Entre mis recientes descubrimientos, logrados gracias a mi incesante búsqueda de nueva música a través de la red, me encontré con Jerome Alexander, británico conocido en el ambiente musical como Message to Bears.
Recientemente he desarrollado un creciente fervor hacia la música de estética gris, llámese triste, depresiva o etérea y sin sentido, sobre todo si se trata de géneros como el post rock, el ambient, la neoclásica, el dream pop, la experimental, minimalista, electrónica o de estética flaminglipstística.
Message to Bears reúne las cualidades necesarias para encontrarse en el top de mi playlist actual, gracias a su creación de bellos paisajes sonoros que entretejen la guitarra acústica, el piano, la electrónica, samples etéreos, cuerdas y voz baja, generando una perturbadora y sosegada sensación de adormecido y placentero dolor musical. Una excelente muestra de melodías que conjugan lo neoclásico con lo ambiental, lo electrónico con lo folk (folktrónica en muchos casos).
"Departures" es su primer álbum de estudio, lanzado el 6 de Julio del 2009, el cual nos sumerge en una estética folk pop, rodeada y cultivada por todos los géneros antes mencionados, acoplándonos a una melodía donde predomina la guitarra acústica, secundada por un triste pero positivo piano, con el que probablemente sientas las insatisfactorias ganas de recurrir a un suicidio, las cuales se verán oportunamente menguadas gracias al positivismo impreso en las notas de ese mismo piano. cosas de la vida.
Particularmente no tengo una canción preferida en este álbum, ya que es bastante homogéneo.
Y buéh. Hasta aquí por hoy, tengo mucho sueño... Pero como verán, ya estoy regresando a mi vieja continuidad en Pentagramario, y eso, si eres de los cuatro gatos que me leen, es bueno.
Sólo queda decir, ¡Viva el folk ambiental y el ambient folker de Message to Bears y su genial nombre! (todos amamos a los ositos, oh sí). Tracks:
Running Through Woodland
Hidden Beneath
Pretend to Forget
Hope
Autumn
At the Top of This Hill
November
Snowdonia
Find Our Way Home
Lost Birds
Lo pueden escuchar íntegro aquí mismo, gracias al bendito Bandcamp.
Entre mis recientes vicios se encuentra The Decemberists, una banda de folk-rock e indie-folk proveniente de los Estados Unidos que me ha impresionado mucho últimamente, pese a que ya la había escuchado hace un buen tiempo atrás.
Todos sus discos me gustan mucho, así que bueno, no iré en orden para hablar de ellos, sino que iré posteando poco a poco acerca del que me nazca escribir.
Hoy nos ocupa su cuarto álbum de estudio, "The Crane Wife", lanzado el año 2006.
Dentro de una estética folk, desarrolla sonidos que van desde el mismo folk-rock hasta el rock progresivo... con algunos momentos pop (haciendo referencia al sonido más pop que pueda albergar el folk), excelente guitarra, teclados bien sesenteros, un "welcome back" musical perfecto... y bueeeeeeeeee... El disco, aunque cuenta con canciones con diversas historias y letras, está inspirado en un cuento folclórico japonés llamado La Esposa Grulla (The Crane Wife).
El cuento narra la historia de un hombre que a la puerta de su casa encuentra una grulla lastimada. Él la toma, la cuida, la cura y protege. Un día, lanza la grulla ya sana al viento y esta empieza a volar, y entonces ante la puerta del hombre, aparece una hermosa mujer, de la cual se enamora para posteriormente casarse. Como estaban muy pobres, la mujer se ofrece a tejer ropas con una maravillosa seda, para que él la pueda vender en el mercado, la única condición que pone es que el hombre no puede verla mientras trabaja. Entonces empiezan a ganar dinero y logran tener una vida bastante cómoda, pero de pronto el hombre la hace tejer más y más a su esposa, que obviamente empieza a ver afectada su salud, cosa que no veía su esposo al estar cegado por la avaricia. De un momento a otro decide asomarse a ver lo que su esposa está haciendo para que la seda sea tan deseable, y se da con la sorpresa de que en el telar está una grulla sacando las plumas de su propio cuerpo y tejiéndolas en el telar. La grulla al verlo se va volando lejos y nunca regresa.
