Me va a ser difícil tomar una posición respecto a este álbum. Me ha dejado sensaciones extrañas. Y ya dejando que el tiempo mengüe las reacciones iniciales, luego de toda la reacción general desencadenada luego del lanzamiento de "The Endless River", y tras controlar mi comentario inicial frente a los críticos y comentaristas musicales de "váyanse a la con...de...su...má", me siento frente a mi computadora a analizar lo que pocas y muchas respuestas deja.
Un rock progresivo completamente ambient. Un disco del cual sólo una canción puede escucharse individualmente ("Louder Than Words"). Un álbum que tiene su propia personalidad, pero que a la vez, como sonido, agrupa mucho de álbumes anteriores... "The Endless River", es, y no es, un disco que representa al Pink Floyd de toda la vida.
Lo he escuchado bastante, detenidamente, varias veces... y creo que tengo todo el derecho a dar una opinión.
Ambient, rock... rock progresivo. Centrado en los teclados de Wright, este no es un álbum que se pueda juzgar tema por tema, a mi parecer, salvo "Louder Than Words", como single del disco y único tema cantado también, sino que debe tomarse como un único bloque, pese a estar separado como sonido en sus cuatro partes, ya que sigue una misma estructura durante el álbum.
Muchos han dicho y dicen que es sólo una jugada comercial por puras ganas de sacar más dinero del nombre Pink Floyd. Otros, afirman que es la peor despedida para algo tan grandioso como lo fue Pink Floyd... algunos más, que es sólo un junta y pega de sesiones que para Rick fueron deshechos... yo respondo, ¿y eso qué?.
Para alguien de mi generación, que ni imaginábamos que algo bajo el sello Pink Floyd saldría a tomar vida durante nuestros años de existencia... que creíamos que Pink Floyd no sería más que un anhelo del pasado... nos sentimos contentos, porque si bien es material antiguo, mezclado con arreglos compuestos hoy, ya que para nosotros... o al menos para mí, es como si se alzara frente mío una enorme torre blanca de entre lo que fueron los escombros de un viejo elefante gris. Un canto del cisne.
Tiene algo de "Echoes", de "Shine on You Crazy Diamond", un sabor al "Dark Side...", una envoltura de campana dividida. "The Endless River" es un álbum que nos reclama paciencia, serenidad e hígado. Hígado porque es muy complicado de escuchar, creo, ya que el género que parece predominar sus paredes es el ambient... un género poco querido por el público común y corriente, ya que demanda mucho cerebro para poder escucharlo.
A mí me ha gustado, y mucho más allá de eso, va a ser un gusto para mí poder contarle a mis hijos que viví el año en que salió a la luz el último suspiro del más grande del prog...
Eso es todo... escúchenlo ustedes... tomen las cosas como vienen.
De vez en cuando en mis búsquedas a través de la web, me encuentro con verdaderos tesoros que vale la pena exponer un poco más. Y esta vez le tocó turno a la banda canadiense de rock progresivo, psicodélico, espacial y sinfónico Klaatu (nombre tomado del personaje de la película de 1951 "The Day the Earth Stood Still" (que tuvo su remake el 2008 con Keanu Reeves en el papel de Klaatu), y puntualmente a su primer y mejor disco (y el más conocido): "3:47 EST", lanzado en Agosto de 1976.
Y es que extraordinario álbum, mezcla melodías tales que muchos pensaron durante años que Klaatu era un experimento anónimo de los Beatles (aunque para mí, nada que ver).
Si quisiéramos ubicar a Klaatu, y este disco, entre algo que conozcamos, se podría decir que es un intermedio entre la banda de Liverpool y los Beach Boys, aunque dentro de lo suyo propio.
"3:47 EST" (que vendría a ser "3:47 hora del este"), inicia con la que es el tema más reconocido y recordado de Klaatu, y a la vez, en mi opinión, el mejor que tienen. Se trata de "Calling Occupants of Interplanetary Craft", una canción de más de siete minutos, donde el rock sinfónico es el invitado de honor. Con unos fantásticos cambios y variaciones rítmicos, sin sonar tan barroco como ELP, este maravilloso tema te adentra dentro del space rock, que junto a la letra da como resultado una de las mejores óperas espaciales que he escuchado (junto a las sinfonías del exogénesis de Muse).
El segundo tema del disco es "California Jam" que, cualquiera que lo escucha sin saber de quién es, al toque lanzaría "¿eso es de los Beach Boys no?"... "Anus of Uranus" es más psicho-hard rock, excelente tema.
"Sub-Rosa Subway" es el tema que hizo que Klaatu fuese creído durante un tiempo un experimento anónimo de los Beatles, ya que suena bastante a la música que hacían los británicos durante el final de su carrera ("3:47 EST" es del año 1976, pero su sonido es sesentero que de la época en que fue lanzado, si lo comparamos con el primer disco de The Alan Parsons Project, lanzado el mismo año).
"True Life Hero", a lo "Anus of Uranus" es un psicho-hard-pop-rock. "Doctor Marvello" es más pop-sinfónico medio beatleloso. "Sir Bodsworth Rugglesby III" tiene un sonido más cirquero juguetón. Que recuerda mucho a esos temas semi sinfónicos de las canciones infantiles.
"Little Neutrino" es el último tema del disco, y junto al primero, es de larga duración (supera los ocho minutos). Y es realmente excelente, donde el rock progresivo sinfónico se muestra en su máxima expresión, y donde esa necesidad cósmica, interpretada a través del vocoder, nos hace sentir en un mundo diferente...
Épocas donde las letras hablaban de neutrinos y viajes espaciales... y no de azotar mujeres y gatizar fieras... azota.
Gracias al querido y estimado Spotify, hace ya un tiempo, me encontré con una pequeña sorpresa; una versión alternativa del famoso tema de Pink Floyd "Wish You Were Here", tocada con el maestro violinista Stéphane Grappelli. Versión que no fue usada originalmente en el álbum del '75, aunque al final de esta, puede escucharse parte del violín en el fade out.
La versión con Grappelli vendría a aparecer hace poco frente al público, en la remasterización que se hizo de todos los álbumes de la banda durante la campaña "Why Pink Floyd...?", durante el 2011-12.
Así que bueno, dándome un pequeño tiempo vengo a compartirla con ustedes.
Y buéh, prometo que en estos días estoy volviendo con un post largo y detallado de alguna cosilla en especial...
Bueno, debo iniciar con la lamentable noticia, de hace algunos días, de la partida del querido y estimado Lou Reed, quien falleció hace poco a los 71 años de edad, y que obviamente recibirá un post conmemorativo, apenas me de un tiempito, recordando su exitosa carrera... como solista y liderando a la que es, sin dudas, una de las bandas que más influyó en la historia de la música. Pero por el momento le daré stop a "Sunday Morning" y play al álbum con el que me he estado enviciando estos últimos días... "Meddle", sexto álbum de estudio de Pink Floyd, del que hablaremos el día de hoy y del que quería escribir desde hace varios días pero que tuve que posponer por cosas de la vida, sobre todo por cierta buena cantidad de trabajo que he tenido y por el lanzamiento de "Reflektor", el cual me he dedicado a escuchar todo este santo día. Pero ya me puse en orden (más o menos), y podré dar algo de rienda suelta a mis ansias de pinkfloyar.
Lanzado a finales de 1971, "Meddle" es uno de esos discos a los que por un tiempo no había prestado mucha atención, pero con el tiempo, y al tenerlo dentro de mi colección (tengo todos los LP's de PF en versión digital), decidí ponerme a escucharlo de manera íntegra como parte de mi ruta "escuchando todos los álbumes de Pink Floyd de forma íntegra". Al empezar "One of These Days" un sentimiento de entusiasmo y de haber encontrado un tesoro perdido se encendió en mí, era fascinante el trabajo brutal que se había logrado con el bajo, y el cuerpo que le otorgaba Wright al tema con el Hammond era soberbio. Luego "A Pillow of Winds" extendía en su mano un halo de acústica tranquilidad hablándonos del amor, cosa algo extraña dentro de la estética general de los Floyd. "Fearless" continúa la nota acústica, está vez con una guitarra a la española, acompañada con algunos sonidos de gente cantando en el estadio, se convirtió en uno de los hits principales de la banda y tema representativo dentro del fútbol británico. "San Tropez" es la siguiente en aparecer, un tema muy a lo acústico-music hall, donde el piano hace un trabajo jazzístico excelente. La canción muestra una visión idealizada de un día en San Tropez, comuna situada al sur de Francia. "Seamus" es el tema que cierra la cara A de "Meddle". Un blues de sonido bastante clásico. El nombre de la canción proviene del nombre del perro (perteneciente al líder de Humble Pie y de Small Faces, Steve Marriott) quién aulló en la versión del álbum. El lado B lo compone totalmente uno de los temas más clásicos y representativos de la banda: "Echoes", que con sus 23 minutos y medio, satisface completamente a todo buen amante del progresivo. Ya que, por un lado, es la tercera canción más larga de la banda, además de ser una donde la improvisación se da en su más excelso desarrollo, con momentos alucinantes del sintetizador, que otorga momentos excelsos de música cósmica. La letra es bastante etérea y se da para diversas interpretaciones, cuya base es la contemplación de la vida. "Echoes" valida algo que siempre he dicho basándome en la experiencia del jazz: lo más importante en la música es darse el tiempo de hacer varias jam sessions de manera extensa, sobre todo si se tiene pretensiones progresivas. La improvisación denota cuán compenetrada se encuentra la banda.
