Acá un segundo experimento.
Con Benjamín Cárdenas en la guitarra, Paulo Cárdenas en el teclado, y quien les escribe al sintetizador...
Últimamente, en grupo e individualmente ando tras varios experimentos y proyectos musicales. Viendo poco a poco qué va saliendo.
Hasta ahora las cosas van interesantes, so... vamos a seguir trabajando...
Hope you like!
El día de ayer, en medio del ocio, con mis Primos Paulo César y Benjamín, con los que suelo jugar (excesivamente) Age of Empires III, estuvimos experimentando musicalmente, los tres andamos en la nota esta, y con una guitarra eléctrica, un teclado Yamaha y una laptop con varios instrumentos digitales, empezamos una especie de jam session inintencionada, la cual terminamos grabando y subiendo a SoundCloud debido a que salió bastante interesante, y pues la decidimos compartir.
Con Benjamín a la guitarra, Paulo en los teclados, y quien les escribe encargado de las melodías en la laptop (un órgano prog y el bajo), este experimento quizá más adelante redunde en algo hecho ya de manera profesional e intencionada... mientras tanto, hay que saber disfrutar de los pequeños momentos experimentando... no, no con ácidos... con música.
Me va a ser difícil tomar una posición respecto a este álbum. Me ha dejado sensaciones extrañas. Y ya dejando que el tiempo mengüe las reacciones iniciales, luego de toda la reacción general desencadenada luego del lanzamiento de "The Endless River", y tras controlar mi comentario inicial frente a los críticos y comentaristas musicales de "váyanse a la con...de...su...má", me siento frente a mi computadora a analizar lo que pocas y muchas respuestas deja.
Un rock progresivo completamente ambient. Un disco del cual sólo una canción puede escucharse individualmente ("Louder Than Words"). Un álbum que tiene su propia personalidad, pero que a la vez, como sonido, agrupa mucho de álbumes anteriores... "The Endless River", es, y no es, un disco que representa al Pink Floyd de toda la vida.
Lo he escuchado bastante, detenidamente, varias veces... y creo que tengo todo el derecho a dar una opinión.
Ambient, rock... rock progresivo. Centrado en los teclados de Wright, este no es un álbum que se pueda juzgar tema por tema, a mi parecer, salvo "Louder Than Words", como single del disco y único tema cantado también, sino que debe tomarse como un único bloque, pese a estar separado como sonido en sus cuatro partes, ya que sigue una misma estructura durante el álbum.
Muchos han dicho y dicen que es sólo una jugada comercial por puras ganas de sacar más dinero del nombre Pink Floyd. Otros, afirman que es la peor despedida para algo tan grandioso como lo fue Pink Floyd... algunos más, que es sólo un junta y pega de sesiones que para Rick fueron deshechos... yo respondo, ¿y eso qué?.
Para alguien de mi generación, que ni imaginábamos que algo bajo el sello Pink Floyd saldría a tomar vida durante nuestros años de existencia... que creíamos que Pink Floyd no sería más que un anhelo del pasado... nos sentimos contentos, porque si bien es material antiguo, mezclado con arreglos compuestos hoy, ya que para nosotros... o al menos para mí, es como si se alzara frente mío una enorme torre blanca de entre lo que fueron los escombros de un viejo elefante gris. Un canto del cisne.
Tiene algo de "Echoes", de "Shine on You Crazy Diamond", un sabor al "Dark Side...", una envoltura de campana dividida. "The Endless River" es un álbum que nos reclama paciencia, serenidad e hígado. Hígado porque es muy complicado de escuchar, creo, ya que el género que parece predominar sus paredes es el ambient... un género poco querido por el público común y corriente, ya que demanda mucho cerebro para poder escucharlo.
A mí me ha gustado, y mucho más allá de eso, va a ser un gusto para mí poder contarle a mis hijos que viví el año en que salió a la luz el último suspiro del más grande del prog...
Eso es todo... escúchenlo ustedes... tomen las cosas como vienen.
Y buéh. Luego de una larga y extraña travesía por el espacio sideral y la tierra de los marcianos, he regresado.
Sí, tardé en volver después de mi último post, pero aquí estoy, resucitado y listo para retomar el blog.
Sí, eso de la vida independiente es una joda...
Pero buéh.
He regresado.
Y como anda muy en tendencia el mirar hacia las islas británicas gracias al sumamente cercano último suspiro del rey del prog, Pink Floyd, previo a hablar de su regreso-despedida, analizaremos un álbum que estoy desde que salió, ansioso por desgranar, y que no es más que otro que el curioso y ciertamente polémico "Ghost Stories", de Coldplay, último álbum de estudio, por ahora, del renombrado cuarteto británico.
(Antes de nada, hay que hacer una tardía pero válida recordación del aniversario segundo de este vuestro blog, acaecido hace un mes, aproximadamente, el 11 de setiembre... coincidencia extraña pero significativa).
Ya más calmado todo, luego del lanzamiento de este tan comentado álbum... pido me cedan el turno para opinar. Pasado toda la estupidez que he tenido que leer acerca del disco, todos esos malos comentarios, gratuitos todos, respirando y en tranquilidad vengo a regalarles mi sensación respecto a este, para mí, excelente álbum.
"Ghost Stories", tal vez el álbum más raro de Coldplay. Rock alternativo, pop, electropop, ambient... una mezcla no tan complicada... tan amoldable entre todas. Lanzado en mayo de este año, el álbum nos sumerge en una melancolía excelentemente plasmada. Sea por la separación de Martin de su famosa pareja, o por lo que tenga que ser, "Ghost Stories", como conjunto, es una representación de una tibieza casi fría y azul, como la portada que le acompaña, diseñada por la checa Mila Fürstová.
Con la presencia de artistas como Jon Hopkins y Avicii como productores, o la clara influencia de personajillos tales como Justin Vernon, líder de Bon Iver, o el siempre mencionado Brian Eno, "Ghost Stories" me ha dejado un grato sabor. Sabor que arranca con "Always in My Head", tema de melodía triste y letra melancólica, de extasiante romanticismo y apagada memoria... nos hechiza con esa balada pop de tinte ambient tan sutil... donde el bajo es tan importante, los sintetizadores melancólicos (super ambient), la voz triste... es sin dudarlo mi tema favorito. Sin pensarlo... no doubt. "Always in My Head" nos habla del recordar a quien amamos y de quien estamos lejos, sin oportunidad de volver a encontrarle... pero que se mantiene perenne en nuestro actuar y pensamiento, en nuestro día a día... you're always in my head, nos dice el estribillo, always in my head...
En segundo lugar aparece "Magic", el principal single del disco, y tal vez el más, inicialmente, pop (chiquipop pop pop). Un buen tema, pero que tal vez ya me harta un poco debido a su sobre-explotación en las radios (que les den!), pero buéh, qué más quiere un artista no? Supongo que vuesas mercedes ya deben haber escuchado el temita en cuestión hasta el hartazgo. No lo comento más, sólo puedo decir que es un excelente tema.
Le sigue "Ink", mi segundo tema favorito del disco, tema que se me ha quedado pegado como tinta (si manejas algo de English me vas a entender, juas juas). Un tema pop, muy influenciado por el ambient de Hopkins. Una letra simple pero muy fuerte, que se resume en "all i know, is that i love you so, so much that it hurts (todo lo que sé, es que te amo demasiado, tanto que duele)".
"True Love" es el cuarto tema. Sigue dentro de la estética ambient-pop general del disco. La diferencia reside en el solo de guitarra que aparece al minuto tres, simple, sin aspavientos pero contundente. La letra va dentro de lo que el título indica.
"Midnight" es el break de este álbum. Fue lo primero que escuchamos del mismo, ya que fue lanzado junto a un video bastante experimental de la banda. Es un tema completamente ambient. Apenas fue lanzado lo reseñé, así que aquí les dejo el link para que puedan leer una detallada opinión mía al respecto: http://pentagramario.blogspot.com/2014/02/coldplay-midnight.html.
Sexto lugar ocupa "Another's Arms". No me gustó tanto como el resto, pero es bueno. Un ritmo simple, pop, con acompañamientos experimentalones.
"Oceans" es el que menos me gusta. Un tema acústico, me parece que se pudo haber hecho algo mejor, Esta para los gustos.
Para quienes aman lo divertido, y lo movido, viene "A Sky Full of Stars". Producido por Avicii, el tema da clara evidencia de la influencia del DJ. Un tema muy bueno, bastante electropop, pero excelente. Un enorme hit de la banda británica.
Para cerrar el post, y como el pianito siempre debe estar presente, llega "O", tema que oculta "Fly On", un exquisito tema a piano puro, y que cierra con "O", raro pero cierto, el oculto va al inicio, tema corto pero bueno, un precioso experimento.
En la edición bonus track, "Ghost Stories" viene con los temas "All Your Friends", "Ghost Story" y "O (Part 2 / Reprise)".
Acá les dejo el disco en Spotify para que puedan disfrutarlo.
Y bueno, he andado algo desaparecido este tiempo, y es que para mi suerte, ando bastante ocupado; pues resulta que me mudo de ciudad... (mañana viajo, yeah). Así que previo a ello, pues decido revivir este blog un poco.
Primero voy a explicar la ausencia en este blog de un artículo sobre "Ghosts Stories":
Pasa que me he dado un tiempo para escucharlo, y ya dejando que pasen las primeras sensaciones y reacciones, estoy terminando lo que esperó será un artículo muy bueno al respecto... artículo que verán publicado muy muy pronto.
Y ahora sí... a lo que vine...
