álbum, cuarto en la historia de la banda, que regresa ocho años después de su popularísimo "Human After All". El nuevo disco contiene trece temas en total, de los cuales no se sabe el nombre aún, ya que no hay casi información disponible por parte del grupo. Según me he informado, incluiría las colaboraciones de Giorgio Moroder, Nile Rodgers y Panda Bear. El álbum estará disponible el 21 de mayo, así que ya falta muy poco para poder disfrutar de su nuevo trabajo.
Todos los detalles disponibles y la pre-orden la encuentran en www.randomaccessmemories.com, página web destinada a todo lo que tiene que ver con en nuevo disco de Daft Punk. Dicho sea de paso, los franceses ya no sacarían este material con la disquera Virgin, ya que sería lanzado bajo el sello de la Columbia Records. Y bueno, estos días, antes del lanzamiento oficial de "Random Access Memories" en mayo, iré escribiendo acerca de los tres álbumes anteriores a este y, de paso, si me animo, le entramos también al BSO que hicieron para la película "Tron: Legacy", del 2010.
Hoy juega Perú, sí que sí, contra nuestro clásico rival, Chile, por las clasificatorias al mundial de Brasil 2014, y aunque puede que a la mayoría de ustedes no les importe, a mí sí, ya que las tres cosas que más me gustan son, la música, obviamente, los autos y el fútbol. Así que espero el día de hoy poder ver una victoria nacional. Ahora sí, también el día de hoy, le traigo un álbum genial, estupendo, que para mí, es el mejor de Pink Floyd, ya que siempre he dicho que prefiero a Pink Floyd sin Roger Waters que con él, se trata de "The Division Bell", el décimo cuarto y último álbum de la banda británica de rock progresivo, el segundo sin Waters. Y claro, cuando fue lanzado al mercado, la crítica le tiró una buena cantidad de piedras encima, diciendo, por ejemplo, que "la avaricia es la única explicación posible para este álbum simple y estúpido, notable por la fusión de rock progresivo pomposo y new age que pone enfermo", además de que el señor Roger salió a decir que era una "basura, tonterías de principio a fin", claro, me imagino que estaba resentido porque dentro de todo se creía amo y señor de Pink Floyd y el hombre creativo, craso error, a mi parecer, Roger Waters disminuyó mucho la capacidad creativa grupal, no niego que sea un buen músico, pero prefiero a David Gilmour, por kilómetros de distancia. Pero bueno, a la mayoría de los pinkfloyers que conozco no les simpatiza tanto el Pink Floyd de Gilmour como el de Waters, o el del mismo Syd Barrett.
Pero bueno, en 1985, al dejar Roger Waters la banda, este la dio por oleada y sacramentada, pero aún así, sus compañeros siguieron usando el nombre, por lo que hubo algunos pleitos legales, que después de que se repartieran a pedazos lo que quedaba del grupo, me refiero a autoría de las canciones y los derechos de estas, Gilmour, Mason y Wright pudieron continuar usando el nombre de la banda, aunque en el penúltimo disco de esta, el primero sin Waters, "A Momentary Lapse of Reason", Wright participó no como parte de Pink Floyd en sí, más bien fue músico asalariado, cosa que ya no ocurrió en "The Division Bell", donde también compuso y metió su cuchara...
En enero de 1993 Gilmour, Mason y Wright comenzaron a improvisar nuevos temas, en unas sesiones de grabación en los Estudios Britannia Row, recientemente reformados. A pesar de que la banda tenía cierta aprensión a grabar juntos nuevamente, después del primer día aumentó la confianza en sí mismos y poco después, pidieron al bajista Guy Pratt (quien, desde el final de la gira de "A Momentary Lapse of Reason", se convirtió en novio de la hija de Wright), que contribuyese. Según Mason, "ocurrió un fenómeno interesante, que fue que la forma de tocar de Guy comenzó a cambiar la atmósfera de la música que nosotros mismos habíamos creado con anterioridad". Sin los problemas legales que experimentaron a la hora de producir su álbum de 1987, "A Momentary Lapse of Reason", Gilmour estaba más tranquilo; si veía que la banda "estaba consiguiendo algo", simplemente apretaba el botón de grabar. En un punto Gilmour, grabó de forma clandestina a Wright tocando los teclados, capturando material que después sería la base de tres piezas musicales.