En conjunto "Meddle" es un álbum bastante suave y de tonalidades románticas, no necesariamente en las letras, pero sí en los solos y melodías, como en el caso de "Echoes", plagado de riffs suaves.
Y bueee... Espero más adelante analizar un poco más "Meddle" para ustedes... Prometo esta semana estar de vuelta con más fuerza en el blog!
Para algunas personas resulta un tanto inadmisible y algo extraño mis preferencias cuando de clásicos se trata. En Pink Floyd, por ejemplo, mi álbum favorito es "The Division Bell" (cosa que ya he dicho antes). Ahora, cuando de canciones se trata, "The Final Cut" posee una de las que, a mi parecer, es de las mejores de la banda británica, y a la vez, uno de los mejores temas escritos por Waters. Me refiero a la canción que abre el disco que trataremos hoy: "The Post War Dream", que, si bien está dentro de la temática del álbum, es bastante ajena a la opereta que se desarrolla en el lado A del mismo.
Pero bueno, iniciemos hablando del álbum para luego adentrarnos en lo profundo de "The Post War Dream".
Este disco, me parece, es de los mejores de Pink Floyd, y para entenderlo, tenemos que hacer un pequeño viaje a través de la vida de Waters y de los hechos que rodeaban la realidad británica de la primera mitad de los ochentas (el álbum fue lanzado en 1983). "The Final Cut" es un álbum completamente antibélico con tonalidades de ópera rock, con cierta herencia de "The Wall", aunque con una temática diferente. En este disco Waters trata de lo que él considera la traición hacia los militares británicos caídos, como su padre, quienes durante la Segunda Guerra Mundial sacrificaron su vida para poder vivir el sueño de la posguerra. Este sueño era que la victoria (aliada) haría del mundo un sitio más pacífico, en el cual los mandatarios no querrían volver a entrar en disputas bélicas. Las letras son críticas contra Margaret Thatcher, cuyas políticas y decisiones fueron vistas por Waters como un ejemplo de traición, ya que era la principal promotora de lo que sería la Guerra de las Malvinas (¿promover una guerra cuando nuestros soldados murieron para que el mundo pueda vivir en paz?). Se refiere a ella como "Maggie" a lo largo del álbum.
La canción "The Post War Dream" me parece una de las más hermosas de Pink Floyd, y de las mejor escritas por Roger Waters. Aunque, como dije al principio, es ciertamente ajena al desarrollo completo de la cara a la que pertenece, representa individualmente el espíritu del álbum entero. Empieza con el sonido de vehículos pasando por una carretera, seguidos luego por una radio que va cambiando de frecuencias, en las cuales escuchamos fragmentos de noticias: "...a group of business men announced plans to build a nuclear fallout shelter at Peterborough in Cambridgeshire...". (cambio de radio) "...three high court judges have cleared the way...". (cambio de radio) "...It was announced today, that the replacement for the Atlantic Conveyor the container ship lost in the Falklands conflict would be built in Japan, a spokesman for...". (cambio de radio) "...moving in. They say the third world countries, like Bolivia, which produce the drug are suffering from rising violence...".
(En español: "...un grupo de empresarios anunció planes de construir un refugio contra bombas nucleares en Peterborough, Cambridgeshire...". (cambio de radio) "...tres jueces de la corte suprema se hicieron camino...". (cambio de radio) "...Fue anunciado hoy, que el reemplazo para el Atlantic Conveyor, el barco contenedor perdido en el conflicto de las Malvinas, será reconstruido en Japón. Un vocero para...". (cambio de radio) "...entrando. Dicen que los países del tercer mundo, como Bolivia, los cuales producen droga, están sufriendo violencia en aumento...".
Y entonces empieza la letra: Tell me true, tell me why, was Jesus crucified (dime la verdad, dime por qué fue crucificado Jesús - yo lo entiendo como una analogía con los soldados que se sacrificaron para que tengamos un mundo mejor, y a la misma vez se da el sentido claro en la estrofa... Jesús no murió para que terminemos matándonos los unos a los otros). Is it for this that Daddy died? (es por esto que murió papá? - ¿más claro? el agua... La pregunta eterna del niño que llevaba dentro Waters). Was it for you? Was it me? (fue por ti? fui yo? - La culpabilidad salta a la vista) Did I watch too much T.V.? (vi mucha televisión? - la culpabilidad del niño que se pregunta si quizá todo fue porque el no hizo caso a las recomendaciones paternales). Is that a hint of accusation in your eyes? (¿Eso es un indicio de acusación en los ojos? - obviedades...). If it wasn't for the nips, being so good at building ships, the yards would still be open on the Clyde. (si no fuese por los japoneses que son tan buenos construyendo barcos, los astilleros seguirían abiertos en el Clyde - creo que es claro si se fija uno en la sección de los extractos radiales y conoce algo de geografía británica... el río Clyde, uno de los principales de Escocia, el cual atraviesa la ciudad de Glasgow, es posiblemente el río más importante por la construcción de barcos y el comercio en el Imperio Británico). And it can't be much fun for them, beneath the rising sun, with all their kids committing suicide. (y no puede ser muy divertido para ellos, bajo el sol naciente, con todos sus hijos suicidándose - alusión a los ataque kamikaze, término utilizado originalmente por los traductores estadounidenses para referirse a los ataques suicidas efectuados por pilotos de una unidad especial perteneciente a la Armada Imperial Japonesa contra embarcaciones de la flota de los Aliados a finales de la Segunda Guerra Mundial). What have we done, Maggie what have we done? What have we done to England? (¿Qué hemos hecho, Maggie, ¿qué hemos hecho? ¿Qué le hemos hecho a Inglaterra? - ¿está claro no?) Should we shout, should we scream "What happened to the post war dream?" Oh Maggie, Maggie what have we done? (¿Hay que gritar, debemos gritar "¿Qué pasó con el sueño de la posguerra?" Oh Maggie, Maggie ¿qué hemos hecho? - en este punto me parece a mí que queda todo absolutamente claro...).
La melodía está en su mayoría con tonada de réquiem, iniciada por un sonido suave de los sintetizadores y un calmado vocal de Waters, seguido de arreglos instrumentales, para luego romper en un sonido de guitarras, con un solo corto pero espectacular...
Ay...
"The Final Cut" se planeó inicialmente como banda sonora para la película de 1982, "Pink Floyd The Wall". Bajo su título inicial, "Spare Bricks", la idea era que contuviese canciones de "The Wall" sin cambios o simplemente regrabadas para la película. Algunos ejemplos incluían "When the Tigers Broke Free" y "Bring the Boys Back Home". Sin embargo Roger Waters planeaba incluir además material nuevo para expandir la narrativa de "The Wall". Debido a la Guerra de las Malvinas, Waters decidió cambiar de dirección y comenzó a componer material nuevo. Siendo socialista de corazón, vio la respuesta de invasión de la Primera Ministra del Reino Unido Margaret Thatcher como algo innecesario, por lo que decidió dedicar el nuevo álbum - titulado provisionalmente "Requiem for a Post-War Dream" - a su padre, Eric Fletcher Waters. Esta nueva dirección creativa creó una serie de disputas entre Waters y Gilmour. Varias piezas musicales de "The Wall", incluyendo "Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Final Cut" y "The Hero's Return", se habían apartado para "Spare Bricks". A pesar de que Pink Floyd había reutilizado material antiguo en otras ocasiones, Gilmour sentía que no era lo suficientemente bueno para el nuevo disco. Quería componer material nuevo, pero Waters tenía dudas, ya que Gilmour prácticamente no había contribuido con letras en los últimos tiempos.