El 23 de mayo del presente año, el dúo noruego de música electrónica Röyksopp y la cantante sueca de electropop Robyn, lanzaron uno de los discos que creo, estará en las listas de lo mejor del 2014: "Do It Again". Y es que esta colaboración ha salido, en mi opinión, brutalmente completa. Valga el decir que Röyksopp y Robyn ya habían trabajado juntos el 2009, en el tema "The Girl and the Robot".
El álbum, que coincide con el tour conjunto de los mencionados artistas, es probablemente el que hasta ahora me haya conquistado más (respecto al año que va corriendo), ya que todas las canciones del mismo me parecen perfectas.
El 24 de abril de 2014, el día del anuncio del lanzamiento álbum, un fragmento de la canción "Monument", primer tema del disco, fue lanzado. La canción fue lanzada como primer single del álbum el 28 de abril de 2014.
Este mini-álbum (consta sólo de 5 canciones, aunque dos de ellas son de larga duración) sirve como introducción al próximo álbum de Röyksopp, que contará con dos canciones de "Do It Again".
"Do It Again" inicia con "Monument", tema de prácticamente diez minutos. Melódicamente es una excelente muestra de lo versatil que puede llegar a ser la música electrónica. Con una base downtempo y ligeros toques synth, creando un ambiente bastante hipnótico y relajado, con ciertos pasajes ambient y un solo de saxo bastante chill out, con una letra bastante surrealista, "Monument" es un verdadero monumento.
En segundo lugar viene "Sayit", una brutal muestra de EDM y dance alternativo. Aquí la letra se vuelve completamente irrelevante en contenido, pero absolutamente incitante dentro de la melodía y expresión de esta canción en conjunto, de una arrolladora sensualidad.
Realmente descojonante.
En tercer lugar aparece el single homónimo, full electropop del más discotequero, pero con toques bastante experimentales y progresivos, que lo convierten en un explosivo cóctel bailable. La letra queda a absoluta interpretación personal... (ja ja).
En penúltimo lugar llega la infaltable romanticona... "Every Little Thing", electropop del más suave.
El mini-álbum lo cierra "Inside the Idle Hour Club", la más experimenta y llena de diferentes texturas. Un instrumental que cierra de manera perfecta "Do It Again", y que, al igual que el tema que lo abre, llega casi a los diez minutos de duración.
De vez en cuando en mis búsquedas a través de la web, me encuentro con verdaderos tesoros que vale la pena exponer un poco más. Y esta vez le tocó turno a la banda canadiense de rock progresivo, psicodélico, espacial y sinfónico Klaatu (nombre tomado del personaje de la película de 1951 "The Day the Earth Stood Still" (que tuvo su remake el 2008 con Keanu Reeves en el papel de Klaatu), y puntualmente a su primer y mejor disco (y el más conocido): "3:47 EST", lanzado en Agosto de 1976.
Y es que extraordinario álbum, mezcla melodías tales que muchos pensaron durante años que Klaatu era un experimento anónimo de los Beatles (aunque para mí, nada que ver).
Si quisiéramos ubicar a Klaatu, y este disco, entre algo que conozcamos, se podría decir que es un intermedio entre la banda de Liverpool y los Beach Boys, aunque dentro de lo suyo propio.
"3:47 EST" (que vendría a ser "3:47 hora del este"), inicia con la que es el tema más reconocido y recordado de Klaatu, y a la vez, en mi opinión, el mejor que tienen. Se trata de "Calling Occupants of Interplanetary Craft", una canción de más de siete minutos, donde el rock sinfónico es el invitado de honor. Con unos fantásticos cambios y variaciones rítmicos, sin sonar tan barroco como ELP, este maravilloso tema te adentra dentro del space rock, que junto a la letra da como resultado una de las mejores óperas espaciales que he escuchado (junto a las sinfonías del exogénesis de Muse).
El segundo tema del disco es "California Jam" que, cualquiera que lo escucha sin saber de quién es, al toque lanzaría "¿eso es de los Beach Boys no?"... "Anus of Uranus" es más psicho-hard rock, excelente tema.
"Sub-Rosa Subway" es el tema que hizo que Klaatu fuese creído durante un tiempo un experimento anónimo de los Beatles, ya que suena bastante a la música que hacían los británicos durante el final de su carrera ("3:47 EST" es del año 1976, pero su sonido es sesentero que de la época en que fue lanzado, si lo comparamos con el primer disco de The Alan Parsons Project, lanzado el mismo año).
"True Life Hero", a lo "Anus of Uranus" es un psicho-hard-pop-rock. "Doctor Marvello" es más pop-sinfónico medio beatleloso. "Sir Bodsworth Rugglesby III" tiene un sonido más cirquero juguetón. Que recuerda mucho a esos temas semi sinfónicos de las canciones infantiles.
"Little Neutrino" es el último tema del disco, y junto al primero, es de larga duración (supera los ocho minutos). Y es realmente excelente, donde el rock progresivo sinfónico se muestra en su máxima expresión, y donde esa necesidad cósmica, interpretada a través del vocoder, nos hace sentir en un mundo diferente...
Épocas donde las letras hablaban de neutrinos y viajes espaciales... y no de azotar mujeres y gatizar fieras... azota.
Giorgio Moroder anda de vuelta, y luego de la excepcional colaboración con Daft Punk en la canción que compusieron en honor al italiano los franceses, vuelve el amo de los bigotes al ruedo, esta vez y para felicidad de quien les escribe, con un remix del tema que hasta ahora, me viene gustando más del up-coming "Ghosts Stories": "Midnight".
Y es que my name is Giovanni Giorgio, but everybody calls me Giorgio hace de las suyas en el genial tema de Coldplay, volviéndolo disco-house y synthpop, y dándole ocho minutos y medio de duración, toda una brutalidad de la más alta calidad.
So, sigo prometiendo que ya viene un post de los larguitos (el sábado, oh sí) y pues por mientras les voy dejando el mencionado y alabado remix de Moroder (mientras unos la cagan malogran en su etapa post-random access memories, otros lanzan piezas maestras de música actual, y dan cátedra a los old-school).
Gracias al querido y estimado Spotify, hace ya un tiempo, me encontré con una pequeña sorpresa; una versión alternativa del famoso tema de Pink Floyd "Wish You Were Here", tocada con el maestro violinista Stéphane Grappelli. Versión que no fue usada originalmente en el álbum del '75, aunque al final de esta, puede escucharse parte del violín en el fade out.
La versión con Grappelli vendría a aparecer hace poco frente al público, en la remasterización que se hizo de todos los álbumes de la banda durante la campaña "Why Pink Floyd...?", durante el 2011-12.
Así que bueno, dándome un pequeño tiempo vengo a compartirla con ustedes.
Y buéh, prometo que en estos días estoy volviendo con un post largo y detallado de alguna cosilla en especial...
Este pequeño post es sólo para desahogar un comentario que me he tardado en lanzar y es que, que la gente haga lo que quiera pero, ¡Pharrell no te pases!. Está muy bien que la old school haya vuelto de la mano de Daft Punk y que la gente se sienta muy disco, pero... Dios!
"G I R L", el último disco del, otrora, genial Pharrell Williams (con "Get Lucky" y "Lose Yourself to Dance"), le tira barro a su genial momento.
Queriendo treparse más de lo que ya estaba a la ola dejada por Daft Punk, nos lanza este disco repleto de lo que parecen las sobras de un mal "Random...", y es que, inclusive con la participación del dúo francés en el disco de Williams, este no se salva...
Basta escucharlo...
Una innecesaria manía de seguir con lo disco... Y no está mal hacer música a lo vieja escuela, pero, no seamos tan obvios en nuestras manías comerciales...
Cuando apareció "Midnight", el 25 de Febrero del presente año, se dio por hecho (inclusive en este blog), que el rumor de un single de Coldplay titulado "Magic" era más falso que billete de 30 soles... pero no, el día 3 del presente mes salió al mercado el single principal del álbum de los británicos que está en camino. Y sí, el single se titulaba "Magic".
Ustedes se preguntarán porqué me pongo a escribir con tanto retraso al respecto, la razón es que ahora ando (temporalmente) teniendo mi primera experiencia laboral oficial, por lo que me paso ocho horas al día trabajando, y me da poco tiempo para escribir, cosa de que agarre el ritmo y ya... nada más.
Buéh.
La canción regresa un poco a las raíces de la banda, dejadas en "Viva la Vida". con una letra simple y melodía brit-pop y alternativa, Coldplay tal parece prepara un disco muy interesante, y es que, en el festival de iTunes que hubo hace unos días atrás, presentaron dos temas más junto con "Magic" y "Midnight"; "Always in My Head" y "Another's Arms". Pero, ya que estos dos temas aún no tienen la versión de estudio para escuchar, no podrían ser juzgados debidamente, por obvias razones. Pero por lo presentado se ve que lo que está por venir es muy bueno.
Sin más, para los que, por alguna extraña razón, no escucharon "Magic", acá se los dejo.
M83 vuelve a la carga, y tras su éxito con el BSO de la película "Oblivion", regresa al mundo de los filmes contribuyendo con un tema para la película "Divergent", que será estrenada el 11 de Abril en España.
El tema, titulado "I Need You", fue puesto en free streaming a través de la página web Buzzfeed el día de ayer (26 de Febrero), como adelanto de lo que será el soundtrack de la mencionada película sci-fi, basada en el primer libro de Veronica Roth.
"Divergent" es también la primera pieza de una trilogía de libros de esta autora, y que, de lograr el éxito en la pantalla grande, Summit Entertainment, dueña de los derechos del libro, se pondría a trabajar en la secuela: "Insurgent". Todo, al parecer, luce muy prometedor...