Las improvisaciones que grabó la banda ayudaron a estimular su proceso creativo, y después de unas dos semanas ya tenían unas 65 piezas de música. Con el ingeniero Andy Jackson de vuelta y Bob Ezrin contratado como coproductor, trasladaron la producción a la casa flotante y estudio de grabación de Gilmour, el Astoria. La banda escuchó todo y emitió votos para cada pista, escogiendo el material hasta llega a tener unas 27 piezas musicales. Eliminando algunas de las piezas y fusionando otras, finalmente se quedaron con unas quince pistas, antes de recortar nuevamente y dejarlo finalmente en once canciones.
Wright recibió sus primeros créditos como compositor en un álbum de Pink Floyd desde "Wish You Were Here" de 1975.
La nueva esposa de Gilmour, Polly Samson, también recibió créditos de composición. Inicialmente, su papel se limitaba a apoyar y animar a su marido, pero después ayudó a Gilmour a componer "High Hopes", canción que trata sobre la infancia de Gilmour y su juventud en Cambridge. Después, su papel se expandió hasta co-escribir otras seis canciones, algo que no le sentó muy bien a Ezrin. En una entrevista concedida a la revista Mojo, Gilmour admitió que las colaboraciones de Samson habían "alborotado al productor", a pesar de que después Ezrin dijera que su presencia era una inspiración para Gilmour y que ella hizo "que el álbum saliese adelante".*
Gilmour usó varios estilos distintos en el álbum. Por ejemplo, "What Do You Want from Me" tiene influencias del chicago blues y "Poles Apart" tiene varios matices folk, un último ejemplo sería el tema "Take It Back", que tiene un sonido que recuerda mucho al de U2, sobre todo en la guitarra, que recuerda a la de The Edge.
La portada del disco es la fotografía de dos enormes cabezas metálicas con la medida aproximada de un autobús de dos pisos, se colocaron juntas y fueron fotografiadas de perfil para crear la ilusión óptica de que no sólo estaban una frente a la otra o hablando, sino que también se le presentaba al espectador una tercera cara. Las esculturas fueron concebidas por Keith Breeden y construidas por John Robertson. En el horizonte se divisa la Catedral de Ely. Las esculturas ahora se encuentran en el Rock and Roll Hall of Fame de Cleveland, Ohio.
Dos días después del lanzamiento del álbum, que fue el 28 de marzo del '94, comenzó la Gira Division Bell.
"The Division Bell" cuenta con once temas en total, de los cuales mis preferidos son "Take It Back" y "Coming Back to Life", de este última escribí un artículo en nuestro blog hace un tiempo, que se los linkearé más abajo.
El sonido del álbum es obviamente rock progresivo, pero tiene sus tintes de new age, cosa que a muchos no les simpatiza, aunque a mí sí. Me encantan también los solos de guitarra del disco, Gilmour les impregna una genialidad digna de un grande, en temas como "Marooned" por ejemplo, un excelso instrumental de más de cinco minutos. En cuestión de letras, estas son maravillosas, simples y a la vez complejas, sin tanto tormento, por decirlo de alguna manera, impregnado en ellas, ese es el ejemplo que nos da "Coming Back to Life", octavo tema del disco, tema sobre el cual escribí detalladamente en el siguiente artículo: "Pink Floyd: Coming Back to Life" (clic aquí para leer). Según mi parecer, la más grande esencia creativa de Pink Floyd se encuentra en "The Division Bell", álbum lleno de hermosas canciones, sin las viejas pretensiones de antaño, aunque no niego que me gustan bastante álbumes como "The Dark Side of the Moon", "Atom Heart Mother" o "Wish You Were Here".
El álbum lo abre "Cluster One", un espléndido instrumental, le siguen "What Do You Want From Me" y "Poles Apart", después de las cuales aparece un nuevo instrumental, el ya mencionado "Marooned", para luego dar pase "A Great Day for Freedom", un temón, "Wearing the Inside Out", "Take It Back", otro temazo, y después "Coming Back to Life", mi favorita en toda las historia de Pink Floyd. Para cerrar ya el disco, llegan "Keep Talking", donde se escucha la voz electrónica de Stephen Hawking, "Lost for Words", otro de los temas que más me gusta y finalmente entra "High Hopes", la canción que da por concluido el último gran álbum de rock progresivo de la historia, el último suspiro de aquel gran mastodonte inmenso llamado Pink Floyd... El último disco de rock progresivo que en verdad, se hizo sentir... Con una gran esencia ochentera, valga decir que se grabó con las técnicas de los ochentas y no con las que estaban vigentes en los años que salió... Bendito sea "The Division Bell", un álbum que se robó mi corazón, desde su tapa, el diseño es mi favorito de todas las tapas de álbumes que he visto, hasta su última canción...