A excepción de la pista introductoria, "The Post War Dream" (repito), la primera cara es una ópera rock corta que trata sobre la difícil situación mental de un veterano de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista se convierte en un profesor de escuela abusivo y a lo largo de las cinco siguientes pistas ("Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Hero's Return", "The Gunner's Dream" y "Paranoid Eyes") se examina su vida después de la guerra en detalle, centrándose en la depresión consecuencia del trastorno por estrés postraumático. Se va alejando de su esposa y le persigue la memoria de la muerte de sus compañeros soldados, incluyendo las últimas palabras de un artillero oídas a través de un interfono. En un deseo de volver a controlar su vida, paga sus frustraciones con sus alumnos. Este personaje ya había aparecido anteriormente en el álbum previo de Pink Floyd, "The Wall", donde se le achaca haber abusado del protagonista en su etapa escolar. En la narrativa de "The Wall", específicamente en la canción "The Happiest Days of Our Lives", tiene una esposa "psicopática", quien le apalizaba a menudo. El tema vuelve a aparecer en "The Hero's Return" como una sensación de alienación que siente el veterano hacia su mujer y sus alrededores. La porción de ópera rock del disco acaba con "Paranoid Eyes", en donde el veterano se refugia en el alcohol, eligiendo así ocultar sus verdaderos problemas al resto del mundo. La segunda parte del álbum trata sobre varios temas bélicos. "Southampton Dock" es un lamento dedicado a los héroes de guerra que regresan y para los soldados que se encaminan hacia una muerte segura, mientras que "Not Now John" habla de la ignorancia de la sociedad hacia los problemas económicos y políticos. "Get Your Filthy Hands Off My Desert" trata sobre los sentimientos de Waters hacia la guerra y la invasión, y "The Fletcher Memorial Home" refleja sus fantasías sobre reunir a políticos como Leonid Brezhnev, Menachem Begin, Leopoldo Galtieri y Margaret Thatcher para ejecutarlos a todos. "The Final Cut" trata sobre las intimidades más profundas de Waters; la letra trata las repercusiones provenientes del aislamiento y las represiones sexuales, mientras intenta cometer suicidio y se esfuerza por reconectar con el mundo que tiene a su alrededor. El álbum termina con "Two Suns in the Sunset", una canción que retrata un holocausto nuclear, dando como resultado final un mundo obsesionado con la guerra y el control.*
Este disco inicia la década ochentera de Pink Floyd, que dio sólo dos álbumes como fruto, el que tratamos hoy y "A Momentary Lapse of Reason" (1987). El primero se ve más como un trabajo como solista de Waters (Wright no estaba ya con ellos, Mason y Gilmour contribuyeron poco y sólo con el trabajo instrumental, aunque este segundo dio los vocales al tema "Not Now John"), el segundo, marca el regreso de Richard (como músico asalariado, para luego integrarse como miembro en 1994 con "The Division Bell") y el claro dominio de Gilmour (con cierta influencia de Mason), por lo tanto en esta década tan recordada, se da el quiebre de la sociedad Waters-Gilmour. "The Final Cut" (el montaje final), para Waters, era el último aliento del más grande monstruo del prog, por lo que intentaría asegurarse de que David Gilmour y compañía no pudiesen usar más el nombre de la banda, cosa que no pudo conseguir al final de cuentas (dos álbumes post-Waters lo delatan). Así que en el fondo, tanto este como "A Momentary Lapse of Reason" se ven más como trabajos individuales de los principales miembros de Pink Floyd que como floydeadas per se.
El compositor y director de orquesta estadounidense Michael Kamen (un contribuyente en las secciones orquestales de The Wall), medió entre Waters y Gilmour, e hizo de teclista, reemplazando al ausente Richard Wright. También se encargó de la dirección y arreglos de la National Philharmonic Orchestra, además de parte de la producción.
Yo creo que podría utilizarse un estribillo de la letra de "The Post War Dream" para describir los últimos momentos del Pink Flyd watergilmuriano: What have we done, David what have we done? What have we done to Pink Floyd?.
En la reedición de este disco del 2004, se incluyó en el cuarto lugar el tema "When the Tigers Broke Free", lanzado originalmente como single en el '82, previo lanzamiento del disco, y que fuera escrita por Waters dedicada para su padre.
La compañía Hipgnosis, diseñadores de la mayoría de diseños artísticos anteriores de Pink Floyd, se había disuelto. Storm Thorgerson, miembro fundador, fue descartado para diseñar la portada, de la que se encargó Waters, usando fotografías tomadas por su cuñado, Willie Christie. La portada muestra las amapolas típicas del día de los caídos y cuatro medallas de la Segunda Guerra Mundial sobre un fondo de tela negro. De izquierda a derecha las medallas son la Estrella de 1939-45, la Estrella de África, la Medalla de la defensa y la Cruz de vuelo distinguido.
En el interior de la cubierta desplegable del disco aparecen tres fotografías: La primera representa una mano extendida sujetando tres amapolas con un soldado en mitad de un campo a lo lejos. La segunda, muestra un soldador portando una máscara de soldador con una pequeña bandera japonesa, idéntico a la portada del sencillo "Not Now John". La tercera representa una explosión nuclear vista desde dentro de un coche, refiriéndose a "Two Suns in the Sunset". Dentro de la cubierta aparecen todas las letras de las canciones.
La contraportada representa a un soldado de pie sujetando un carrete, con un cuchillo sobresaliendo de su espalda (según Nicholas Schaffner (escritor norteamericano), el carrete y el cuchillo podrían reflejar la tumultuosa relación de Waters con Alan Parker durante la grabación de The Wall).
La etiqueta de la Cara A del vinilo muestra un campo de amapolas, mientras que la Cara B muestra un soldado apuñalado por la espalda, tirado en el suelo cerca de un campo de amapolas. A su lado se ve un perro sentado.
A mí parecer, y dando por terminado el post acerca de este disco, pese a lo agridulce que le resultó a la crítica (aunque fue número uno en ventas en Inglaterra, cosa que no ocurrió en los Estados Unidos), me parece que este disco está muy subestimado, y creo de manera fehaciente que "The Final Cut" merece un sitial mayor dentro de la historia de los Floyd y del prog en general.
Entre los álbumes que más me gustan (en general y de rock progresivo) se encuentra "I Robot", el segundo álbum de estudio de The Alan Parsons Project lanzado a mediados de 1977 y poseedor de uno de los mejores temas (a mí entender) del proyecto británico; "Don't Let It Show", tema con el que me envicio bastante seguido...
"I Robot", álbum conceptual inspirado en el conjunto de relatos cortos "Yo, Robot" del escritor Isaac Asimov (uno de mis favoritos), hace uso extensivo de las nuevas capacidades (en ese entonces) del sintetizador Moog de los estudios de la EMI, que también ofreció esas facilidades para el primer disco del proyecto; "Tales of Mystery and Imagination".
Definir el álbum por excelencia de The Alan Parsons Project sería imposible, ni siquiera el "Eye in the Sky", salvo por la popularidad extensa que ha logrado, sería capaz de enarbolar tal título, ya que la obra del proyecto de Eric y Alan ha sido bastante equilibrada en calidad y buen trabajo, fuera ya de la cuestión de gustos e ideas personales que cada oyente pueda tener.
El álbum fue pensado para estar basado en las historias de "Yo, Robot" (I, Robot) escritas por Asimov. Es más, en realidad Woolfson habló con Asimov, quien se mostró entusiasmado con la idea. Pero, dado que los derechos ya habían sido concedidos a una empresa de cine y televisión, el título del álbum se alteró ligeramente quitando la coma, y el tema y las letras se hicieron para ser más genéricas y no tan específicas del universo Asimov.
En el cover interior del disco reza lo siguiente: "Yo Robot ... La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que, paradójicamente, coincidió con el descubrimiento de la rueda ... y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará , porque el hombre trató de crear al robot a su propia imagen".
Los singles de este álbum fueron "I Wouldn't Want to Be Like You", "Don't Let it Show" y "Day After Day (The Show Must Go On)".
Musicalmente "I Robot" mantiene la esencia clásico-progresiva de su predecesor, aunque esta vez con una mayor cantidad de momentos mainstream. Permanecen los grandiosos arreglos sinfónicos de Powell y los excelentes trabajos corales que, a lo largo del tiempo, han identificado al proyecto británico.
Es en este álbum donde por primera vez Alan Parsons y compañía hacen uso de la temática y melodía melosa y romántica, sentimental. Esta está impregnada en "Don't Let it Show" (mi canción favorita del disco, como ya dije al inicio), donde escuchamos a un individuo x, diciéndole a su ex pareja qué debía hacer y cómo debía comportarse cuando le recordase. El que interpreta esta canción es Eric Woolfson, quien dio los vocales a los principales éxitos de la banda ("Eye in the Sky", "Time", "Don't Answer Me", entre otros), y¡oh! sorpresa, esta canción fue el primer hit comercial y la primera en consagrarse como clásico de The Alan Parsons Project.
En verdad tiene razón Parsons al arrepentirse de no haber usado más a Eric en los vocales de sus canciones.
"Breakdown", tema que aparece precediendo a "Don't Let it Show", entró en rotación en emisoras AOR y hasta hoy sigue siendo incluida en la programación de radios dedicadas al rock clásico. La letra es bastante robótica con obvias aluciones a "Yo, Robot". Si bien suena como un tema bastante pop rock, en el segmento final de la canción aparecen unos coros soberbios repitiendo "freedom, freedom" (con más letra, claro, pero yo la reduzco a eso ja, ja), de los que se encargó Andrew Powell. El tema lo canta Allan Clarke, quien fuera miembro fundador de The Hollies, que, como he dicho ya antes, trabajaron también con Parsons. En "Tales of..." aparece Terry Sylvester, otro ex Hollies.
"Breakdown" dejó herencia en el disco solista de Eric Woolfson "Poe: More Tales of Mystery and Imagination" (2003), continuación del primer álbum de TAPP, en el tema "Bells" (musicalización del poema de Poe de mismo nombre).
Para cerrar lo de esta canción sólo me queda decir algo, sin querer caer en lo facha; su intro me recuerda al posterior y clásico "Kashmir" de Led Zeppelin.
"I Robot" tiene también la característica de introducir por primera vez melodías de corte funk en TAPP. Ejemplo de ello es "I Wouldn't Want to Be Like You", otro de los temas importantes del disco. El instrumental introductorio homónimo del disco también tiene cierto ritmo disco por momentos.