Pero volvamos a lo nuestro; la música.
En "I Need You", Anthony González hace una retrospectiva, dejando el estilo mostrado en el sencillo de "Oblivion" y retomando la estética y sonido de "Hurry Up, We're Dreaming", donde el ambient, el shoegaze y el dream pop se entremezclan al rededor del synthpop.
"I Need You" dura tres minutos, pero es más que suficiente. Es uno de esos temas que uno sólo puede resumir como brutales.
Inicia con una melodía ambient-piano muy tranquila, y con su típica voz al vocoder. donde para mí aparece la parte más gloriosa de esta excelente canción: luego de un ligero silencio de lo vocal, donde sólo ha reinado la melodía ambient, la voz de González aparece con un tranquilo y triste "I Need You", convirtiendo el tema es uno de esos cortos pero fenomenales momentos de gloria que te da la música.
Luego hace su entrada el rock electrónico, con una mezcla entre shoegaze y dream pop, típicos de M83.
El saxo tiene también su momento de gloria, como le ocurrió en "Hurry Up, We're Dreaming", mandándose un solo de aquellos...
De seguir en esta línea, no dudo que el álbum que M83 lanzará este año, "You and The Night" será otro éxito más en la lista de glorias y del grupo francés. Tengo fe en que veremos un "Hurry Up, We're Dreaming" renovado...
Ayer, 25 de Febrero, a la media noche de Ulán Bator, fue lanzado el nuevo single de Coldplay: "Midnight", que según parece y se rumorea, es la previa del que vendría a ser el sexto álbum de la banda británica, cosa sin confirmar todavía, pero que parece vería la luz este año.
La aparición sorpresiva de "Midnight" fue precedida por cierta especulación y rumores de que Coldplay lanzaría un nuevo tema titulado "Magic", cosa que como ya sabemos, no sucedió.
En general, todo ha sido brutalmente sorpresivo, ya que, para empezar, se lanzó el tema sin previa publicidad de por medio, pero más desconcertante todavía, es el giro de 360 grados que parece haber tomado la música de Martin y compañía; minimal, ambient, lo-fi, electrónica y rock experimental. Pero hay que esperar un poco antes de mandarse a afirmar tal cosa, ya que podría tratarse simplemente de un "buzz single" (canción con marketing buzz, es decir, promocionada con la técnica del boca a boca). Yo, por mi conocida afición al ambient y a Coldplay, espero que no.
Las respuestas a "Midnight" han sido muchas. Empezando por los típicos y siempre despreciables fanboys, que en su mayoría han dado un grito al cielo (típica reacción de estos seres ante un inesperado giro tomado por su banda favorita), seguido de los verdaderos seguidores de la banda que andan entre el "cómo mola, tío!", el "espero que el disco que viene sea mejor que "Mylo Xyloto"..." y el "esto es una porquería".
Aunque en distintas páginas he leído más rajes qué otra cosa (llegué incluso a leer que se comparaba "Midnight" con la música de Sigur Rós o Hammock... cualquiera con algo de conocimiento musical de amplio espectro pegaría una buena risotada ante tal afirmación, pero buéh) en síntesis, el tema ha sido bien recibido.
Ahora bien, procederé a contarles un poco aquello de lo que casi nadie ha dicho o comentado hasta ahora.
"Midnight" tiene todo un antecedente que se inicia el 2008, con el lanzamiento de "Viva la Vida" y el inicio de las grabaciones de "Mylo Xyloto", disco que fue lanzado el 2011 y que fue producido por un personaje que deja su sello personal en todo lo que mete la mano; Brian Eno, quien ya había trabajado con Coldplay en su álbum del 2008.
El común de la gente juzgó mal, en mi opinión, a "Mylo Xyloto", acusado de ser excesivamente pop y electrónico. Pero, para algunos como yo, ese fue el síntoma de que se venían cambios en la música de Coldplay, que empezaba a tirar más hacia un rock electrónico que hacia el clásico brit-pop y rock alternativo típicos suyos durante la primera década del presente siglo. La influencia de Eno se hacía notoria.
Luego, tras el disco del 2011, el año pasado apareció "Atlas", tema compuesto especialmente para el soundtrack de "The Hunger Games: Catching Fire", que melódicamente, si bien no fue producido por Eno, se siente cierta influencia del mismo, ya que el piano pop prevaleciente en "Atlas", viene acompañado de esa textura piano-ambient típica en muchos trabajos de Brian.
Luego de esto, y no sabría decir si antes, durante, o después de "Atlas", según Pitchfork, todo sugiere que Martin pasó un tiempo con el bueno de Bon Iver, lo cual no sería raro.
Tras estos tres puntos, es que aparece "Midnight", canción que logra darle sentido a toda esta previa, al menos a mi parecer. Y es que en "Midnight" las influencias de Bon Iver y Eno son innegables, aunque siendo sincero, es Bon Iver quien se lleva un 60% de la tajada de influencias obvias en este tema. aunque un punto a favor de Eno es que, el productor de "Midnight" es Jon Hopkins, quien ya había trabajado antes con Coldplay ("Viva la Vida", gracias a una invitación de Brian) y lanzado un disco en colaboración de Eno, es más, "Midnight" se construyó al rededor de una composición original del 2003 de Hopkins.
El trabajo vocal de Chris es algo bastante interesante, ya que vuelve a los agudos, además de que, en "Midnight", su voz está procesada por vocoder. Respecto a lo melódico, el sintetizador se lleva todo el centro de la atención. También cabe resaltar el hecho de que "Midnight" es un tema que contiene mucho de sensaciones atmosféricas, toques minimalistas, lo-fi y una cierta remembranza al post-rock.
"Midnight" me deja con una grata sensación, y con muchas ganas de poder saber algo ya del álbum que parece, verá la luz este año. Yo lo que espero, es que este tema sea una verdadera introducción a lo que se viene, y no una técnica para volver a estar en el centro de la atención...
Y sin más vueltas, les dejo el video de "Midnight", dirigido por Mary Wigmore, quien se mandó con un excelente trabajo.
El año pasado, el 1ro de Octubre, salió a la venta uno de los mejores discos que he escuchado, y que más me ha gustado: "Innocets", del norteamericano Moby (fue parte de la lista que hice hace poco de lo Mejor del 2013).
Las razones de mi enorme gusto por este trabajo son bastante obvias: como dije en mi pasado post, "he desarrollado un creciente fervor hacia la música de estética gris, llámese triste, depresiva o etérea y sin sentido, sobre todo si se trata de géneros como el post rock, el ambient, la neoclásica, el dream pop, la experimental, minimalista, electrónica o de estética flaminglipstística.", este disco reúne parte importante de lo anteriormente mencionado.
Si bien el espíritu presente en "Innocets" es el ambient, género en el cual Moby se sitúa en mayor medida, también se encuentra habitado por el dream pop, el shoegaze, lo experimental (este disco se concibió como tal) y lo indie-alternativo, además de lo flaminglipstístico, debido a la presencia de Wayne Coyne.
Según yo, los pilares de mi devoción musical por "Innocets" se basa en cuatro temas: la ambiental "Everything That Rises", la indie pop, lo-fi y ambiental "Almost Home", la alternativo-indie pop-gospel "The Perfect Life", y la experimental ambient-pop "The Last Day".
La primera, totalmente instrumental, si bien tiene un peculiar sonido, nos remite hacia el clásico sonido ambiental de Moby. Más de cuatro minutos abocados a la más excelsa y completa melodía que cualquier adepto al género bien sabrá apreciar y disfrutar.
La siguiente, "Almost Home", colaboración con el músico indie lo-fi Damien Jurado, es eso, un indie bien low fidelity (vocalmente), que aparece delante de una cortina de música ambient. Excelente tema, con un videoclip oficial y uno de lyrics bastante conmovedores: el primero, el viaje de un perro de peluche que regresa a su hogar (muy acorde a la letra de la canción), y el segundo, con Moby acompañado de unos perritos y gatos de una asociación de protección a los animales, junto a los cuales muestra hojas bond que contienen partes de la letra de la canción, y que va mostrando en los momentos indicados.
"The Perfect Life" es eso, una canción perfecta. Una colaboración con Wayne Coyne, líder y vocalista de los Flaming Lips, que le da justamente esa estética a esa canción. Bueno, hay que acotar que le da su lado más pop (el que se encuentra presente en los discos "Yoshimi Battles the Pink Robots" y "The Soft Bulletin"). "The Perfect Life" tiene todo: un perfecto trabajo en las voces de Wayne y Moby, unos coros A1, y los vocales no léxicos que aporta una dama... que le dan un toque brutal a la canción, que, fuera de lo buena que es, tiene la genialidad de incluir un simple pero excitante solo de guitarra, que le otorga una personalidad estupenda a la canción...
La cuarta y última en mi lista de pilares de este disco, se encuentra "The Last Day", un temita bien ambient-pop con toques experimentales, colaboración con la, actualmente en ascendente fama, señorita Skylar Grey, quien le otorga una aura gris a la ya depresiva melodía impresa en la mencionada canción.
Fuera de esas cuatro, ocho temas más componen "Innocets", los cuales... no sé... los disfruto, pero no me apasionan tanto como los cuatro citados allá arriba. Por lo que dejo que juzguen ustedes mismos.
Mark Spike Stent (quien ha trabajado con artistas como Muse y Massive Attack) fue el productor de este disco.
Moby dijo sobre el álbum que lo que pretendía era hacer “música rara con amigos” y no sólo vender, ya que cree que cada vez menos gente compra discos.