Acá les dejo el álbum completo:
*Fuente: Wikipedia en Inglés y Español. Quiero dejar en claro, por si acaso, que en Pentagramario usamos la Wikipedia sólo para sacar datos históricos, el resto son nuestras opiniones.
Para todos aquellos que aman la música pop al viejo estilo, acá les dejo un álbum que contiene un tema que lleva el nombre del mismo y que ya deben conocer, me refiero a "Forever and Ever", del griego Demis Roussos, que aunque es nacido en Egipto, nació en el seno de una familia griega que fue expatriada de su país. Luego de estar junto a Vangelis en Aphrodite's Child, antes de que la banda se separase, lanza su primer álbum como solista: "On the Greek Side of My Mind", en el '71, disco que no pegó tanto como el posterior, del año 1973, que contiene el super éxito que da nombre al disco y que mencioné al inicio.
"Forever and Ever" es un disco que contiene canciones muy buenas y que a la misma vez te relajan, son suaves, como para pasar un momento con música a bajo volumen, mientras conversas, te tomas un café, y bueno, cuando vas en el auto... También son de esas geniales para simplemente sentarse a escuchar, como toda buena canción.
Bien, antes de continuar y dejarles la lista de temas y una canción para que escuchen, quiero contarles algo un poco sentimental, pero en el buen sentido, nada amoroso, sino de darme cuenta de lo valiosos que se han convertido este blog y mis conocimientos musicales para otras personas, entre las cuales se encuentran algunas que conozco y aprecio mucho.
Bien, hoy les traigo un álbum sencillamente espectacular, uno de los mejores de la historia... "Days of Future Passed", de The Moody Blues, lanzado en diciembre del '67, considerado por muchos como el precursor del rock progresivo, es más, yo personalmente, junto a algunos otros, considero este álbum el primer gran álbum conceptual y el primer álbum progresivo. No puedo asegurar que sea el primer álbum conceptual, lo dudo mucho, pero sí puedo asegurar que es el primero de los grandes... Mis conocimientos musicales no dan para tanto por ahora, pero con los años me imagino, al crecer mis conocimientos, tendré la suficiente sabiduría musical como para poder dar un personal veredicto al respecto...
"Days of Future Passed" es mi disco favorito de los Moody Blues, es también el primer disco de esta banda británica que escuché de manera íntegra, aunque paradójicamente no contiene la primera canción que escuché de ellos, que es la popular "In Your Wildest Dreams", del año 1986. Cuando por primera vez escuché este hermoso álbum, me di cuenta que era justo lo que andaba esperando escuchar en una banda progresiva, algo super sinfónico, mi lado clásico me hacía sentir obligado a encontrar algo de esas dimensiones, y pues, al final lo terminé encontrando, y me fascinó.
Cabe recordar que de ese mismo año, 1967, es lanzado el primer disco de Pink Floyd; "The Piper at the Gates of Dawn", aunque este, pese a tener su lado progresivo, es más psicodélico, y en verdad, pese a ser de Pïnk Floyd, no se merece los aplausos y el renombre que le doy a "Days of Future Passed"... Una nota antes de continuar, el álbum de Pink Floyd es del mes de agosto, mientras que "Days of Future Passed", es de diciembre.
Este disco es el segundo de los Moody Blues, el primero es del año 1965, "The Magnificent Moodies", pero este primer disco tiene algunas distancias con el segundo, primero, que tira más hacia el R&B y el clásico pop rock británico de aquellas épocas, al estilo de los Beatles, Rolling Stones y bandas similares, segundo, que cuenta con dos miembros que se retirarían el año '66.
The Moody Blues contaba inicialmente con cinco miembros, primero: Ray Thomas (flautas, armónica, voz) y Mike Pinder (teclados y voz), ambos fundadores, a quienes se uniría más tarde Denny Laine (guitarra y voz), Graeme Edge (batería) y Clint Warwick (bajo), y serían estos cinco quienes compondrían los primeros Moody Blues, y quienes grabarían juntos su primer LP, ya en 1966, luego de algunas giras, Laine y Warwick decidirían pasar a retirarse, llenando su sitio Justin Hayward y John Lodge respectivamente, quedando así la formación más duradera de la banda, aunque unos años más tarde Patrick Moraz sustituiría a Pinder.