Este cuento se encuentra dividido en dos canciones; "The Crane Wife, Pt. 3" y "The Crane Wife, Pts. 1 & 2". La primera, curiosamente, siendo la que narra el final del cuento, es la canción que abre el disco, la segunda, es la penúltima.
El álbum contiene diez temas en total, con diversas historias en cada canción, como por ejemplo "When the War Came", que es una representación del sitio de 900 días sobre la ciudad de Leningrado en la Segunda Guerra Mundial. Durante el asedio, el ejército alemán rodeó la ciudad por completo, evitando que cualquier cosa entre o salga de la misma. Como resultado, muchas personas murieron de hambre. La cifra final de las muertes se estima en más de un millón. La canción también hace referencia a Nikolái Vavílov, botánico ruso asesinado por Joseph Stalin. Otro ejemplo es "Shankill Butchers", una canción acerca de la banda de la Ulster Volunteer Force; los carniceros de Shankill (Shankill Butchers). La UVF es una organización paramilitar protestante. Los carniceros de Shankill se separaron de la UVF en la década de 1970 y llevaron a cabo una serie de asesinatos espantosos.
Pese a que algunos fans de la banda afirmaron que esta se había vendido (debido a su contrato con la Capitol a partir de "The Crane Wife"), y que por ende su sonido ahora era más pop, en verdad fue una necedad ponerse en esa posición. Primero porque el disco contiene canciones bastante progresivas y experimentales, cosa poco mainstream el día de hoy, segundo porque cualquiera puede dudar que una disquera como la Capitol Records fuese a firmar un contrato con una banda para tergiversarla, sobre todo después del éxito conseguido por The Decemberists dentro de un formato extremadamente indie... pero bueee...
La crítica le dio una muy buena recibida, con muy buena cantidad de puntos. Los oyentes de la National Public Radio (NPR), votaron por "The Crane Wife" como el mejor álbum del 2006.
En mi personal perspectiva este es uno de esos discos "más lo escucho más me gusta".
Tracks:
The Crane Wife, Pt. 3
The Island: Come and See/The Landlord's Daughter/You'll Not Feel the Drowning
Entre los resientes lanzamientos discográficos se encuentra el primer LP de la no tan nueva banda norteamericana Haim, indie pop e indie rock con tintes folk.
Este grupo está compuesto por las tres hermanas Haim; Este, Danielle y Alana, junto con el baterista Dash Hutton.
Previamente a "Days Are Gone" (el disco que nos ocupa hoy), lanzaron los EP's "Forever" y "iTunes Festival: London 2012", ambos del año pasado, pese a que la banda venía actuando ya desde el año 2006.
El estilo de Haim mezcla R&B contemporáneo, indie pop, indie rock y algo de folk, y ha llegado a ser comparado con el de la mítica banda Fleetwood Mac, cosa que no es para menos. En sí, nos encontramos frente a un excelente material, donde sentimos diversas influencias (desde toques funk hasta momentos vocales que traen a la mente la voz de Michael Jackson).
"Days Are Gone" fue lanzado exactamente hace tres días, y marca el inicio (por obvias razones), del principio del trabajo discográfico de Haim.
Un muy buen conjunto de singles, con un marcado y diferenciado trabajo de la batería y la percusión, como suele darse en muchos casos dentro del indie pop. Los vocales son excelentes, variando de agudos a graves en segundos. Si tuviese que elegir algunos temas del disco, me quedaría con "Falling" (se me pegó apenas lo escuché) y "The Wire", ambos, singles importantes del álbum (fueron lanzados el 12 de octubre del pasado año y el 9 de agosto del presente respectivamente).
La crítica en general le ha dado una buena puntuación; 8.3/10 en el caso de Pitchfork, 3.5/5 la Rolling Stone y 4/5 por parte de Allmusic. Sin duda un inicio bastante satisfactorio para un álbum debut. En lo que respecta a la recepción por parte del público en general, esta se ve bastante prometedora, con más de tres millones de vistas en YouTube del single "Falling" con comentarios y votos favorables en su mayoría, sólo por dar un pequeño ejemplo.