Entre mis recientes descubrimientos, logrados gracias a mi incesante búsqueda de nueva música a través de la red, me encontré con Jerome Alexander, británico conocido en el ambiente musical como Message to Bears.
Recientemente he desarrollado un creciente fervor hacia la música de estética gris, llámese triste, depresiva o etérea y sin sentido, sobre todo si se trata de géneros como el post rock, el ambient, la neoclásica, el dream pop, la experimental, minimalista, electrónica o de estética flaminglipstística.
Message to Bears reúne las cualidades necesarias para encontrarse en el top de mi playlist actual, gracias a su creación de bellos paisajes sonoros que entretejen la guitarra acústica, el piano, la electrónica, samples etéreos, cuerdas y voz baja, generando una perturbadora y sosegada sensación de adormecido y placentero dolor musical. Una excelente muestra de melodías que conjugan lo neoclásico con lo ambiental, lo electrónico con lo folk (folktrónica en muchos casos).
"Departures" es su primer álbum de estudio, lanzado el 6 de Julio del 2009, el cual nos sumerge en una estética folk pop, rodeada y cultivada por todos los géneros antes mencionados, acoplándonos a una melodía donde predomina la guitarra acústica, secundada por un triste pero positivo piano, con el que probablemente sientas las insatisfactorias ganas de recurrir a un suicidio, las cuales se verán oportunamente menguadas gracias al positivismo impreso en las notas de ese mismo piano. cosas de la vida.
Particularmente no tengo una canción preferida en este álbum, ya que es bastante homogéneo.
Y buéh. Hasta aquí por hoy, tengo mucho sueño... Pero como verán, ya estoy regresando a mi vieja continuidad en Pentagramario, y eso, si eres de los cuatro gatos que me leen, es bueno.
Sólo queda decir, ¡Viva el folk ambiental y el ambient folker de Message to Bears y su genial nombre! (todos amamos a los ositos, oh sí). Tracks:
Running Through Woodland
Hidden Beneath
Pretend to Forget
Hope
Autumn
At the Top of This Hill
November
Snowdonia
Find Our Way Home
Lost Birds
Lo pueden escuchar íntegro aquí mismo, gracias al bendito Bandcamp.
Hace ya un cierto tiempo me hallé frente a esta extraordinaria producción musical, en mis incesantes ires y venires a través de la web. Se trata de "Laika Come Home", un disco de remixes de Gorillaz, lanzado el 2002, que, contrariamente a lo típico en estos casos, está hecho por un sólo grupo; Spacemonkeyz.
Dicho sea de paso, "Laika Come Home" es el único trabajo discográfico de Spacemonkeyz.
El nombre del disco hace referencia a Laika, la perrita soviética que viajó al espacio, y a la película de 1943 "Lassie Come Home".
Lo interesante de este disco es el sonido que trae, ya que las canciones que en este disco se reeditan (12 de las 15 que aparecen en el disco original, "Gorillaz"), van entre el reggae, el trip hop y el dub (valga el decir que los dos últimos son géneros nacidos a partir del primero). Esto es un poco raro en mi persona, ya que nunca he sido muy fan del reggae, salvo algunas excepciones.
Spacemonkeyz, o lo que fue Spacemonkeyz, estaba compuesto por Darren Galea, Richie Stevens y Gavin Dodds.
El grupo se juntó cuando Galea creó un un remix dub de la canción "Tomorrow Comes Today" ("Mañana Dub", que fue lanzado como lado B en el single "Tomorrow Comes Today"), cosa que a Damon Albarn le simpatizó tanto que le pidió Galea que remezclara todo el álbum de Gorillaz. El álbum resultante, Laika Come Home, fue lanzado en julio de 2002.
Su primer y único single, "Lil 'Dub Chefin'" llegó al puesto número 73 en la lista de singles del Reino Unido.
De acuerdo con la biografía ficticia de Gorillaz, "Rise of the Ogre", el grupo (Spacemonkeyz) es un equipo real de monos utilizados en ensayos en el espacio, quienes habían robado las pistas del primer álbum que se encontraban desprotegidas en Studios Kong, para luego remezclarlas sin permiso de Gorillaz.
Tracks:
Jungle Fresh (19-2000)
Strictly Rubbadub (Slow Country)
Bañana Baby (Tomorrow Comes Today)
Monkey Racket (Man Research)
De-Punked (Punk)
P45» (5/4)
Dub Ø 9 (Starshine)
Crooked Dub (Sound Check)
Mutant Genius (New Genius)
Come Again (Re-Hash)
Fistful Of Peanuts (Clint Eastwood)
Lil' Dub Chefin' (M1 A1) (contiene un hidden track)
Y bueno, el álbum entero pueden escucharlo en el playlist de Spotify que les dejo aquí al final del post (bendito Spotify!).
En caso, por alguna razón no puedan utilizar el playlist de Spotify (a veces hay restricciones por países), les dejo el full album en YouTube.
Bueno, no escribo nada desde el año pasado, lo que es bastante malo, pero como saben, ando muy ocupado. Pero bueh, espero hayan tenido un muy buen fin de año todos ustedes, almas perdidas que siguen este blog...
Aprovechando que mi siempre mencionado primo Luis Daniel andaría por los lares que habito para el Año Nuevo, le propuse el hacer juntos un ranking de lo mejor del 2013. Así que, para no ser muy extensos ni tampoco muy cortos, hemos elaborado lo que en adelante y cada nuevo año será el Top 20 de Pentagramario, revisando y rankeando, a nuestro parecer, los mejores álbumes y singles del año que se despide. Así que sin más preámbulo mis queridos amigos, damos inicio al Top 20 del 2013, aquí en Pentagramario, ohhh yeah!
Los 20 Mejores Álbumes del 2013:
20: Transnational,VNV Nation: VNV Nation nos trajo una excelente sorpresa, el lanzamiento del que es, en mi humilde opinión, el mejor disco del dúo británico de futurepop: "Transnational", el cual me atrapó desde el inicio. Asentados actualmente en Alemania, les sentí una influencia muy krautrock y neoclásica, con canciones que, aunque a veces bastante movidas, tenían un tronco muy oscuro y depresivo. El tema que resalto sobre todos es "Teleconnect, Pt. 2", 8 minutos de la más fascinante melodía... triste, depresiva, pero a la vez tan épica...
Más adelante me daré el tiempo de hacer una debida reseña del álbum, al igual que con todos los álbumes que aparezcan en esta lista y no los haya podido reseñar debidamente. (Santiago Cárdenas)
19: In Time, The Mavericks: No es "EL" disco, pero merecía ser parte del rank. Un revival para todos aquellos que aman la música adulta contemporánea. Mucho tex-mex my friends! (Santiago Cárdenas)
18: Los Momentos, Julieta Venegas: De este disco hablé hace tiempo, días después de su lanzamiento. Me imagino que para muchos ha de ser, para mí lo es, bastante extraño y/o gracioso el que Julietita esté presente en este ranking. Y no es para menos, ya que ha dejado de lado, por ahora, toda esa relamida y melosa atmósfera de pop-latino-acústico para pasar a un indie pop-minimalista-experimental-synthpop. El disco vale mucho la pena en verdad, y es de los pocos que ha logrado tener una excelente calidad dentro de los latinos que intentan penetrar dentro de esos géneros. (Santiago Cárdenas)
17: Shaking the Habitual, The Knife: No había escuchado antes The Knife y cuando lo hice fue por la canción Full of fire. Fue rarísimo porque escuché la canción en Soundcloud y viendo la pantalla, mientras avanzaba la franja que daba cuenta del avance de la melodía mi reacción era cada vez más aterradora. Quizá era algo así como sentirse dentro de un espiral y dejarse envolver por un rito mágico, indescriptible. Cuando terminó la canción respiré profundamente y me salió un "alamierda" bastante honesto. El disco, en su conjunto, es muy experimental. Demasiado para mi gusto. Crean atmósferas que se sienten oscuramente tribales. Percusión fuerte, golpes de sonido inesperado. Como para obligarnos a sentir la necesidad de reconocer la importancia del movimiento de nuestro cuerpo, de la catarsis. (Luis Daniel Cárdenas)
16: Days Are Gone, Haim: Me reventaron el cerebro, excelente álbum debut... Lo suficiente como para merecer estar en esta lista. De ellas escribí hace un tiempo también (http://pentagramario.blogspot.com/2013/09/haim-days-are-gone.html), justamente acerca de este álbum. La canción que más vale la pena es "Falling", dance, indie pop... Repito, excelente álbum, pie derecho para una carrera musical que se ve con muy buen futuro. (Santiago Cárdenas)
15: Confection, Sebastien Tellier: Me gusta! (No diré más porque, porque no sé...). (Santiago Cárdenas)
14: Modern Vampires of the Weekend, Vampire Weekend: Nunca me gustaron mucho. Le decía a mis amigos que esto era muy indie para mi gusto. Hasta que llegué al "Modern Vampires of the Weekend". Me gustó la sencillez de las canciones: melodías suaves, a veces rápidas, dinámicas. Cada canción tiene la contundencia de un cuento de trama ligera pero de contundencia suficiente: pienso en algo así como el cuento "No se culpe a nadie" de Cortázar en donde la trama es tan sencilla como la de perderse en un pullover al momento de vestirse, pero tan contundente como para reconocer en uno mismo la angustia del momento: en este caso, la melancolía, la felicidad, la incredulidad, la fe. Es un disco heterogéneo, indie pop, indie rock, indie folk, algo de chamber-pop, pero bieeeeen indie a fin de cuentas. Es un disco de momentos variados y bien logrados. Es como un buen libro de cuentos, aunque personalmente me gusten unos más que otros. (Luis Daniel Cárdenas)
13: Loud City Song, Julia Holter: “Heaven…” La entonación de esa primera palabra anuncia algo
realmente poderoso. Luego cierto misterio y cierta melancolía parecen
apoderarse de aquellos que respondimos a ese primer llamado. Sencillo,
elegante, sutil. Con estas características el álbum recuerda mucho al Felt Mountain de Goldfrapp. Las
canciones que Holter presenta refieren, literalmente, a cómo siente vivir en las
ciudades modernas: el misterio, el vértigo, el recuerdo de un viejo conocido y
el recuerdo de la propia vida en una ciudad que parece hacerse cada vez más
desconocida, más lejana: ella y todo lo que habita dentro. Escuchar este disco
con audífonos es más que recomendable. La canción que está en la mitad del disco es, de lejos, LA canción.