Bien, ya tienen algo de su historia, ahora sí, nos metemos de lleno a "Days of Future Passed".
The Moody Blues reagrupados, se proponen, antes que nada, mantenerse a flote financieramente, y deciden tocar principalmente en Europa. El despegue esperado se da cuando Deram Records, un sello de Decca Label, en 1967, decide que necesita un disco de larga duración para promover su nuevo equipo de sonido "Deramic Stereo". The Moody Blues es escogido para el proyecto propuesto, y les encargan elaborar los arreglos de una versión en rock de una pieza clásica llamada Dvorak’s New World Symphony, inmediatamente ellos convencen al productor y al ingeniero del staff, abandonar el material propuesto y permitir al grupo usar una serie de sus propias composiciones que denominaban “Un día arquetípico, de la mañana a la noche”. Estos aceptan y usando las cintas de la nueva música realizada por la banda, con arreglos de orquesta sinfónica ejecutados por el conductor Peter Knight, se realizo el álbum "Days of Future Passed", el cual se volvió un hito en la historia del grupo. La mezcla de rock y los sonidos clásicos era nueva, al principio confundió a la compañía disquera, pero al final se convenció y el disco fue producido y sacado a la venta. Este álbum, y sus temas "The Night: Nights in White Satin" y "The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?)/Time to Get Away”, enganchadas armónicamente en el álbum, dieron como consecuencia su siguiente disco "In Search of the Lost Chords", del año 1968, en este nuevo proyecto la banda desecha la orquesta en favor del mellotron (instrumento musical electro-mecánico polifónico que apareció a mediados de los años '60), que rápidamente se volvió parte del sonido de la los Moody Blues.
El disco nos narra la vida, el ser de un día común y corriente, y en cierta manera, es una crítica a la monotonía diaria. Con unas letras espectaculares y a la vez simples, nos lleva a través de sus múltiples y suaves acordes, por un mundo donde un día común y corriente se convierte en algo más que eso, se convierte en la vida...
Yo creo que más que en las letras, sin despreciar a estas que son muy bellas y geniales, como el poema al inicio del álbum, recitado al final de la primera canción, que lamentablemente mucho se ha criticado por lo pomposo y clásico, lo más importante de este álbum se centra en la melodía, que también se ha criticado según he leído, por lo clásica y un tanto pasada de era que es, pero para mí, estos comentarios son sinceramente irrelevantes, porque creo a ciencia cierta, que en las melodías clásicas combinadas con las distintas afluencias rock, sobre todo de orden progresivo y psicodélico, se encuentra el secreto de lo maravilloso de "Days of Future Passed".
La melodía es estupenda, el sonido de la flauta y de los violines se llevan los aplausos a la hora de analizar el lado clásico, pero sin desmerecer al piano, que es hermoso en temas como "Evening: The Sun Set/Twilight Time". Del lado rock, obviamente progresivo y psicodélico, lo que me hace mucha gracia es en el tema "Lunch Break: Peak Hour" cuando el rock toma una esencia que dentro de su psicodelia, toma rasgos de surf rock y de proto-punk, algo super increíble...
Y las voces, melódicas, acompasadas, llenas de vida... Todo lo que compone "Days of Future Passed" es genial!
Y bueno, "Days of Future Passed" contiene en total siete piezas, todas increíbles, no puedo resaltar ninguna, todas engranan en absoluta y perfecta armonía, dando una continuidad sonora al álbum que deja sorprendido al más conocedor, convirtiéndola en una pieza única e inestimable que todo melómano y amante del prog-rock debería tener en su colección, o al menos, escucharla íntegra una vez en su vida...
Tracks:
The Day Begins
Dawn: Dawn Is a Feeling
The Morning: Another Morning
Lunch Break: Peak Hour
The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?)/Time to Get Away
Evening: The Sun Set/Twilight Time
The Night: Nights in White Satin
Bien, como escuchar una sola pieza del disco, se los dejo completo, escúchenlo y viajen por el hermoso mundo del rock progresivo... Más adelante veremos más discos de esta increíble banda británica.