Este disco, al igual que el anterior, tiene líneas de música non-stop, que las componen las canciones "The Voice" (cantada), junto con "Nucleus" (instrumental) y "Day After Day (The Show Must Go On)" (otro single importante, que al lado de "Don't Let it Show" y "Some Other Time" son los tranquilitos del disco), componen lo que vendría a ser el primer bloque de canciones non-stop. El segundo y último lo componen "Total Eclipse" y "Genesis Ch. 1 V. 32", ambos instrumentales. Los dos bloques non-stop se dan al lado B de "I Robot".
Es justo en el último tema del álbum, "Genesis Ch. 1 V. 32", que se da una nota curiosa: el título da continuación al tema de la frase que aparece en el cover interior del disco ("Yo Robot ... La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que, paradójicamente, coincidió con el descubrimiento de la rueda ... y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará , porque el hombre trató de crear al robot a su propia imagen"). Esto se explica debido a que Génesis tiene sólo 31 versos, entonces, al colocar el "32" en el nombre del instrumental, se da a suponer una continuación en la historia de la Creación.
Interesante detalle.
Cover del Legacy Edition. El disco está disponible en Amazon.
"I Robot" ha sido reeditado varias veces en varios formatos desde su lanzamiento inicial en vinilo.
Mobile Fidelity Sound Lab (MFSL) lanzó el álbum en vinilo estándar (MFSL 1-084), UHQR vinilo (MFQR 1-084), y en CD de aluminio (MFCD-1-804). Classic Records ha lanzado el álbum en forma analógica en vinilo de 180 gramos, así como en formato digital en HDAD (24bit/192 kHz y 24bit/96 kHz DVD-Audio).
En 2007, como parte de una campaña más amplia, Sony lanzó una versión remasterizada con bonus tracks en el CD.
La más reciente edición del disco es la de Legacy Records (división de catálogo de Sony Music Entertainment, populares por los discos recopilatorios de diversas bandas titulados "Playlist: The Very Best of.." y "The Essentials"), por los 35 años de "I Robot", la cual contiene demos y extractos de las sesiones de grabación, además de un comercial de radio. Esta versión especial fue lanzada el mes pasado.
Para terminar sólo me queda decir que este es un disco esencial para todo aquel que gusta del buen rock, prog, o simplemente buena música.
Tracks:
I Robot (instrumental)
I Wouldn't Want to Be Like You
Some Other Time
Breakdown
Don't Let It Show
The Voice
Nucleus (instrumental)
Day After Day (The Show Must Go On)
Total Eclipse (instrumental)
Genesis Ch.1. V.32 (instrumental)
PD: he estado desaparecido últimamente por dos cosas: estoy preparando un blog dedicado a mi fanatismo por TAPP, y además, ahora tengo un perrito que cuidar. 09/Octubre/2013
Entre mis recientes vicios se encuentra The Decemberists, una banda de folk-rock e indie-folk proveniente de los Estados Unidos que me ha impresionado mucho últimamente, pese a que ya la había escuchado hace un buen tiempo atrás.
Todos sus discos me gustan mucho, así que bueno, no iré en orden para hablar de ellos, sino que iré posteando poco a poco acerca del que me nazca escribir.
Hoy nos ocupa su cuarto álbum de estudio, "The Crane Wife", lanzado el año 2006.
Dentro de una estética folk, desarrolla sonidos que van desde el mismo folk-rock hasta el rock progresivo... con algunos momentos pop (haciendo referencia al sonido más pop que pueda albergar el folk), excelente guitarra, teclados bien sesenteros, un "welcome back" musical perfecto... y bueeeeeeeeee... El disco, aunque cuenta con canciones con diversas historias y letras, está inspirado en un cuento folclórico japonés llamado La Esposa Grulla (The Crane Wife).
El cuento narra la historia de un hombre que a la puerta de su casa encuentra una grulla lastimada. Él la toma, la cuida, la cura y protege. Un día, lanza la grulla ya sana al viento y esta empieza a volar, y entonces ante la puerta del hombre, aparece una hermosa mujer, de la cual se enamora para posteriormente casarse. Como estaban muy pobres, la mujer se ofrece a tejer ropas con una maravillosa seda, para que él la pueda vender en el mercado, la única condición que pone es que el hombre no puede verla mientras trabaja. Entonces empiezan a ganar dinero y logran tener una vida bastante cómoda, pero de pronto el hombre la hace tejer más y más a su esposa, que obviamente empieza a ver afectada su salud, cosa que no veía su esposo al estar cegado por la avaricia. De un momento a otro decide asomarse a ver lo que su esposa está haciendo para que la seda sea tan deseable, y se da con la sorpresa de que en el telar está una grulla sacando las plumas de su propio cuerpo y tejiéndolas en el telar. La grulla al verlo se va volando lejos y nunca regresa.
Este cuento se encuentra dividido en dos canciones; "The Crane Wife, Pt. 3" y "The Crane Wife, Pts. 1 & 2". La primera, curiosamente, siendo la que narra el final del cuento, es la canción que abre el disco, la segunda, es la penúltima.
El álbum contiene diez temas en total, con diversas historias en cada canción, como por ejemplo "When the War Came", que es una representación del sitio de 900 días sobre la ciudad de Leningrado en la Segunda Guerra Mundial. Durante el asedio, el ejército alemán rodeó la ciudad por completo, evitando que cualquier cosa entre o salga de la misma. Como resultado, muchas personas murieron de hambre. La cifra final de las muertes se estima en más de un millón. La canción también hace referencia a Nikolái Vavílov, botánico ruso asesinado por Joseph Stalin. Otro ejemplo es "Shankill Butchers", una canción acerca de la banda de la Ulster Volunteer Force; los carniceros de Shankill (Shankill Butchers). La UVF es una organización paramilitar protestante. Los carniceros de Shankill se separaron de la UVF en la década de 1970 y llevaron a cabo una serie de asesinatos espantosos.
Pese a que algunos fans de la banda afirmaron que esta se había vendido (debido a su contrato con la Capitol a partir de "The Crane Wife"), y que por ende su sonido ahora era más pop, en verdad fue una necedad ponerse en esa posición. Primero porque el disco contiene canciones bastante progresivas y experimentales, cosa poco mainstream el día de hoy, segundo porque cualquiera puede dudar que una disquera como la Capitol Records fuese a firmar un contrato con una banda para tergiversarla, sobre todo después del éxito conseguido por The Decemberists dentro de un formato extremadamente indie... pero bueee...
La crítica le dio una muy buena recibida, con muy buena cantidad de puntos. Los oyentes de la National Public Radio (NPR), votaron por "The Crane Wife" como el mejor álbum del 2006.
En mi personal perspectiva este es uno de esos discos "más lo escucho más me gusta".
Tracks:
The Crane Wife, Pt. 3
The Island: Come and See/The Landlord's Daughter/You'll Not Feel the Drowning
"Aguirre", lanzado el año 1975, es el séptimo álbum de estudio de la banda alemana Popol Vuh, una de las más insignes en lo que a krautrock respecta, junto a Kraftwerk, Can, Neu!, Tangerine Dream, Cluster, Ash Ra Tempel, entre otras. Y para los seguidores de la misma, o por los menos para muchos de ellos, "Aguirre" está considerado como el mejor disco de Popol Vuh.
"Aguirre" es el soundtrack de la película alemana del famoso cineasta Werner Herzog "Aguirre, the Wrath of God", del año 1972. El lado A del álbum está conformado básicamente por dos temas; "Aguirre I" (dividida en dos partes; "L'Acrime di Rei" y "Flöte") y "Aguirre II", que son los únicos que aparecen en la película, a los que se unen las versiones alternativas de "Morgengruß II" y "Agnus Dei", originales del álbum del año anterior "Einsjäger und Siebenjäger". El lado B del disco lo conforma "Vergegenwärtigung", un tema que dura cerca de 17 minutos. El 2004 la disquera germana SPV reeditó el álbum, añadiéndole un bonus track: "Aguirre III".
La cuota curiosa del disco la pone el final de "Aguirre I", ya que termina con un sonido de quena, nada más y nada menos que de la excesivamente popular "Valicha", canción con ritmo de huayno realizada por Miguel Ángel Hurtado Delgado el año 1945 (seguro que la han escuchado en varios videos turísticos de nuestro país).
El sonido del disco tiene cuotas iguales de melodías sintéticas y rock psicodélico. Todo dentro de una estética kraut que tira más hacia el rock progresivo (hay que recordar que Popol Vuh tiene también trabajos más experimentales y ambientales, de música cósmica y new age).
Valga hacer una acotación aquí. El krautrock no es un género musical per se, más bien, al igual que el pop o el new age, agrupa una serie de estilos diferentes. En el kraut tenemos a artistas tan disímiles como Kraftwerk y Krokodil, Ash Ra Tempel y Tangerine Dream. Para ser preciso, el krautrock va desde la música electrónica hasta el rock progresivo y el ambient.
Y bueno...