Todo el disco es hermoso y seguramente en unos años se dirá que es un clásico
que todo ser humano melómano debe tener. La canción Hello Stranger,
originalmente compuesta y cantada por Barbara Lewis es el corazón del disco. La
experiencia de escuchar el disco completo es inigualable: el orden de las
canciones no amerita cuestionamiento alguno. (Luis Daniel Cárdenas)
12: English Electric, Orchestral Manoeuvres in the Dark: El regreso de los creadores del clásico ochentero "Enola Gay". Synthpop ochentero adaptado a la década actual. Es un disco para escuchar con mucha paciencia, ya que es bastante lento. Excelente de todas maneras. (Santiago Cárdenas)
11: Pure Heroine, Lorde: Me gustó en demasía. Una excelente mezcla para dar a luz un pop muy poco convencional y más experimental. Art pop lo llaman... Puede ser lo mainstream que quieran, pero no deja de ser un trabajo excelente. (Santiago Cárdenas)
10: Innocents, Moby: Una de las cosas más interesantes de este año. Un disco hecho por puro amor a la música, lleno de colaboraciones interesantísimas y de canciones hermosas y geniales. La que más resalta es "The Perfect Life", para mí, obviamente, colaboración con el vocalista y líder de los Flaming Lips, Wayne Coyne. La canción es simplemente perfecta, con el armado del coro, la guitarra (tiene un solo, uffff), la percusión... "The Perfect Life" es the perfect song... (Santiago Cárdenas)
08: Immunity, Jon Hopkins: Lo que llama la atención de este álbum es lo increíblemente
original que puede sonar. En la primera canción la presencia de ruido ventoso,
la cada vez más violenta presencia de los beats acompañada de efectos precisos
y la presencia cada vez más llamativa de una melodía que termina confundiéndose
con violines y pianos terminan por lograr una introducción perfecta a lo que
será el resto del disco. Hay sorpresas sonoras en cada canción. Si se tiene un
buen equipo de sonido se podrá disfrutar de todos esos pequeños detalles que
hacen de este disco una obra de arte. Al final no son muchas obras de arte: es
una sola y brilla con luz propia. La técnica que utiliza Hopkins en este disco
lleva su propio sello a pesar de la variedad en sus canciones. Sin lugar a
dudas será un disco invalorable para los amantes de la música electrónica que
gustan del ambient y del techno. Estos dos géneros se entrelazan y a veces se
dividen para dar lugar a creaciones realmente auténticas. (Luis Daniel Cárdenas)
07: From the Sea to the Land Beyond, British Sea Power: Soundtrack hecho para el Penny Woolcock. Indie rock con tintes folk y experimentales, hasta surf-rock... Me gustó mucho desde la primera vez que lo escuché, supongo que soy un gran amante de los momentos instrumentales con tintura experimental. De hecho, parte importante de lo mejor que pasó en la música el año pasado. (Santiago Cárdenas)
06: Smilewound, Múm: Un disco extraño. Folk, post-rock, electrónica experimental. Desde Islandia Múm se las trae, y a mí me han sorprendido brutalmente con su último álbum. Es bastante detallista, y en lo que respecta al trabajo vocal, bastante adormecedor. Yo lo escucho para dormir ja ja... (Santiago Cárdenas)
03: Wild Light, 65daysofstatic: Apenas lo escuche me quedé atónito. Un disco brutal, pero a la vez suave. Donde el sonido de los sintetizadores navegan dentro de un entorno post-rock. El tema que me dejó totalmente freaking-out fue "The Undertow". Mi amor por el sintetizador siempre me llama... altamente recomendable para las largas sesiones synth. (Santiago Cárdenas)
02: Muchacho, Phosphorescent: No tengo idea de cómo describir este disco, y creo que ese es su mérito, lograr aquello que suele ser la música indie... indefinida. con una idea sobre el indie-folk-rock, una vuelta indie pop y un camino sintético. El trabajo vocal es también muy elogiable, va desde triste a potente, es embargador... "Muchaco" es uno de esos discos con los que te quedas "wow" por mucho, mucho tiempo. "Song for Zula" y "Sun, Arise!" son mis favoritas... brutalmente cósmicas... (Santiago Cárdenas)
01: Tomorrow's Harvest, Boards of Canada: La primera vez que me encontré con el "Tomorrow's Harvest" fue a través de un video: "Reach for the Dead" (http://www.youtube.com/watch?v=2jTg-q6Drt0) Cuando lo vi me estremecí. Hacía tiempo que una experiencia audiovisual tan profundamente simbólica (es decir, no narrativa o descriptiva) no me dejaba boquiabierto de esa manera. La experiencia fue quizá parecida a cuando vi el final de la película "El eclipse" de Michelangelo Antonioni. Pero esa fuerza que puede dar el sonido cuando uno se deja llevar y envolver es brutal: y esto último va más allá del vídeo. El álbum tiene una identidad muy propia, una consistencia sólida. ¿Podría decirse que es conceptual? Creo que no. Boards of Canada sabe llevar a sus oyentes por experiencias disímiles, obligándolos a afinar bien el oído. Esta vez las capas que manejan, los efectos que se utilizan dan cuenta de un recorrido más definido y menos experimental. Pero no hay concepto, no hay historia. Lo hermoso de este disco es que sabe recrear la experiencia de un paseo en soledad: algo así como la sorpresa de encontrarse con un atardecer frente al mar luego de andar perdido por una ciudad desconocida. Cada canción tiene esa capacidad de sorprendernos. Pasear no es solo caminar, es dejarnos llevar por nuestros pasos para descubrir esos pequeños detalles que la vida nos ofrece. Boards of Canada nos invita a pasear. Y esa experiencia es profundamente individual e intransferible. (Luis Daniel Cárdenas)
(Si bien no está presente, "13" de Black Sabbath merece una mención, el problema con este disco es la excesiva masterización que le dieron. La mataron quitándole el sonido sucio característico de la banda.
El que si se merece una lluvia de piedras es Bowie, con todo respeto pero, "The Next Day" es un completo desastre. Al señor David lo salva su participación en "Reflektor". Última mención en cuestión de álbumes: excelente relanzamiento del clásico "I Robot" de Alan Parsons Project).
Los 20 Mejores Singles del 2013:
20- Falling - Haim
19- Hide - N.A.S.A.
18- Te Vi - Julieta Venegas
17- Shot At the Night - The Killers
16- Underwater Snow - Múm
15- Royal - Lorde
14- Teleconnect, Pt. 2 - VNV Nation
13- Oblivion - M83
12- Full of Fire - The Knife
11- Brennisteinn - Sigur Rós
10- Giorgio by Moroder - Daft Punk
09- The Undertow - 65daysofstatic
08- Reflektor - Arcade Fire
07- Lose Yourself to Dance - Daft Punk
06- Awful Sound (Oh Eurydice) - Arcade Fire
05- Song for Zula - Phosphorescent
04- The Perfect Life - Moby
03- Instant Crush - Daft Punk
02- Afterlife - Arcade Fire
01- Just Another Girl - The Killers
Espero realmente hayan gustado de este ranking. Y bueno, es subjetivo, claro, al gusto de cada uno.
Según la Rolling Stone "Reflektor" es el mejor álbum de Arcade Fire, algunos van más allá catalogándolo como el álbum del año... en general las diversas publicaciones sobre música le han otorgado muy buenas calificaciones, sin llegar al número perfecto, pero muy cerca, lo cual es bastante bueno para cualquier banda, con o sin pretensiones de por medio.
Para otro grupo, este disco es una desilusión... porque no es lo que esperaban, porque estuvo debajo de las expectativas que generó... Se da para el debate. Debate dentro del cual procederé a ubicarme hoy.
A ver... Respecto a lo dicho por la Rolling Stone mi posición es bastante clara: ninguno de los discos de Arcade Fire es superior, todos guardan un nivel similar entre sí, dentro de sus diferencias claro, ninguno sobresale, en mi humilde parecer. Pero eso es cuestión de gustos... Ahora ¿álbum del año? pues sin dudas es uno de los discos (o el disco) que más expectativa generó durante este año previo a su lanzamiento, pero aunque se ubica en la zona de los mejores álbumes del 2013 y se proyecta a ser uno de los clásicos de esta nueva década, "Reflektor" no llega a ser, según yo, lo suficiente como para cargar el galardón de disco del año.
Sin muchas dudas yo colocaría en lo alto del pedestal a "Random Access Memories" de Daft Punk, que, salvo por un par de canciones, me cautivó de manera brutal. Lamentablemente este año, de los grandes lanzamientos, ninguno me ha dado de manera completa lo que esperaba.