Bien, mientras termino de preparar un material que quería mostrarles hace un tiempo, les traigo este álbum que es sencillamente espectacular, "End of the World", del año 1968, álbum debut de la banda griega Aphrodite's Child, de donde luego se lanzarían en solitario tanto el popular intérprete de pop melódico Demis Roussos, como al que ya mencionamos algunos post atrás, el compositor de new age Vangelis, aunque ambos ya venían de haber estado en otras bandas, cuyos nombres no recuerdo, pero bueno. Aphrodite's Child luego del lanzamiento de su primer disco, se volvió muy popular en Francia, donde vivían por esos días tres de sus cuatro miembros, ya que el último se había quedado cumpliendo servicio militar en su país natal, Grecia, debido a que la dictadura andaba en el poder aquellos días en la tierra Zeus, es por eso que los miembros de Aphrodite's Child, y de otras bandas griegas más, habían tenido que migrar al país de Víctor Hugo, unos de quedada y otros de paso a Inglaterra, como fue el caso de Vangelis y compañía, aunque al final se vieron obligados a permanecer en Francia por algunas revueltas que hubieron por allá y que no les permitieron partir a Inglaterra.
Dos en uno, así es "Bi", el último álbum del popular cantautor argentino Kevin Johansen y su grupo The Nada, un disco doble que es absolutamente genial. Se compone de dos partes, obviamente, el primer disco se titula "Jogo/Subtropicalia", y el segundo "Fogo/Pop Heart", el primero más latin y el segundo más hacia el pop, aunque ambos tienen como base melodías latinas. Fue lanzado el año pasado
Nunca fui muy conocedor ni fanático de Kevin, es más, nunca se me dio por investigar y escuchar su música, simplemente tenía su canción "Desde Que Te Perdí", de su álbum "City Zen", del 2004, y pues la escuchaba de vez en cuando. Hasta que un día, viendo VH1 vi un video de "Modern Love" de David Bowie, pero no interpretada por él, sino por Johansen, era el video de un cover increíble, y claro, me encantó esa versión y me puse a buscar, y me encontré con este disco, y no le presté mucha atención, simplemente adquirí el cover de "Modern Love" y ya, hasta que hace unos días vi que alguien había posteado la canción "Amor Finito", la primera del disco uno y del álbum en sí, una canción con una melodía y una letra realmente hermosas, y me dije "este disco tiene que ser mío", y bueno, lo adquirí.
Oh sí! Hoy estamos felices, porque aquí, en Pentagramario, cumplimos seis meses, seis meses de compartir con ustedes, nuestros lectores, la mejor música del mundo, rock, pop, indie, clásica, electrónica, disco... Todo, desde lo mejor del rock peruano hasta los grandes clásicos, desde la electrónica experimental de Crystal Castles hasta el britpop de Coldplay, y claro, ustedes siempre han estado ahí, leyendo siempre cada post, escuchando cada canción y dándonos sus likes en Facebook.
Gracias, muchas gracias por esa fidelidad, por ser parte de nosotros, por ser nuestra razón de ser y por mantenernos con vida, Pentagramario realmente los quiere, y por eso mejoramos cada día, para entregarles cosas cada vez mejores, día día, semana a semana, mes a mes.
Gracias a ustedes pasamos la barrera de las 10,000 visitas, gracias a ustedes Google nos debe 1.07 dólares por la publicidad (ja ja ja), gracias a ustedes lanzamos "El Amor en los Tiempos del Rock", gracias a ustedes tenemos muchos proyectos desarrollándose, proyectos que ya les iremos contando más adelante.
Por eso y muchas cosas más, visita Pentagramario siempre, siempre!
Albricias, albricias! Del primero al 24 de este mes celebramos los 40 años del lanzamiento del disco más exitoso en la carrera de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd; "The Dark Side of the Moon". ¿Por qué del 1ro al 24? pues porque este hermoso álbum se lanzó el primer día del mes de marzo del año 1973 en los Estados Unidos, y posteriormente, el 24 del mismo mes, en el Reino Unido. Así que me imagino que todos mis lectores pinkfloyers deben estar felices y contentos por tan magno evento, y claro, nuestro blog no podía estar ajeno a tamaña circunstancia. Pero haciendo un paréntesis en medio de tanta alegría pinkfloyística, nosotros, los que estamos detrás de este blog, su querido Pentagramario, celebramos al mismo tiempo el haber alcanzado las 10,000 visitas, seis meses después de lanzar nuestro blog, así que dos alegrías en un mismo momento. Y bueno, antes de seguir con todo lo de Pink Floyd y los cohetes y luces psicodélicas mentales que desataremos hoy y los días que restan, yo, Santiago Cárdenas Malásquez, quiero agradecerles a todos ustedes, los que hacen posible que nuestro blog se mantenga vivo y vigente, quiero agradecerles por siempre estar ahí, al otro lado de la pantalla, siguiendo de manera fiel durante estos seis meses los artículos que posteamos para ustedes... Y es que ustedes son la razón de existir de Pentagramario, que mañana 11 de marzo, celebra su medio año de existencia... Realmente Gracias!