Esperemos les vaya muy bien... Y tengamos noticias de nuevo material en un tiempo cercano.
"9" es el segundo álbum de estudio del músico irlandés Damien Rice, el último hasta el momento, lanzado en noviembre del 2006. Me lo encontré buscando una canción que había escuchado al final del capítulo de una de mis series de t.v favoritas; Dr. House. La canción se titula "Grey Room" y me atrajo rápidamente al escucharla por primera vez. Así que cuando pude, adquirí y añadí a mi colección el disco al cual pertenece esta canción, y no me arrepiento, un material excelente.
Al principio Rice fue el cantante de Juniper, una banda de rock que llegó a lanzar los singles "The World Is Dead" y "Weatherman". El día anterior a la grabación de su primer álbum en 1999, Rice no estuvo de acuerdo con la dirección comercial que estaba tomando el disco, debido a la presión de la discográfica Polygram, y tomó la decisión de abandonar el grupo. Sus compañeros de Juniper se convirtieron en Bell X1. Él se trasladó a la Italia rural, donde tocó la guitarra acústica, escribió canciones y recorrió Europa hasta que fue capaz de formar un grupo y tocar pequeños conciertos en cafeterías del área de Dublín. Gracias a su primo en segundo grado, David Arnold, Rice pudo grabar "O", su primer disco, por el que ganó varios premios. Otros miembros del grupo son: Lisa Hannigan, como cantante (que ocasionalmente toca guitarra y bajo), Vyvienne Long, que toca el cello, el percusionista Tom Osander y el bajista Shane Fitzsimons.
Siguiendo dentro del pase de revista a los discos de estudio de Sui Generis, hoy les traigo el cuarto y último de estos; "Sinfonías Para Adolescentes" lanzado el 30 de octubre del 2000 (un día antes de que yo cumpliera 6 años), luego de 25 años de su separación en el estadio Luna Park, el conjunto se reunió y grabó este disco, compuesto de covers elegidos por Charly García, nuevos temas del grupo (seis en total) y algunos temas olvidados; "Cuando Te Vayas", "Espejos", "Monoblock", "Afuera de la Ciudad" y "Juan Represión". Con un sonido muy a lo crossover prog, debido al lado pop que desarrolló Charly durante los '80.
Las grabaciones de "Sinfonías Para Adolescentes" fueron un momento tenso para Nito, ya que el disco se volcó hacia las pretensiones de Charly (como el hecho de tocar covers elegidos por él, de usar su propia banda), cuando debía haber un equilibrio entre ambos. Pero pese a todo, este disco es excelente, ya que combina perfectamente la esencia setentera de Sui Generis con una estética más a lo ochentas...
Y bueno... Sí hay que admitir que en "Sinfonías Para Adolescentes" se siente mucho más a García que a Mestre. Ya que los estilos que desarrollaron estos después de Sui Generis fue muy distinto. Charly hacia algo más progresivo y luego pop, mientras que Nito se fue hacía los blues y el folk, mucho más acústico.
"Vida", lanzado en el año 1972, es el primer álbum de estudio del grupo argentino Sui Generis, compuesto por Charly García (piano, guitarra acústica y voz) y Nito Mestre (flauta, guitarra acústica y voz), a quienes se unían en el debido momento diversos músicos cuando estos eran necesarios.
Parte importante del movimiento rock en el argentina durante sus primeros años, Sui Generis en lo personal me ha dejado una clara marca en mi gusto musical, sobre todo por una canción en especial, perteneciente a este disco; "Quizás Porque".
Para los que me conocen y han venido leyendo en este blog desde el principio saben que mis padres son muy fanáticos de la música de Charly García, Sui Generis y Serú Girán (rock argentino en general), y eso a mí me marcó,. Por sobre todas las cosas tengo un claro recuerdo de ver a mi papá tocando y cantando con su guitarra "Quizás Porque", recuerdo que se ha quedado perenne en mi mente hasta el día de hoy.