Es justamente con "Random..." que "Reflektor", en mi caso personal, lleva una línea paralela. Primero, porque con los dos, siguiendo lo sucedido con sus álbumes predecesores, se mantenía una constante de no ser constantes en lo que a similitudes entre discos de una misma banda se suele dar. Ya que en el caso de Daft, si bien su centro es la música house, de "Homework" a "Human After All" hay grandes diferencias. La misma cosa sucede con Arcade Fire a lo largo de su historia, de "Funeral" a "The Suburbs" hay una gran diferencia, que se denota más si escuchamos su EP o algunos singles que aparecerían luego como bonus tracks (el caso de "Brazil" por ejemplo). Es entonces que la falta de una constante melódica crea una sombra de misterio al rededor de los álbumes por venir...
Segundo, cuando se coló el single principal de "Random..." hubo un choque inicial tremendo, obviamente el cambio de estilo era brutal y se notaba un giro completo dentro de la estética melódica de Daft Punk... era más funk-disco que house... Además que este single, "Get Lucky", se volvería el primer gran hit comercial de los franceses, dejando en algunos la sospecha de que todas las conversiones melódicas y colaboraciones dadas en "Random..." apuntaban más hacia una evolución para fructificar dentro de la movida mainstream que a una madurez per se. Lo mismo me pasó cuando apareció la canción homónima de "Reflektor", que como para dar cierto halo de continuación inicial, empezaba con una ligera melodía venida de "The Suburbs", para luego convertirse en lo que ya todos hemos escuchado... Indie dance rock medio disco... con sabor a pop. Es entonces que para otro grupo, fans de las viejas obras arcadianas, la melodía impresa en "Reflektor" y la colaboración en la misma con el ícono pop David Bowie, se prestaba para la sospecha de un giro comercial dentro de la banda que al final de cuentas siempre se había mantenido al margen de la movida mainstream, manteniendo un perfil bajo... cosa que resalté al inicio de este blog, cuando mencionaba que Arcade Fire no necesitaba un hit para ser una de las grandes bandas del momento e historia... Pero esta sospecha se disipaba, al menos para mí, con el mero hecho de que "Reflektor" (la canción) durase el tiempo que dura, siete minutos y medio... Casi el doble de tiempo que dura un single comercial. Y además, el video que lanzaron del tema previo lanzamiento del disco, duraba lo que dura la canción el el álbum, cosa rara para quien quiere venderse en cuerpo y alma a la música comercial... Por ejemplo, vayamos a finales de los ochentas, con el tema "I Know You're Out There Somewhere" de los Moody Blues, que en el disco al que pertenece ("Sur La Mer") dura más de seis minutos, pero en su versión para el video sobrepasa ligeramente los cuatro minutos.
Pero, pese a durar lo que dura, "Reflektor" superó los cinco millones de vistas en YouTube (el resto de los clips de la banda llegó a unos cuantos miles), sugiriendo un éxito comercial bastante fuerte, sino rotundo.
Pero es entonces que fue lanzado el disco, hace una semana aproximadamente, para disipar toda duda que hubiese generado la larga espera (más de un año en mi caso, desde el anuncio de "un posible próximo álbum a finales del 2013" en la cuenta de twitter del fan club de Arcade). Es entonces que se generó un sabor agridulce, más dulce que agrio, en mi persona respecto a este disco... Han tenido que pasar algunos días para que pudiese digerirlo por completo...
Para cerrar un poco las comparativas, como último ejemplo citaría el reciente lanzamiento del nuevo disco de VNV Nation, "Transnational", que fue melódicamente bastante predecible -no por malo, ya que es buenísimo- debido a que si se seguía un poco la línea que iba llevando el dúo, podía uno imaginarse lo que estaba por suceder, así que con el último disco de VNV, fue amor a primera escuchada... Mientras que "Reflektor" requirió un proceso de digestión de mediana duración (al igual que con "Random Access Memories").
De este proceso he podido sacar seis canciones que a mi parecer son excelentes, y siete que, o hubiera trabajado más o que hubiese preferido no tenerlas como parte del disco -vuelvo con lo de "no por malas", sino porque simplemente no dan la talla de lo que esperaba yo del disco- ya que nublan un tanto la experiencia que se puede tener al escuchar "Reflektor". Y esto, que quede claro, lo digo muy a título personal.
"Reflektor" arranca con la canción homónima y principal single del disco (después de un track oculto titulado "Reflektive Age"), que me atrapó desde que la escuché por primera vez en el videoclip que lanzaron a inicios de septiembre. Fue una muy buena sorpresa, ya que presentaba una nueva propuesta, mucho más movida y hasta bailable, con un trabajo de la percusión bastante funk, dance-rock y nu-disco (tiene congas!), con una excelente colaboración con David Bowie, quien aportó al trabajo vocal una experiencia mucho más rica y única en lo que a texturas se refiere, además de ser una muy buena influencia. Cabe recordar que las colaboraciones Arcade-Bowie empezaron el 2005 con una presentación en vivo, con lo que sería posteriormente el "Live EP at Fashion Rocks", donde interpretaron "Life On Mars?", "Wake Up" y "Five Years".
"Reflektor", la canción, además de la mencionada percusión, tiene un trabajo de teclados muy destacable y pegajoso, al igual que con el saxo. Los cambio de ritmo son excelentes. En lo vocal, además de lo de Bowie, Win Butler cumple muy bien su labor, pero lo más destacable es lo fascinante, deliciosa y envolvente que llega a ser la voz de Régine... "Reflektor" es una canción completa, aunque algunos la tilden de muy comercial y poco ortodoxa, pero, ¿se puede ser ortodoxo siendo Arcade Fire? lo dudo...
Lamentablemente, para mí, esta canción dio una expectativa mayor a lo que llegaría a ser el disco.
"Reflektor" es la primera de las seis canciones que se me pegaron de este disco.
"Flashbulb Eyes" es la segunda canción del disco. Es de un nivel intermedio-alto, a mi parecer. No es parte de las seis que me atraparon, pero mala no es... Pese a durar poco (cerca a los tres minutos), es un muy buen trabajo melódico.
"Here Comes the Night Time" es el tercer tema en aparecer, muy dance rock nu-disco, tiene también un pegajoso ritmo de la percusión. Los teclados son su otro lado fuerte. Un ritmo muy movido es lo que nos da esta canción. Es la segunda de las seis que me atraparon.
"We Exist" propone algo más pop rock y convencional frente a la experimentalidad y fusión presente en sus predecesoras (que llevan mucho de ritmos haitianos dentro de sí), es un tema que fácilmente podría darse para las radios. Es muy bueno, pero no me atrapó mucho que digamos.
"Normal Person" es la quinta canción. con una pegada pop, le da bastante a secciones muy noise. Tampoco me convenció mucho.
Acá debo hacer una acotación, "Reflektor" es un disco doble, donde siete temas van en el primer disco y seis en el segundo.
Otra pop es la sexta del disco uno, "You Already Know", se me hizo muy a lo "Neon Bible". Buena pero no me convenció.
"Joan of Arc" es la séptima y última del primer disco. Me trae muchos recuerdos de "Funeral", sobre todo en los cambios de ritmo. Si bien es buena y da la talla para el álbum, de manera individual tampoco me movió mucho.
"Here Comes the Night Time, Pt. 2" abre el disco número dos. Su ritmo es diferente a su primera parte... Es como un cierre posterior.
"Awful Sound (Oh Eurydice)" es la segunda del segundo... Me atrapó y convenció totalmente sin muchos preámbulos. Inicia con sonidos de percusión tribal (haitianos) a los que se une, luego de la voz de Butler, una melodía de sintetizador y guitarras que me recuerda mucho al shoegaze impreso en "Yoshimi Batles the Pink Robots". Melancólica, triste, lenta, igual que su letra... Es una de mis favoritas del disco y parte de las seis que hicieron de mí alguien más feliz, aunque esta canción particularmente me deprime... (cosas de la vida).
Tercer lugar en el segundo disco. "It's Never Over (Oh Orpheus)". Movida, muy rítmica, resalta mucho, al igual que en la anterior, los agudos de Reginita. Es la respuesta al tema que le precede. Indie rock del mejor... Cuarto tema de los que me conquistaron.
"Porno" es un tema simpático pero, pese a que me suena un poco al "Plastic Beach" de Gorillaz y que tiene unos arreglos semi-sinfónicos, no me atrapó... El tema, creo, daba y da para mucho más.
"Afterlife" es el segundo tema que escuche previo al lanzamiento del disco. Lo amé apenas lo escuché. Eso también me motivo más a esperar "Reflektor" y agrandó al doble las expectativas que me había generado el single inicial. Es muy rítmica, un tanto funk... Es... sencillamente, una apabullante obra de arte. La letra desgarra... Ha sacado lágrima a varios fans... (not me, 'til now).
El segundo disco y el álbum en general terminan en "Supersymmetry", que dicho sea de paso contiene un track oculto, lo mismo que ocurre al inicio del álbum. Esta canción para mí es muy especial. La melodía dio en el clavo con mis gustos musicales. Experimentalidad medida, sintetizadores en su punto, percusión y arreglos exactos, precisos... Una canción envolvente y cautivadora... La sexta en atraparte. Y en mi personal consideración, una de las mejores del álbum.