También, este blog quiere saludar de manera especial a una lectora que siempre nos sigue, la señorita Ana P., que este mes cumple 18 años... Ya el mismo día de su cumpleaños haremos un post de la banda, compositor o solista que nos pida, a manera de regalo.
Ahora bien, volvamos a lo de hoy, "The Dark Side of the Moon" y sus 40 años. Aunque antes debo acotar un par de cosas, primero; el octavo y cuarentón álbum de Waters, Gilmour, Wright y Mason, no es mi favorito de ellos, pese a ser su álbum icono, además de portar la portada, valga la redundancia, más representativa de Pink Floyd, y de haber recibido los mejores comentarios de la crítica, mi álbum favorito de los británicos es "The Division Bell", y lo digo aunque me tiren piedras. Y segundo, pese a que la portada de "The Dark Side of the Moon" es la que más representa a Pink Floyd, como ya dije antes, y la que más aplausos tiene en su haber, tampoco es mi favorita, a la que sí le prendo velas y ya sin querer redundar otra vez, es a la portada de "The Division Bell"... Aunque creo que la mayoría de pinkfloyers me detestará por decir lo que acabo de decir, pero bueno... Prefiero Pink Floyd sin Waters que con él!
Yo adoro mucho "The Dark Side of the Moon" porque es el álbum que dio pie a la carrera musical de uno de mis ingenieros de sonido favoritos, Alan Parsons, y que dio pie también a la creación de mi banda de rock progresivo favorita; The Alan Parsons Project, es más, mucho del sonido que ostenta el proyecto musical de Alan es justamente influenciado por este álbum que esta de cumpleaños... ¿Por qué digo todo esto? pues porque Parsons fue el ingeniero de sonido de "The Dark Side of the Moon", aunque dicho sea de paso, ya había trabajado antes con Pink Floyd, como asistente en las grabaciones de su álbum "Atom Heart Mother"... Ya mucho bla bla bla creo, la cuestión es que en verdad no me queda mucho por decir de "The Dark Side of the Moon", ya que se ha escrito demasiado, es por es que recién ahora me animo a escribir sobre el disco mencionado, por ser una fecha especial. Así que hoy en vez de narrar la historia detrás del disco y esas cosas, pues les dejaré una recopilación de videos, imágenes y todo lo posible para que se diviertan mucho y la pasen bien a ritmo de "The Dark Side of the Moon".
Espero realmente disfruten este material.
En Vivo:
Álbum Completo:
La Imagen: Miembros:
De izquierda a derecha: Richard Wright, David Gilmour, Nick Mason y Roger Waters. Año 1973
Quiero disculparme con aquellos lectores continuos del blog por haberlos tenido abandonados por un poco más de una semana, pasa que estuve de viaje y no he tenido mucho tiempo para escribir, pero hoy, reiniciamos a full los post en nuestro blog, y qué mejor para empezar la semana que con Vangelis. Así que bueno, este domingo arrancamos con "Spiral", del año 1977, disco que contiene uno de mis temas favoritos del compositor griego; "To the Unknown Man", pese a que "Spiral" es en sí genial, el tema que les menciono es el súmmum del álbum, su momento más épico.
Aunque bueno, vamos poco a poco. De Vangelis ya he escrito antes, así que si bajan un poco encontrarán sus post, o si van a la barra derecha que dice "Ver por Artistas", pues le hace clic a su nombre y ya, podrán encontrar todo lo que tenga que ver con él.
"Spiral" tiene un sonido que me remite a algunos grupos de la época en que salió, como Tangerine Dream, obviamente por su base en el sintetizador, pero también por algunos arreglos, aunque como siempre, se nota la marca de Vangelis a lo largo de los temas, full synthpop, pero si nos detenemos a escuchar bien "To the Unknown Man", nos daremos cuenta de la fuerte influencia de rock progresivo que tiene, recordemos que Vangelis se inición justamente en un grupo de rock de este tipo.