Folk rock, blues, nada excepcional terminológicamente hablando, pero musicalmente genial, aunque sencillo. "Vida" es un disco puro e inocente (esto citando textualmente a sus autores..., y en mi opinión también), muy juvenil y sincero. El primer trabajo de ambos miembros de la banda, con ciertas influencias de Procol Harum, los Beatles y grupos de ese estilo, grupos británicos de los que García gustaba mucho.
Entre mis búsquedas actuales, me he interesado bastante por la música que da vida al término crossover prog, que abarca el lado pop de la música progresiva, yendo desde los Moody Blues, pasando por The Alan Parsons Project y llegando hasta Radiohead. Ahí me encontré con una interesante banda rusa de la ciudad de San Petersburg; iamthemorning, y a su álbum debut; "~" (que también se conoce como el álbum homónimo), lanzado en abril del 2012, y remasterizado en octubre de ese mismo año. La banda está compuesta por Marjana Syomkina (vocales), Gleb Kolyadin (piano), Diakov (violín), Filipp Buin (viola), Alina Shilova (cello), Maxim Rudenko (bajo), Mikhail Istratov (percusión), y Evgeniy Abzalov (guitarra). La música de iamthemorning oscila entre la música folk europea, el indie, la neoclásica (todos sus miembros tienen formación clásica) y varios elementos de la música progresiva. Abundante en melodías de piano y cuerdas (violín, cello), "~" tiene también por momentos cierto grado de distorsión (noise) y momentos muy progresivos, bastante pesados y hard. Combina muy bien una estética bastante suave (gracias en gran medida al trabajo de Marjana Syomkina en los vocales) y un trabajo muy a lo post-rock (?).
Sin duda, uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia; "Pet Sounds", de los Beach Boys, que junto al popular "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles, conocido también entre los hispanohablantes como el "Sargento Pimienta", marcan el inicio de lo que unos pocos años más tarde se convertiría en el rock sinfónico y progresivo. Cosa que se daría tres años después, según algunos, de lanzado este disco, es decir, 1969. Aunque como siempre, la discusión sobre cuál es el primer disco de rock progresivo es demasiado compleja, así que no entraré en ello, ya que como dije antes, me falta mucho por aprender, así que mejor regresemos a hablar de "Pet Sounds".Pero primero algo sobre The Beach Boys; The Beach Boys es una banda de pop rock formada en la ciudad de Hawthorne, California, Estados Unidos, en el año 1961. Fue el grupo más representativo del life style californiano de los años sesenta, así como también de la música y cultura del surf de la época. La banda estuvo integrada en su fundación por los hermanos Wilson; Brian (compositor, voz, bajo y piano), Carl (guitarra y voz) y Dennis (batería, voz); junto con un primo de la familia, Mike Love (voz); y un compañero de estudio de Brian, Al Jardine (guitarra y voz). Bruce Johnston (voz, bajo y piano) se unió más tarde al grupo para reemplazar a Brian Wilson en las actuaciones en vivo.
Dos en uno, así es "Bi", el último álbum del popular cantautor argentino Kevin Johansen y su grupo The Nada, un disco doble que es absolutamente genial. Se compone de dos partes, obviamente, el primer disco se titula "Jogo/Subtropicalia", y el segundo "Fogo/Pop Heart", el primero más latin y el segundo más hacia el pop, aunque ambos tienen como base melodías latinas. Fue lanzado el año pasado
Nunca fui muy conocedor ni fanático de Kevin, es más, nunca se me dio por investigar y escuchar su música, simplemente tenía su canción "Desde Que Te Perdí", de su álbum "City Zen", del 2004, y pues la escuchaba de vez en cuando. Hasta que un día, viendo VH1 vi un video de "Modern Love" de David Bowie, pero no interpretada por él, sino por Johansen, era el video de un cover increíble, y claro, me encantó esa versión y me puse a buscar, y me encontré con este disco, y no le presté mucha atención, simplemente adquirí el cover de "Modern Love" y ya, hasta que hace unos días vi que alguien había posteado la canción "Amor Finito", la primera del disco uno y del álbum en sí, una canción con una melodía y una letra realmente hermosas, y me dije "este disco tiene que ser mío", y bueno, lo adquirí.