Lo primero que escuché de Popol Vuh, hace ya un buen tiempo, fue el soundtrack de la versión de 1978 de la afamada película "Nosferatu" (la original es de 1922 si mal no recuerdo), versión que hizo el ya mencionado señor Herzog . Para aclararles la idea, Popol Vuh hizo la música de varias películas del tan querido Werner, como "El enigma de Kaspar Hauser", "Corazón de cristal", "Fitzcarraldo" y "Cobra verde". Fue con "Aguirre" cuando se iniciaron las colaboraciones Popol-Vu-Herzog, colaboraciones que se dieron gracias a que Florian Fricke, pianista y líder del grupo, era muy amigo de Wernercito Herzog.
Durante año nuevo (31 de Diciembre del 2012 y 1ro de Enero del presente), mientras ustedes se dedicaban a parrandear yo estaba escribiendo acerca de uno de mis grupos favoritos, The Alan Parsons Project. Hice un par de artículos largos contando su historia y revisando de manera epidérmica sus álbumes de estudio (10 para algunos, 11 para los que contamos "Freudiana"). Artículos que pueden leer haciendo clic en estos links: 1er artículo. 2do artículo.
En el primero pueden leer la historia del proyecto y algo sobre sus 7 primeros álbumes, en el segundo, que vendría a ser una continuación, podrán leer acerca de los 4 discos restantes.
Ya más adelante escribí acerca de su álbum "Vulture Culture" de manera más profunda, y después sobre su canción más popular; "Eye in the Sky". Me imagino que poco a poco iré haciendo lo mismo (profundizar en los álbumes de The Alan Parsons Project) más adelante, con el correr de los días venideros. Hoy decidí escribir sobre el primero de sus discos, el más progresivo de todos y el más querido por la gente prog; "Tales of Mystery and Imagination: Edgar Allan Poe", lanzado el año 1976.
Citándome a mí mismo (redunda! redunda!), les dejo este fragmento de mi primer artículo para que entiendan un poco toda la previa de este álbum todos aquellos que ignoran acerca del proyecto de Alancito y Ericito: El año 1974 Alan Parsons conoció a Eric Woolfson en el comedor de los estudios Abbey Road durante el verano de ese año (sí, no se me emocionen, ese es el estudio de los Beatles). Alan ya había sido ingeniero asistente en los discos "Abbey Road" (1969) y Let It Be" (1970) de los Beatles y recientemente había dirigido el afamado álbum de Pink Floyd "The Dark Side of the Moon" (1973), por lo tanto Parsons ya tenía un buen haber tras de sí... Por su parte, Woolfson había trabajado de pianista en algunas sesiones y había compuesto material para una idea que tenía de un álbum conceptual basado en la obra de Edgar Allan Poe. Parsons le dijo a Woolfson que se convirtiera en su manager como productor y e ingeniero de sonido, pero Alan se sentía frustrado ya que muchos de los músicos con los que trabajaba, pese al éxito, no le dejaban culminar sus ideas, por eso se le ocurrió crear un álbum propio basado en la evolución del cine. Woolfson recordó su viejo trabajo basado en E. A. Poe y vio una manera de combinar sus talentos con los de Parsons, así es como nació una de las más grandes obras del rock, "Tales of Mystery and Imagination: Edgar Allan Poe" (1976), que tuvo la participación de diversos personajes, como el actor Leonard Whiting (quien ganó un Globo de Oro en el '69 por su papel de Romeo Montesco en la película Romeo y Julieta) y algunos miembros de la banda de rock progresivo norteamericana Ambrosia.
Y bueno, para cualquiera que es admirador de los cuentos del señor Edgar Allan Poe y simpatizante de Alan Parsons y su pandilla, seguro que se sentirá feliz de hallar una obra como esta.
"Tales of Mystery and Imagination: Edgar Allan Poe" es el único disco del proyecto de Eric y Alan que pueda considerarse puramente progresivo, ya que sus trabajos posteriores vendrían a ser más pop, claro que siempre dentro de un orden prog. Este disco también está considerado dentro de los pilares del género, si bien apareció al final de la época de mayor ebullición del mismo, que fue la primera mitad de la década de 1970, con álbumes como "Dark Side of the Moon" de Pink Floyd, "Tarkus" de Emerson, Lake & Palmer, "Tubular Bells" de Mike Oldfield, "Godbluff" de Van der Graaf Generator, "Nursery Cryme" y "Foxtrot" de Genesis, o Yes con sus reconocidos "Close to the Edge", "Fragil" y "The Yes Album", por citar algunos pocos, la primera obra de The Alan Parsons Project es un excelso trabajo en materia progresiva.
Musicalmente "Tales of Mystery and Imagination: Edgar Allan Poe" contempla ciertos matices del art-rock y hard rock dentro de una columna vertebral absolutamente prog y sinfónica (cayendo en redundancia me parece al citar esta última influencia).
El álbum se divide básicamente en dos; rock experimental y música clásica.
En cuestión de letra es obviamente una adaptación de la obra de Poe, el nombre mismo lo dice.
El disco abre con el instrumental "A Dream Within a Dream" inspirado en el poema del Poe que lleva el mismo nombre (en español: un sueño en un sueño), al que se le agregó en el relanzamiento de 1987 la voz del escritor Orson Welles narrando el poema. La melodía es rock con algunos arreglos sinfónicos, realmente soberbios.
En segunda posición está "The Raven", que obviamente está basado en el poema del mismo nombre (en español: el cuervo). La música es también rock, algo tirado hacia el hard, con varios cambios rítmicos y muy buenos arreglos sinfónicos en ciertos momentos.
"The Tell-Tale Heart" es la tercera canción del disco, y se basa en el cuento del mismo nombre (en español: el corazón delator), una genial narración de Allan Poe. Al igual que el tema que le precede, tiene algunos cambios de ritmo y uno que otro arreglo orquestal. La voz principal es de nada más y nada menos que de Arthur Brown, famoso por el disco del '68 "The Crazy World of Arthur Brown", que lanzó junto a la banda del mismo nombre (si mal no recuerdo fue él también uno de los primeros en brindarle su apoyo a una recién nacida Pink Floyd).
"The Cask of Amontillado" (en español: el barril de amontillado), tiene sus bases en el cuento del mismo nombre. Interpretada vocalmente por John Miles, es la más tranquila y sinfónica del lado A del disco.
Cierra el a-side del álbum "(The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether" (en español: el sistema del Dr. Tarr y el profesor Fether), escrita por Woolfson y Parsons basándose en el relato humorístico del mismo nombre. Melódicamente es la canción que extrae una mayor influencia hard rock de todo el disco.
El b-side es básicamente la canción "The Fall of the House of Usher" (la caída de la casa Usher), que está cimentada en uno de los cuentos más famosos de Poe. Esta se encuentra dividida en cinco partes; "Prelude", "Arrival", "Intermezzo", "Pavane" y "Fall", y es completamente instrumental, salvo por una narración incluida al principio de la primera parte.
"Prelude", con 7 minutos y 2 segundos es la parte más larga de la canción. Su melodía es puramente sinfónica. "Arrival", con 2:39 minutos, entra ya en lo que es el mero rock sinfónico."Pavane" es mi parte favorita, con algo más de cuatro minutos, arranca con un arreglo sinfónico dominado por instrumentos de cuerda, al que pasada la mitad del tema, se le une un rock fuerte. Simplemente espléndido.
"Fall" cierra la canción. Totalmente sinfónica, te sumerge en un final tormentoso, acorde al final del cuento que representa.
Finalmente el álbum lo cierra "To One in Paradise". Terry Sylvester, ex The Hollies (populares por temas como "Long Cool Woman (In a Black Dress)" y "The Air That I Breathe"), interpreta los vocales principales, acompañado por el infaltable Eric Woolfson. La canción está basada en un poema de Poe que lleva el mismo nombre.
Un único reclamo a este excelente álbum... ¿dónde quedó Annabel Lee? :'(
Para terminar no me queda más que decir que este disco es un infaltable en toda colección de rock progresivo, y de buena música en general...
Tracks:
A Dream Within a Dream
The Raven
The Tell-Tale Heart
The Cask of Amontillado
(The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether
The Fall of the House of Usher
To One in Paradise
Acá les dejo completo el instrumental "The Fall of the House of Usher".
Siguiendo dentro del pase de revista a los discos de estudio de Sui Generis, hoy les traigo el cuarto y último de estos; "Sinfonías Para Adolescentes" lanzado el 30 de octubre del 2000 (un día antes de que yo cumpliera 6 años), luego de 25 años de su separación en el estadio Luna Park, el conjunto se reunió y grabó este disco, compuesto de covers elegidos por Charly García, nuevos temas del grupo (seis en total) y algunos temas olvidados; "Cuando Te Vayas", "Espejos", "Monoblock", "Afuera de la Ciudad" y "Juan Represión". Con un sonido muy a lo crossover prog, debido al lado pop que desarrolló Charly durante los '80.
Las grabaciones de "Sinfonías Para Adolescentes" fueron un momento tenso para Nito, ya que el disco se volcó hacia las pretensiones de Charly (como el hecho de tocar covers elegidos por él, de usar su propia banda), cuando debía haber un equilibrio entre ambos. Pero pese a todo, este disco es excelente, ya que combina perfectamente la esencia setentera de Sui Generis con una estética más a lo ochentas...