Este álbum doble fue producido por el ex líder de LCD Soundsystem, James Murphy, el productor Markus Dravs y la misma banda. Influenciado por la música haitiana rara, la película de 1959 "Orfeo Negro" y el ensayo de Søren Kierkegaard titulado "The Present Age", el lanzamiento del álbum fue precedido por una campaña de marketing de guerrilla inspirada en los dibujos haitianos vevé (símbolo religioso de comúnmente utilizado en el vudú. Actúa como un "faro" para la loa (también se escribe lwa) que son un tipo de espíritu o dios menor, y servirá como una representación de loa durante los rituales. En el pasado, se creía que el vevé se deriva de las creencias de los taínos nativos, pero estudios más recientes ha demostrado una estrecha relación entre el vevé y el cosmograma del pueblo Congo*), así como por el lanzamiento del single "Reflektor" en formato de edición limitada, acreditado bajo el nombre de la banda ficticia The Reflektors.*
A principios de agosto, un logo críptico con la palabra "reflektor", apareció en distintas ciudades alrededor del mundo. Este arte urbano fue reportado como parte de una campaña de marketing de guerrilla para introducir el nuevo álbum. La confirmación del álbum y su correspondiente fecha de lanzamiento ya había sido anunciada a través de un mensaje en Twitter, escrito en respuesta a la pregunta de un fanático. Una cuenta de Instagram publicó fotos del símbolo, e incluyó un video de uno de estos siendo dibujando. El 26 de agosto, Arcade Fire confirmó que dichos trabajos se relacionaban con ellos, con un gran mural en un edificio en el centro de Manhattan, que incluyó cuatro de dichos símbolos y las palabras "Arcade Fire 9pm 9/9". El 9 de septiembre de 2013, la banda lanzó dos videos para el primer sencillo, que también da el título al álbum. La campaña recibió publicidad negativa tras un artículo publicado en Slate en septiembre del 2013, describiendo casos de daños a la propiedad como resultado de los anuncios. La banda emitió una disculpa, explicando que los esténciles inicialmente tenían como objeto utilizar tiza u otros materiales lavables, en lugar de pinturas en aerosol.*
La portada del álbum es una imagen de la escultura de Orfeo y Eurídice, obra de Auguste Rodin.
Para mí, terminando este post, "Reflektor" no satisfizo lo que yo esperaba del mismo. si bien cuenta con canciones increíbles, varias no dan la talla. No lo sé, tal vez si lo escucho seguido durante un tiempo rescate algunas cosas más, pero buee...
El sinsabor se da también por la larga espera que tuve del disco... un año aproximadamente contando los días... Me imagino que el 2016 sabremos de un nuevo disco de Arcade Fire, si seguimos su cronología claro (2004, 2007, 2010 y 2013)... donde espero puedan realmente fascinarme por completo y hacer que la espera halla valido a mil por ciento.
Bueno, debo iniciar con la lamentable noticia, de hace algunos días, de la partida del querido y estimado Lou Reed, quien falleció hace poco a los 71 años de edad, y que obviamente recibirá un post conmemorativo, apenas me de un tiempito, recordando su exitosa carrera... como solista y liderando a la que es, sin dudas, una de las bandas que más influyó en la historia de la música. Pero por el momento le daré stop a "Sunday Morning" y play al álbum con el que me he estado enviciando estos últimos días... "Meddle", sexto álbum de estudio de Pink Floyd, del que hablaremos el día de hoy y del que quería escribir desde hace varios días pero que tuve que posponer por cosas de la vida, sobre todo por cierta buena cantidad de trabajo que he tenido y por el lanzamiento de "Reflektor", el cual me he dedicado a escuchar todo este santo día. Pero ya me puse en orden (más o menos), y podré dar algo de rienda suelta a mis ansias de pinkfloyar.
Lanzado a finales de 1971, "Meddle" es uno de esos discos a los que por un tiempo no había prestado mucha atención, pero con el tiempo, y al tenerlo dentro de mi colección (tengo todos los LP's de PF en versión digital), decidí ponerme a escucharlo de manera íntegra como parte de mi ruta "escuchando todos los álbumes de Pink Floyd de forma íntegra". Al empezar "One of These Days" un sentimiento de entusiasmo y de haber encontrado un tesoro perdido se encendió en mí, era fascinante el trabajo brutal que se había logrado con el bajo, y el cuerpo que le otorgaba Wright al tema con el Hammond era soberbio. Luego "A Pillow of Winds" extendía en su mano un halo de acústica tranquilidad hablándonos del amor, cosa algo extraña dentro de la estética general de los Floyd. "Fearless" continúa la nota acústica, está vez con una guitarra a la española, acompañada con algunos sonidos de gente cantando en el estadio, se convirtió en uno de los hits principales de la banda y tema representativo dentro del fútbol británico. "San Tropez" es la siguiente en aparecer, un tema muy a lo acústico-music hall, donde el piano hace un trabajo jazzístico excelente. La canción muestra una visión idealizada de un día en San Tropez, comuna situada al sur de Francia. "Seamus" es el tema que cierra la cara A de "Meddle". Un blues de sonido bastante clásico. El nombre de la canción proviene del nombre del perro (perteneciente al líder de Humble Pie y de Small Faces, Steve Marriott) quién aulló en la versión del álbum. El lado B lo compone totalmente uno de los temas más clásicos y representativos de la banda: "Echoes", que con sus 23 minutos y medio, satisface completamente a todo buen amante del progresivo. Ya que, por un lado, es la tercera canción más larga de la banda, además de ser una donde la improvisación se da en su más excelso desarrollo, con momentos alucinantes del sintetizador, que otorga momentos excelsos de música cósmica. La letra es bastante etérea y se da para diversas interpretaciones, cuya base es la contemplación de la vida. "Echoes" valida algo que siempre he dicho basándome en la experiencia del jazz: lo más importante en la música es darse el tiempo de hacer varias jam sessions de manera extensa, sobre todo si se tiene pretensiones progresivas. La improvisación denota cuán compenetrada se encuentra la banda.
En conjunto "Meddle" es un álbum bastante suave y de tonalidades románticas, no necesariamente en las letras, pero sí en los solos y melodías, como en el caso de "Echoes", plagado de riffs suaves.
Y bueee... Espero más adelante analizar un poco más "Meddle" para ustedes... Prometo esta semana estar de vuelta con más fuerza en el blog!
Para algunas personas resulta un tanto inadmisible y algo extraño mis preferencias cuando de clásicos se trata. En Pink Floyd, por ejemplo, mi álbum favorito es "The Division Bell" (cosa que ya he dicho antes). Ahora, cuando de canciones se trata, "The Final Cut" posee una de las que, a mi parecer, es de las mejores de la banda británica, y a la vez, uno de los mejores temas escritos por Waters. Me refiero a la canción que abre el disco que trataremos hoy: "The Post War Dream", que, si bien está dentro de la temática del álbum, es bastante ajena a la opereta que se desarrolla en el lado A del mismo.
Pero bueno, iniciemos hablando del álbum para luego adentrarnos en lo profundo de "The Post War Dream".
Este disco, me parece, es de los mejores de Pink Floyd, y para entenderlo, tenemos que hacer un pequeño viaje a través de la vida de Waters y de los hechos que rodeaban la realidad británica de la primera mitad de los ochentas (el álbum fue lanzado en 1983). "The Final Cut" es un álbum completamente antibélico con tonalidades de ópera rock, con cierta herencia de "The Wall", aunque con una temática diferente. En este disco Waters trata de lo que él considera la traición hacia los militares británicos caídos, como su padre, quienes durante la Segunda Guerra Mundial sacrificaron su vida para poder vivir el sueño de la posguerra. Este sueño era que la victoria (aliada) haría del mundo un sitio más pacífico, en el cual los mandatarios no querrían volver a entrar en disputas bélicas. Las letras son críticas contra Margaret Thatcher, cuyas políticas y decisiones fueron vistas por Waters como un ejemplo de traición, ya que era la principal promotora de lo que sería la Guerra de las Malvinas (¿promover una guerra cuando nuestros soldados murieron para que el mundo pueda vivir en paz?). Se refiere a ella como "Maggie" a lo largo del álbum.
La canción "The Post War Dream" me parece una de las más hermosas de Pink Floyd, y de las mejor escritas por Roger Waters. Aunque, como dije al principio, es ciertamente ajena al desarrollo completo de la cara a la que pertenece, representa individualmente el espíritu del álbum entero. Empieza con el sonido de vehículos pasando por una carretera, seguidos luego por una radio que va cambiando de frecuencias, en las cuales escuchamos fragmentos de noticias: "...a group of business men announced plans to build a nuclear fallout shelter at Peterborough in Cambridgeshire...". (cambio de radio) "...three high court judges have cleared the way...". (cambio de radio) "...It was announced today, that the replacement for the Atlantic Conveyor the container ship lost in the Falklands conflict would be built in Japan, a spokesman for...". (cambio de radio) "...moving in. They say the third world countries, like Bolivia, which produce the drug are suffering from rising violence...".
(En español: "...un grupo de empresarios anunció planes de construir un refugio contra bombas nucleares en Peterborough, Cambridgeshire...". (cambio de radio) "...tres jueces de la corte suprema se hicieron camino...". (cambio de radio) "...Fue anunciado hoy, que el reemplazo para el Atlantic Conveyor, el barco contenedor perdido en el conflicto de las Malvinas, será reconstruido en Japón. Un vocero para...". (cambio de radio) "...entrando. Dicen que los países del tercer mundo, como Bolivia, los cuales producen droga, están sufriendo violencia en aumento...".