Tal parece que la música indie, sobre todo de estética folk, anda muy de moda. Y esto lo digo por la alta popularidad obtenida por dos bandas en particular; The Lumineers, de los Estados Unidos y Mumford & Sons, de Inglaterra, la primera, con su álbum debut, homónimo, y su tema "Ho Hey", del 2012, y la segunda con su álbum "Babel", también del mismo año. Aunque de los dos, el que más éxitos va conquistando, tal vez por los años que tiene dentro del mercado, desde el 2009, es Mumford & Sons, ya que ganaron el galardón al Álbum del Año en los premios Grammy que se dieron hace poco. Si lo merecían o no, eso es ya opinión de cada uno, pero que su trabajo es bueno, es innegable. Así que como ya se habrán dado cuenta, hoy revisaremos "Babel", el segundo álbum de estudio de los londinenses. Pero primero, una breve reseña acerca de ellos: el grupo está formado por Marcus Mumford (voz principal, guitarra, batería, mandolina), Ben Lovett (voces, teclado, acordeón, batería), Winston Marshall (voces, banjo, dobro), y Ted Dwane (voces, contrabajo, batería, guitarra). El grupo se formó en octubre de 2007, aprovechando el éxito de lo que los medios calificaron cómo "La escena folk del oeste de Londres" junto con otros artistas como Laura Marling, Johnny Flynn y Noah and the Whale.
Delta Spirit es una banda de indie rock con tintes de country de la localidad de San Diego, California, formada el año 2005. La particularidad de esta banda es el uso que tiene de instrumentos pocos convencionales como las tapas de los botes de basura (?) y bajos de orquesta... Vaya uno a saber qué clase de perturbado haría eso, ja ja, pero así es lo indie, y me gusta!
El disco homónimo de esta banda es su tercer LP (tienen dos EP's y tres LP's), lanzado en marzo de este año, consta de 11 tracks.
Si ustedes son de los que gustan de lo country al estilo de Taylor Swift, pues esto les va a gustar más... Aunque quizá no, porque es más rock y menos pop, pero igual escúchenlo, no les va a hacer daño un poco de hard a sus oídos acostumbrados a escuchar la voz y melodías de la rubia... Por lo tanto, adquieran el álbum en Amazon o iTunes, como sea de su preferencia... Disculpen pero ahora estoy con algo de pereza como para dejarles los links, pero bueno, antes de dedicarnos de lleno al disco en sí, les contaré un poco de la historia de la banda.
En mi incesante ir y venir buscando música nueva, me encontré sin querer queriendo nuevamente con Kanaku & El Tigre, un dúo compuesto por Nico Saba y Bruno Bellatín, ya los había visto en una oportunidad, pero no los había escuchado, sólo se me quedó el nombre. Pero como ya dije, me los volví a encontrar, así que decidí ponerme a escucharlos, y me encantó, y para sorpresa mía, eran peruanos... Entonces me puse a escuchar todas sus canciones, las de su único disco, "Caracoles", y me pareció un conjunto de temas muy especial, por lo que decidí escribir sobre ellos, así que para hacerlo mejor y más personal, me propuse contactarme con ellos y lo hice. Me sorprendieron, ya que su respuesta fue rápida y además en un tono muy amical, personal, y bueno, les pedí que me hablaran un poco sobre ellos, sobre su música, ya que mi intención no era escribir su historia, sino hablar un poco de mi sentir respecto a ellos y su "Caracoles", esto es lo que me respondieron a través de su press kit: Música enigmática, inclasificable y bastante divertida de la mano de dos talentosos peruanos, Bruno Bellatín y Nicolás Saba. Este dúo se suele acompañar de una pléyade de instrumentos acústicos que en algunos casos llena el escenario hasta con 10 ejecutantes. Detrás de esta parafernalia hay una intención lúdica de hacer música sencilla en su esencia y retadora en su armado, donde la voz de Saba narra curiosas historias de la ciudad con un estudiado candor, que al final termina cautivando con el mismo encanto que tienen las historias bien contadas. Su sonido es acústico, muy orgánico y no temen a experimentar con instrumentos raros, juguetes o cualquier cosa que suene. Su primer álbum, "Caracoles", salió en diciembre del 2010, con una gran acogida.