Y bueno... Sí hay que admitir que en "Sinfonías Para Adolescentes" se siente mucho más a García que a Mestre. Ya que los estilos que desarrollaron estos después de Sui Generis fue muy distinto. Charly hacia algo más progresivo y luego pop, mientras que Nito se fue hacía los blues y el folk, mucho más acústico.
Entre mis búsquedas actuales, me he interesado bastante por la música que da vida al término crossover prog, que abarca el lado pop de la música progresiva, yendo desde los Moody Blues, pasando por The Alan Parsons Project y llegando hasta Radiohead. Ahí me encontré con una interesante banda rusa de la ciudad de San Petersburg; iamthemorning, y a su álbum debut; "~" (que también se conoce como el álbum homónimo), lanzado en abril del 2012, y remasterizado en octubre de ese mismo año. La banda está compuesta por Marjana Syomkina (vocales), Gleb Kolyadin (piano), Diakov (violín), Filipp Buin (viola), Alina Shilova (cello), Maxim Rudenko (bajo), Mikhail Istratov (percusión), y Evgeniy Abzalov (guitarra). La música de iamthemorning oscila entre la música folk europea, el indie, la neoclásica (todos sus miembros tienen formación clásica) y varios elementos de la música progresiva. Abundante en melodías de piano y cuerdas (violín, cello), "~" tiene también por momentos cierto grado de distorsión (noise) y momentos muy progresivos, bastante pesados y hard. Combina muy bien una estética bastante suave (gracias en gran medida al trabajo de Marjana Syomkina en los vocales) y un trabajo muy a lo post-rock (?).
De Suecia siempre salen cosas muy interesantes, y esta, no es la excepción. Formada el verano de 1991 por el guitarrista y vocalista Tord Lindman y el bajista Johan Högberg, Änglagård toma su nombre de un término creado por Lindman, que vendría a significar casa de ángeles. La pareja inicial colocó varios anuncios, donde anunciaban (valga la redundancia) su deseo de crear una banda al estilo de grupos como Yes y King Crimson, anuncios que fueron contestados de manera satisfactoria por el tecladista Thomas Johnson y el guitarrista Jonas Engdegård. Luego se integrarían el percusionista Mattias Olsson y la flautista de formación clásica Anna Holmgren. A la primavera siguiente la banda ya estaba de gira y trabajando en las sesiones de estudio que culminarían con su exitoso álbum debut "Hybris" (1992). El lanzamiento fue seguido por una gira en los Estados Unidos que incluyó una aparición en el Progfest 1993 en Los Angeles. En 1994 la banda había lanzado su segundo álbum de estudio; "Epilog", que durante 18 años sería su último trabajo, seguido de nuevo por una aparición en el Progfest. Esta resultaría ser la última actuación de la banda con su formación original. Las grabaciones que se hicieron durante el Progfest fueron diseñadas y lanzadas en 1996 como el réquiem en vida "Buried Alive".
El 2003 la banda se reunió brevemente (ahora sin el miembro fundador Lindman, quien se había retirado de la banda cuando esta se desintegró para iniciar una carrera dentro del mundo del cine), realizando nuevos materiales en varios espectáculos, entre ellos el NEARfest.
El 2009 Mattias Olsson, a través de su blog en MySpace, confirmó que la banda había estado grabando nuevo material, aunque no había fecha de lanzamiento para el trabajo anunciado. Al final, Änglagård lanzó su tercer álbum, titulado "Viljans Öga" (el cual nos ocupa hoy) en julio del 2012.
Sin temor a equivocarme, puedo decir que Änglagård marca parte importante del renacer del rock progresivo en los noventas, ya que ha influido en diversos trabajos posteriores de otras bandas, además de haber aparecido en los momentos en que el prog se daba por muerto, debido a la escasez de las bandas neoprogresivas ochenteras y el decaimiento o desaparición definitiva de las principales bandas progresivas de la historia (Pink Floyd, Genesis, Yes...).
También ha tenido gran reconocimiento por parte del público, cosa que ha aumentado en los últimos años debido al mayor uso y acceso a Internet. Su último disco, "Viljans Öga" indica también que el movimiento progresivo mantiene vigencia, muy disminuida claro, pero vigente, dentro de lo que podríamos denominar un neo-neo-prog.
"Viljans Öga" contiene cuatro temas en total, que promedian los 12 minutos cada uno, donde resalta un excelente trabajo, por encima de todos, en los vientos (flauta) en los dos primeros temas; "Ur Vilande" y "Sorgmantel" (aunque se mantiene bastante hasta el tercero), que genera una sensación de soundtrack al estilo de películas como "The Dark Crystal", por ejemplo.
Los dos últimos, "Snårdom" y "Längtans Klocka", exhiben un trabajo mayor en lo que es percusión y guitarra, además del sintetizador, que se hace más notorio. La falta de vocales (al igual que en la mayoría de temas de los álbumes predecesores) no afecta en nada la calidad, es más, le da realce al excelente trabajo sinfónico, ya que se debe entender que este disco es exclusivamente prog sinfónico... Al igual que el resto de la discografía de estos geniales suecos, valga decir.
Sin duda alguna "Viljans Öga" es un tremendo trabajo que vale la pena escuchar y adquirir (Amazon, Discogs).
Tracks:
Ur Vilande
Sorgmantel
Snårdom
Längtans Klocka
Acá les dejo el álbum completo para que lo puedan escuchar.
En mi incesante ir y venir a través la web leyendo y buscando música nueva, me encontré con un curioso grupo que captó mi atención debido al diseño de la portada de su álbum homónimo, me refiero a Fuzzy Duck (nombre bastante llamativo).
Fuzzy Duck fue una banda que apareció a principios de los años setenta, fruto de la unión de miembros de otros grupos, liderados por Mick Hawksworth. Fuzzy Duck es una de las muchas bandas que se pueden encasillar dentro de lo que podríamos denominar el lado oscuro del rock progresivo, debido a lo poco conocidas que eran, y en muchos casos, a su también rápida desaparición. Los miembros del grupo, Paul Francis (batería, percusión), Mick Hawksworth (bajo, voz, acústica de 12 cuerdas, violoncelo eléctrico), Roy Sharland (órgano, piano eléctrico) y Grahame White (guitarra, voz, guitarra acústica), provenían de bandas como Andromeda, The Crazy World of Arthur Brown o Tucky Buzzard, todas dentro de un estilo similar al de Deep Purple en su época temprana (hard rock, blues y prog). Por ende, Fuzzy Duck no estaba compuesto por novatos, eran ya músicos conocedores que se juntaron para hacer lo que mejor sabían.
Fuzzy Duck era un grupo donde el instrumento dominante era el órgano (el famoso Órgano Hammond), que acompañado de un trabajo excelente en la percusión, el bajo y la guitarra, daba como frutos una melodía excelente, donde podríamos encontrar sonidos muy similares a los de Deep Purple o Wishbone Ash, aunque la banda del pato afro más que hacia lo hard mantenía una esencia bastante blues con ciertas características piscodélicas. Pero mejor no me enredo..., en sí se podría decir, si queremos ser muy puntuales, que hacían un buen rock clásico.
Fuzzy Duck también forma parte de las diversas bandas progresivas denominadas "harder-edged" (que puede traducirse como "llevado al extremo").
Esta banda se formó en el año 1970 exactamente, y se separó el año en que se publicó su primer y único álbum de estudio (homónimo), en 1971. Justo ese mismo año se lanzarían varios álbumes importantísimos dentro de la movida prog: "Pawn Hearts" de Van Der Graaf Generator, "Fragile" de Yes, "Meddle" de Pink Floyd, "Led Zeppelin IV" de Led Zeppelin, "Nursery Cryme" de Genesis, entre otros.
Más que nada Fuzzy Duck llama la atención por el nombre y el diseño de la tapa de su álbum, que no fue idea de los miembros de la banda, sino de Jonathon Coudrille, artista, escritor y músico inglés, el cual diseñó la curiosa tapa del disco y acuñó el nombre del grupo (el nombre no tiene nada que ver con el drinking game llamado de igual manera). En sí, la música de Fuzzy Duck no tiene mucho de llamativa u original, sin que esto la desmerezca claro, ya que es muy buena. Y si bien el sonido de estos divertidos ingleses es similar al de muchas otras bandas de su zona y de la época, no se les debe desmerecer... Muchos intentaron sonar igual y no lo lograron...
Este disco contiene en total doce temas que son los siguientes:
Time Will Be Your Doctor
Mrs. Prout
Just Look Around You
Afternoon Out
More Than I Am
Country Boy
In Our Time
A Word from Big D
Double Time Woman
Big Brass Band
One More Hour
No Name Face
Acá les dejo el álbum entero para que lo escuchen y disfruten.