Y entonces empieza la letra: Tell me true, tell me why, was Jesus crucified (dime la verdad, dime por qué fue crucificado Jesús - yo lo entiendo como una analogía con los soldados que se sacrificaron para que tengamos un mundo mejor, y a la misma vez se da el sentido claro en la estrofa... Jesús no murió para que terminemos matándonos los unos a los otros). Is it for this that Daddy died? (es por esto que murió papá? - ¿más claro? el agua... La pregunta eterna del niño que llevaba dentro Waters). Was it for you? Was it me? (fue por ti? fui yo? - La culpabilidad salta a la vista) Did I watch too much T.V.? (vi mucha televisión? - la culpabilidad del niño que se pregunta si quizá todo fue porque el no hizo caso a las recomendaciones paternales). Is that a hint of accusation in your eyes? (¿Eso es un indicio de acusación en los ojos? - obviedades...). If it wasn't for the nips, being so good at building ships, the yards would still be open on the Clyde. (si no fuese por los japoneses que son tan buenos construyendo barcos, los astilleros seguirían abiertos en el Clyde - creo que es claro si se fija uno en la sección de los extractos radiales y conoce algo de geografía británica... el río Clyde, uno de los principales de Escocia, el cual atraviesa la ciudad de Glasgow, es posiblemente el río más importante por la construcción de barcos y el comercio en el Imperio Británico). And it can't be much fun for them, beneath the rising sun, with all their kids committing suicide. (y no puede ser muy divertido para ellos, bajo el sol naciente, con todos sus hijos suicidándose - alusión a los ataque kamikaze, término utilizado originalmente por los traductores estadounidenses para referirse a los ataques suicidas efectuados por pilotos de una unidad especial perteneciente a la Armada Imperial Japonesa contra embarcaciones de la flota de los Aliados a finales de la Segunda Guerra Mundial). What have we done, Maggie what have we done? What have we done to England? (¿Qué hemos hecho, Maggie, ¿qué hemos hecho? ¿Qué le hemos hecho a Inglaterra? - ¿está claro no?) Should we shout, should we scream "What happened to the post war dream?" Oh Maggie, Maggie what have we done? (¿Hay que gritar, debemos gritar "¿Qué pasó con el sueño de la posguerra?" Oh Maggie, Maggie ¿qué hemos hecho? - en este punto me parece a mí que queda todo absolutamente claro...).
La melodía está en su mayoría con tonada de réquiem, iniciada por un sonido suave de los sintetizadores y un calmado vocal de Waters, seguido de arreglos instrumentales, para luego romper en un sonido de guitarras, con un solo corto pero espectacular...
Ay...
"The Final Cut" se planeó inicialmente como banda sonora para la película de 1982, "Pink Floyd The Wall". Bajo su título inicial, "Spare Bricks", la idea era que contuviese canciones de "The Wall" sin cambios o simplemente regrabadas para la película. Algunos ejemplos incluían "When the Tigers Broke Free" y "Bring the Boys Back Home". Sin embargo Roger Waters planeaba incluir además material nuevo para expandir la narrativa de "The Wall". Debido a la Guerra de las Malvinas, Waters decidió cambiar de dirección y comenzó a componer material nuevo. Siendo socialista de corazón, vio la respuesta de invasión de la Primera Ministra del Reino Unido Margaret Thatcher como algo innecesario, por lo que decidió dedicar el nuevo álbum - titulado provisionalmente "Requiem for a Post-War Dream" - a su padre, Eric Fletcher Waters. Esta nueva dirección creativa creó una serie de disputas entre Waters y Gilmour. Varias piezas musicales de "The Wall", incluyendo "Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Final Cut" y "The Hero's Return", se habían apartado para "Spare Bricks". A pesar de que Pink Floyd había reutilizado material antiguo en otras ocasiones, Gilmour sentía que no era lo suficientemente bueno para el nuevo disco. Quería componer material nuevo, pero Waters tenía dudas, ya que Gilmour prácticamente no había contribuido con letras en los últimos tiempos.
A excepción de la pista introductoria, "The Post War Dream" (repito), la primera cara es una ópera rock corta que trata sobre la difícil situación mental de un veterano de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista se convierte en un profesor de escuela abusivo y a lo largo de las cinco siguientes pistas ("Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Hero's Return", "The Gunner's Dream" y "Paranoid Eyes") se examina su vida después de la guerra en detalle, centrándose en la depresión consecuencia del trastorno por estrés postraumático. Se va alejando de su esposa y le persigue la memoria de la muerte de sus compañeros soldados, incluyendo las últimas palabras de un artillero oídas a través de un interfono. En un deseo de volver a controlar su vida, paga sus frustraciones con sus alumnos. Este personaje ya había aparecido anteriormente en el álbum previo de Pink Floyd, "The Wall", donde se le achaca haber abusado del protagonista en su etapa escolar. En la narrativa de "The Wall", específicamente en la canción "The Happiest Days of Our Lives", tiene una esposa "psicopática", quien le apalizaba a menudo. El tema vuelve a aparecer en "The Hero's Return" como una sensación de alienación que siente el veterano hacia su mujer y sus alrededores. La porción de ópera rock del disco acaba con "Paranoid Eyes", en donde el veterano se refugia en el alcohol, eligiendo así ocultar sus verdaderos problemas al resto del mundo. La segunda parte del álbum trata sobre varios temas bélicos. "Southampton Dock" es un lamento dedicado a los héroes de guerra que regresan y para los soldados que se encaminan hacia una muerte segura, mientras que "Not Now John" habla de la ignorancia de la sociedad hacia los problemas económicos y políticos. "Get Your Filthy Hands Off My Desert" trata sobre los sentimientos de Waters hacia la guerra y la invasión, y "The Fletcher Memorial Home" refleja sus fantasías sobre reunir a políticos como Leonid Brezhnev, Menachem Begin, Leopoldo Galtieri y Margaret Thatcher para ejecutarlos a todos. "The Final Cut" trata sobre las intimidades más profundas de Waters; la letra trata las repercusiones provenientes del aislamiento y las represiones sexuales, mientras intenta cometer suicidio y se esfuerza por reconectar con el mundo que tiene a su alrededor. El álbum termina con "Two Suns in the Sunset", una canción que retrata un holocausto nuclear, dando como resultado final un mundo obsesionado con la guerra y el control.*
Este disco inicia la década ochentera de Pink Floyd, que dio sólo dos álbumes como fruto, el que tratamos hoy y "A Momentary Lapse of Reason" (1987). El primero se ve más como un trabajo como solista de Waters (Wright no estaba ya con ellos, Mason y Gilmour contribuyeron poco y sólo con el trabajo instrumental, aunque este segundo dio los vocales al tema "Not Now John"), el segundo, marca el regreso de Richard (como músico asalariado, para luego integrarse como miembro en 1994 con "The Division Bell") y el claro dominio de Gilmour (con cierta influencia de Mason), por lo tanto en esta década tan recordada, se da el quiebre de la sociedad Waters-Gilmour. "The Final Cut" (el montaje final), para Waters, era el último aliento del más grande monstruo del prog, por lo que intentaría asegurarse de que David Gilmour y compañía no pudiesen usar más el nombre de la banda, cosa que no pudo conseguir al final de cuentas (dos álbumes post-Waters lo delatan). Así que en el fondo, tanto este como "A Momentary Lapse of Reason" se ven más como trabajos individuales de los principales miembros de Pink Floyd que como floydeadas per se.
El compositor y director de orquesta estadounidense Michael Kamen (un contribuyente en las secciones orquestales de The Wall), medió entre Waters y Gilmour, e hizo de teclista, reemplazando al ausente Richard Wright. También se encargó de la dirección y arreglos de la National Philharmonic Orchestra, además de parte de la producción.
Yo creo que podría utilizarse un estribillo de la letra de "The Post War Dream" para describir los últimos momentos del Pink Flyd watergilmuriano: What have we done, David what have we done? What have we done to Pink Floyd?.
En la reedición de este disco del 2004, se incluyó en el cuarto lugar el tema "When the Tigers Broke Free", lanzado originalmente como single en el '82, previo lanzamiento del disco, y que fuera escrita por Waters dedicada para su padre.
La compañía Hipgnosis, diseñadores de la mayoría de diseños artísticos anteriores de Pink Floyd, se había disuelto. Storm Thorgerson, miembro fundador, fue descartado para diseñar la portada, de la que se encargó Waters, usando fotografías tomadas por su cuñado, Willie Christie. La portada muestra las amapolas típicas del día de los caídos y cuatro medallas de la Segunda Guerra Mundial sobre un fondo de tela negro. De izquierda a derecha las medallas son la Estrella de 1939-45, la Estrella de África, la Medalla de la defensa y la Cruz de vuelo distinguido.
En el interior de la cubierta desplegable del disco aparecen tres fotografías: La primera representa una mano extendida sujetando tres amapolas con un soldado en mitad de un campo a lo lejos. La segunda, muestra un soldador portando una máscara de soldador con una pequeña bandera japonesa, idéntico a la portada del sencillo "Not Now John". La tercera representa una explosión nuclear vista desde dentro de un coche, refiriéndose a "Two Suns in the Sunset". Dentro de la cubierta aparecen todas las letras de las canciones.
La contraportada representa a un soldado de pie sujetando un carrete, con un cuchillo sobresaliendo de su espalda (según Nicholas Schaffner (escritor norteamericano), el carrete y el cuchillo podrían reflejar la tumultuosa relación de Waters con Alan Parker durante la grabación de The Wall).
La etiqueta de la Cara A del vinilo muestra un campo de amapolas, mientras que la Cara B muestra un soldado apuñalado por la espalda, tirado en el suelo cerca de un campo de amapolas. A su lado se ve un perro sentado.
A mí parecer, y dando por terminado el post acerca de este disco, pese a lo agridulce que le resultó a la crítica (aunque fue número uno en ventas en Inglaterra, cosa que no ocurrió en los Estados Unidos), me parece que este disco está muy subestimado, y creo de manera fehaciente que "The Final Cut" merece un sitial mayor dentro de la historia de los Floyd y del prog en general.