(Lo pueden adquirir por Amazon si desean)
Bien, para empezar, he de disculparme por no haber escrito estos días, en sí he tenido la predisposición de hacerlo, pero surgieron algunos contratiempos, entre ellos, ver la película que lleva el mismo título del álbum del que hablaremos hoy; "Yellow Submarine", el décimo primer y antepenúltimo álbum de estudio de los Beatles, que a la misma vez cumple el rol de soundtrack (de la mencionada película) y de disco recopilatorio (porque algunas canciones que aparecen eran parte de álbumes anteriores o singles lanzados un tiempo atrás). Ya que consideré importante, y lo fue, el ver el filme antes de mandarme a escribir. Así que bueno, un par de cosas antes de empezar; primero, si bien estoy de acuerdo con la influencia de los Beatles en muchas buenas bandas y la cultura musical en general, nunca he sido fan de ellos, siempre he preferido, por varios kilómetros por delante, a sus principales competidores en Norte América; los Beach Boys, ya que de los Beatles, salvo en este álbum y algunos singles, nunca he gustado mucho. Segundo, pese a estar alejado de lo "beatle" de la vida y ser algo lejano a la banda de Liverpool, he quedado encantado y fascinado por el trabajo audiovisual que es, en conjunto, "Yellow Submarine".
Bien, para empezar, les contaré la wikipédica sinopsis de la película: Pepperland (Pimientalandia) es un alegre paraíso musical bajo el mar, protegida por la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, el cual cae bajo un ataque sorpresivo por los Blue Meanies (Malines Azules, unas bufonezcas criaturas que de manera alegórica, representan a las personas malas ), quienes odian la música. Su ataque consiste en encerrar a la banda en una burbuja, paralizan a los ciudadanos y convertirlo todo en color azul. El anciano alcalde de Pepperland envía al Joven Fred en un abandonado submarino amarillo para buscar ayuda. Fred llega a Liverpool, donde sigue al deprimido y cabizbajo Ringo y lo persuade para que lo ayude. Ringo procede a reunir a sus amigos John, George, y finalmente Paul. Los cinco viajeros parten a Pepperland en el submarino amarillo, pasando a través de diferentes mares: Mar del Tiempo - donde el tiempo retrocede y avanza al ritmo de la canción "When I'm Sixty-Four". Mar de la Ciencia - donde cantan "Only a Northern Song". Mar de los Monstruos - donde el temible monstruo "aspiradora" aspira todo su entorno y a él mismo. Mar de la Nada - donde obtienen ayuda de un "hombre de ningún lugar", el "Doctor en Filosofía" Jeremy Hilary Boob, y cantan la canción "Nowhere Man". Ringo se compadece de él y lo lleva al submarino. Faldas de los Encabezados (o Mar de las Cabezas) - donde se separan del submarino y John canta "Lucy in the Sky with Diamonds". Mar de Agujeros - donde Jeremy es capturado por uno de los Blue Meanies. Después Ringo salta en un agujero verde (el cual se vuelve el Mar Verde), finalmente llegan a Pepperland.
Reunidos con el Viejo Fred y el submarino, imitan a la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y "alzan al país en rebelión", Jeremy es rescatado y todo florece y se vuelve colorido. Pepperland se restablece. Los Meanies son obligados a rendirse, John ofrece su amistad, a la que el Jefe Blue Meanie acepta. Finalmente una gran fiesta tiene lugar.
Al final del filme, The Beatles hacen una aparición en persona, al día siguiente, con unos recuerdos (el minúsculo motor del submarino, un poco de amor y medio hoyo). John advierte de la presencia de nuevos Blue Meanies y cantan un reprise de All Together Now, el cual finaliza con una variación del título de la canción en diferentes idiomas.
La escena de Jeremy Hilary Boob es la que más me enterneció, sobre todo al final, cuando termina de sonar "Nowhere Man" y te das cuenta de lo solitaria y triste vida que llevaba este personaje, que simboliza al hombre de la era industrial, capaz de todo y a la vez, de nada.
Si bien no soy crítico de cine ni pretendo serlo, esta película animada me parece excelente, tanto por la historia, la manera de contarla, los dibujos y la música, además del mensaje que lleva dentro: todo está en la mente.
La película se lanzó el año 1968, y el álbum a principios de 1969, ambos con muy buena acogida por parte del público.
Y bueno... En "Yellow Submarine" no salen todas las canciones que están en la película, ya que sólo aparecen seis canciones en la cara A del disco, y en la B sólo los temas sinfónicos, compuestos básicamente por George Martin (conocido popularmente como el quinto beatle, ya que produjo casi toda la producción discográfica de los muchachos de Liverpool). Cuando se lanzó el álbum, mucho de lo que contenía no era nuevo. "Yellow Submarine", la canción, ya había aparecido en su disco "Revolver", de 1966. "All You Need is Love" había sido un sencillo exitoso en 1967, tema que también había aparecido en el álbum estadounidense "Magical Mystery Tour" más tarde ese mismo año. "Only a Northern Song" había sido escrita originalmente para el Sargento Pimienta, y en gran parte había sido grabada en febrero de 1967. "It's All Too Much" se grabó justo antes de que el Sargento Pimienta saliera, aunque fue acortada (duraba ocho minutos) para "Yellow Submarine". "Hey Bulldog" (grabada en 1968) y "All Together Now" (grabada en 1967) sí parecen haber sido escritas especialmente para la ocasión, aunque Lennon lo había negado con la primera de ellas, grabada durante la filmación del clip promocional de "Lady Madonna".
De "Yellow Submarine" adoro todas las piezas sinfónicas, y en lo que consta a lo rock, mis preferidas son "Yellow Submarine" y "All Together Now", por la melodía y la letra.
La primera nos habla acerca de una vida feliz y cómoda, que se vive, valga la redundancia dentro de un submarino amarillo.
La segunda, es una canción con una letra muy infantil, que puede representar fácilmente la manera de pensar de todo niño.
Aunque no aparecen en el álbum, los temas "Eleanor Rigby" y "Nowhere Man" me parecen preciosos y de letras muy profundas.
En 1999 se lanzó, sin el éxito conseguido por otros discos recopilatorios de la banda, "Yellow Submarine Songtrack", que contiene todas las canciones, menos "A Day in the Life", que aparecieron en la película, tampoco incluye los temas sinfónicos.
No sé qué más decir... Es demasiado en verdad, "Yellow Submarine" es una de las cosas más geniales que he visto y escuchado en mi vida, por eso, al final del post, pues les dejaré la película para que la vean, pues no hay mejor manera de disfrutar y entender la música, que viendo el film...
Tracks:
Cara A
Yellow Submarine
Only a Northern Song
All Together Now
Hey Bulldog
It's All Too Much
All You Need Is Love
Cara B
Pepperland
Sea of Time
Sea of Holes
Sea of Monsters
March of the Meanies
Pepperland Laid Waste
Yellow Submarine In Pepperland
Las canciones que aparecen en la película son las siguientes:
"Yellow Submarine"
"Eleanor Rigby"
"Love You To"
"A Day in the Life" (versión editada)
"All Together Now"
"When I'm Sixty-Four"
"Only a Northern Song"
"Nowhere Man"
"Lucy in the Sky with Diamonds"
"Think For Yourself" (versión editada)
"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band"
"With a Little Help from My Friends"
"All You Need Is Love" "Baby, You're a Rich Man" (versión editada)
Hay cosas en la vida yo no sé... Lo que sí sé y me queda claro, es que "Wish You Were Here" de Pink Floyd, es una de las canciones más hermosas de la historia de la música. Pero no voy a hablar hoy sólo de la canción ya nombrada, sino también del álbum al que pertenece, que lleva el mismo nombre; "Wish You Were Here", lanzado en setiembre de 1975.
Es el noveno álbum de estudio de la banda británica y sucesor del increíblemente genial "The Dark Side of the Moon". Consiguió mucho éxito comercial y aunque al principio los críticos fueron algo duros, con el tiempo "Wish You Were Here" se ha posicionado como uno de los mejores álbumes de la historia, ubicándose en muy buenos lugares de las distintas listas especializadas, como en el 2007, cuando una de las emisoras de radio más grandes de Alemania, WDR 2, pidió a sus que oyentes votaran por "Los 200 Mejores Álbumes de la Historia", donde "Wish You Were Here" quedó en el primer lugar. Cosas por el estilo hacen que este disco sea uno de los mejores de la historia, no sólo porque lo creo en mi humilde opinión, sino que también lo demuestran los números (por ejemplo: 900.000 copias iniciales en Estados Unidos (la cantidad más alta de Columbia hasta la fecha) y los seguidores que tiene...
"Sur La Mer" es el décimo tercer álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo The Moody Blues, lanzado en Junio de 1988, con "I Know You're Out There Somewhere", a la cabeza, su single lanza, que llegó a posicionarse bastante alto en las distintas listas musicales.
"Sur La Mer" es el sucesor, por orden y por naturaleza, de "The Other Side of Life", del año 1986. De "The Other Side of Life" les hablaré muy pronto, pero por ahora sólo debo dejarles un par de datos puntuales acerca de este disco, para que puedan entender mejor "Sur La Mer".
"The Other Side of Life", aunque manteniendo un estilo progresivo, se aleja un tanto de la progresividad de los álbumes que le preceden, como por ejemplo "The Present", de 1983, "Long Distance Voyager" de 1981 y "Octave", del '78, pese a que estos ya mostraban el acercamiento de The Moody Blues hacia un sonido más pop, es en 1986 cuando la estética pop ochentera se apodera bastante del sonido de la banda británica, dejando un poco de lado lo progresivo que sonaban sus anteriores discos, sobre todo los sesenteros y de la primera mitad de los setenta. Aún así, "The Other Side of Life" nunca tocó el pop de manera completa, ya que lo rock y cierto halo sinfónico, que recuerda a "Days of Future Passed", del que les hablé hace ya un tiempo, envuelven este álbum, convirtiéndolo más en un álbum de pop rock melódico, sobre todo en el tema que abre este disco, "Your Wildest Dreams".
A finales de la década de 1970, el sintetizador ya se había convertido en el arma principal del sonido pop dentro de la banda, pero nunca había llegado al punto de que pudiese hacer categorizar algún álbum o canción de The Moody Blues, lanzado entre 1978 y la primera mitad de los ochenta, como sythpop, que fuese similar al de por ejemplo, Orchestral Manoeuvres in the Dark, famosos, por sobre todo, gracias al tema "Enola Gay", lanzado a finales de 1980. Es en 1988, con "Sur La Mer", que el sintetizador rompe dentro del sonido de The Moody Blues, llevándolos hacia el mayor éxtasis de la estética pop de aquellos años, centrada básicamente en el sonido de este instrumento. Pero cabe hacer notar que si bien es el sintetizador el instrumento con más poder dentro del pop ochentero, la batería cumple un rol muy importante, ya que debe ser agresiva, sin serlo a la misma vez, suena contradictorio, pero en canciones, por ejemplo, como "Sooner or Later" o "Separate Lives" de The Alan Parsons Project, ambas del disco "Vulture Culture", de 1985, la batería, muy rítmica, se siente como aguantada, pero lo espectacular viene en cada uno de los momentos en estas canciones cuando el instrumento de percusión ya no aguanta más, por decirlo de alguna manera, y rompe, dándole pase a los momentos épicos de las mencionadas canciones.
Aún así, "Sur La Mer" contiene temas muy pop rock melódico, que recuerdan al sonido de su predecesor.
La letra de "I Know You're Out There Somewhere", el tema de apertura del álbum, es la continuación de la de su par en "The Other Side of Life"", el ya mencionado "Your Wildest Dreams", que también abre el disco al que pertenece.
La letra de "Your Wildest Dreams" cuenta la historia de un hombre, el cual está recordando a su primer amor, y se pregunta si ella le recuerda de la manera en que él la está recordando. Es una letra muy bonita y con mucha añoranza, obviamente. Y bueno, en "I Know You're Out There Somewhere", este mismo hombre se da cuenta que sigue amándola y se promete regresar a ella... "Return again..." dice la letra...
I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you
The mist is lifting slowly
I can see the way ahead
And I've left behind the empty streets
That once inspired my life
And the strength of the emotion
Is like thunder in the air
'Cos the promise that we made each other
Haunts me to the end
I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you
The secret of your beauty
And the mystery of your soul
I've been searching for in everyone I meet
And the times I've been mistaken
It's impossible to say
And the grass is growing
Underneath our feet
I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you
You see I know you're out there somewhere
O yes I know you're out there somewhere
You see I know I'll find you somehow
O yes I know I'll find you somehow
The words that I remember
From my childhood still are true
That there's none so blind
As those who will not see
And to those who lack the courage
And say it's dangerous to try
Well they just don't know
That love eternal will not be denied
I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you
Yes I know it's going to happen
I can feel you getting near
And soon we'll be returning
To the fountain of our youth
And if you wake up wondering
In the darkness I'll be there
My arms will close around you
And protect you with the truth
I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you
(Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti
La niebla se está levantando lentamente
Puedo ver el camino a seguir
Y he dejado atrás las calles vacías
Que una vez isnpiraron mi vida
Y la fuerza de la emoción
Es como un trueno en el aire
Porque la promesa que nos hicimos el uno al otro
Me atormenta hasta el final
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti
El secreto de su belleza
Y el misterio de tu alma
He estado buscando en todos los que conozco
Y las veces que he estado equivocado
son imposibles decir
Y la hierba está creciendo
Debajo de nuestros pies
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti
Ya ves que sé que estás ahí fuera en alguna parte
O sí, yo sé que estás ahí fuera en alguna parte
Ya ves que sé que voy a encontrar alguna manera
O sí sé que voy a encontrar alguna manera
Las palabras que recuerdo
de mi infancia todavía son verdaderas
Que no hay nadie tan ciego
Como el que no quiere ver
Y para aquellos que no tienen el valor
Y dicen que es peligroso tratar
Bueno, ellos simplemente no saben
Que el amor eterno no será negado
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti
Sí, sé que va a pasar
Puedo sentir que se acercar
Y pronto vamos a volver
Para la fuente de la juventud
Y si te despiertas preguntándose
En la oscuridad, voy a estar allí
Mis brazos se cierra a tu alrededor
Y te protegen con la verdad
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti)
Puede que no les llegue a gustar la melodía de "I Know You're Out There Somewhere", eso es ya cuestión de gustos, pero lo que nunca podrán negar es lo hermosa que es su letra.
La melodía de esta canción inicia con un sonido del sintetizador que recuerda un poco al de "Your Wildest Dreams", seguido de un zumbido de este mismo instrumento acompañado de la batería, que va marcando el ritmo de la canción, a la cual se suma luego la guitarra eléctrica. "I Know You're Out There Somewhere" dentro de su estética sythpop, tiene muchos arreglos, tanto progresivos como sinfónicos, además de los juegos vocales y los coros, cosa que para mí, la hace sencillamente irresistible. El armado en general del tema, es grandioso.
"Suer La Mer" contiene en total 10 tracks, con canciones que van desde el pop rock melódico hasta un rock progresivo que tira a synthpop... En sí, el disco no cabe dentro de la etiqueta synthpop, pero ganas de hacerlo, no le faltan... Las letras discurren principalmente dentro de una vertiente amorosa.
El segundo single del álbum, después de "I Know You're Out There Somewhere", es "No More Lies", que alcanzó un éxito medio.
Otra de mis canciones favoritas de este disco son "Want to Be With You" y "Here Comes the Weekend".
Los créditos de las canciones se reparten entre Justin Hayward y John Lodge. En el trabajo musical estuvieron, Hayward, Lodge, Patrick Moraz y Graeme Edge.
Aunque se dice que la letra es en parte una alusión a la novela "1984" de George Orwell, y puede que no falte razón en ello, personalmente pienso, al igual que otras personas, que el sentido de esta canción va más allá.
Compuesta por Alan Parsons y cantada originalmente por Eric Woolfson, "Eye in the Sky" es la segunda canción del disco de 1982 que lleva su nombre, y es también, la canción más exitosa que The Alan Parsons Project lanzó en toda su carrera. El disco al que pertenece, abre con el tema "Sirius", un instrumental estupendo con una espectacular melodía del sintetizador y los teclados, acompañada con un magnífico solo de guitarra... "Sirius" no es otra cosa que el tema introductorio de "Eye in the Sky"...
El sonido de esta canción es un clásico pop rock ochentero con sus tonos progresivos, donde la batería y la guitarra se llevan la mayor parte de los aplausos, además de los vocales, claro. La letra, tiene un sentimiento profundo de sinceridad, compuesta por un orden claro y directo de las cosas, sin preámbulos ni falsas analogías.
Don't think sorry's easily said
Don't try turning tables instead
You've taken lots of chances before
But i'm not gonna give anymore
Don't ask me
That's how it goes
Cause part of me knows what you're thinkin'
Don't say words you're gonna regret
Don't let the fire rush to your head
I've heard the accusation before
And i ain't gonna take any more
Believe me
The sun in your eyes
Made some of the lies worth believing
I am the eye in the sky
Looking at you
I can read your mind
I am the maker of rules
Dealing with fools
I can cheat you blind
And i don't need to see any more
To know that
I can read your mind, i can read your mind
Don't leave false illusions behind
Don't cry cause i ain't changing my mind
So find another fool like before
Cause i ain't gonna live anymore believing
Some of the lies while all of the signs are deceiving
hace que valga la pena creer algunas de las mentiras.
Soy el ojo en el cielo
mirando hacia ti
puedo leer tu mente
soy quien crea las reglas
negociando con tontos
puedo burlarme de ti estando ciego
y no necesito ver más
para saber que
puedo leer tu mente, puedo leer tu mente.
No dejes atrás las falsas ilusiones
no llores porque no voy a cambiar de opinión
así que busca a otro tonto como antes
porque no voy a seguir viviendo creyendo
algunas de las mentiras cuando todas las señales son engañosas.
Creo, en mi humilde opinión, que la letra es muy clara; sé quién eres, sé qué piensas, y no creeré más en tus mentiras... Aunque algo en ti hace que aún, crea en algunas...
Y bueno, este sencillo y pequeño post, lo hago a pedido de una querida amiga, que dicho sea de paso, hoy es su cumpleaños... Así que, !Feliz Cumpleaños!
Espero que la pase bonito... Y que le halla gustado mi traducción e interpretación de la super popular "Eye in the Sky".
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