De vez en cuando en mis búsquedas a través de la web, me encuentro con verdaderos tesoros que vale la pena exponer un poco más. Y esta vez le tocó turno a la banda canadiense de rock progresivo, psicodélico, espacial y sinfónico Klaatu (nombre tomado del personaje de la película de 1951 "The Day the Earth Stood Still" (que tuvo su remake el 2008 con Keanu Reeves en el papel de Klaatu), y puntualmente a su primer y mejor disco (y el más conocido): "3:47 EST", lanzado en Agosto de 1976.
Y es que extraordinario álbum, mezcla melodías tales que muchos pensaron durante años que Klaatu era un experimento anónimo de los Beatles (aunque para mí, nada que ver).
Si quisiéramos ubicar a Klaatu, y este disco, entre algo que conozcamos, se podría decir que es un intermedio entre la banda de Liverpool y los Beach Boys, aunque dentro de lo suyo propio.
"3:47 EST" (que vendría a ser "3:47 hora del este"), inicia con la que es el tema más reconocido y recordado de Klaatu, y a la vez, en mi opinión, el mejor que tienen. Se trata de "Calling Occupants of Interplanetary Craft", una canción de más de siete minutos, donde el rock sinfónico es el invitado de honor. Con unos fantásticos cambios y variaciones rítmicos, sin sonar tan barroco como ELP, este maravilloso tema te adentra dentro del space rock, que junto a la letra da como resultado una de las mejores óperas espaciales que he escuchado (junto a las sinfonías del exogénesis de Muse).
El segundo tema del disco es "California Jam" que, cualquiera que lo escucha sin saber de quién es, al toque lanzaría "¿eso es de los Beach Boys no?"... "Anus of Uranus" es más psicho-hard rock, excelente tema.
"Sub-Rosa Subway" es el tema que hizo que Klaatu fuese creído durante un tiempo un experimento anónimo de los Beatles, ya que suena bastante a la música que hacían los británicos durante el final de su carrera ("3:47 EST" es del año 1976, pero su sonido es sesentero que de la época en que fue lanzado, si lo comparamos con el primer disco de The Alan Parsons Project, lanzado el mismo año).
"True Life Hero", a lo "Anus of Uranus" es un psicho-hard-pop-rock. "Doctor Marvello" es más pop-sinfónico medio beatleloso. "Sir Bodsworth Rugglesby III" tiene un sonido más cirquero juguetón. Que recuerda mucho a esos temas semi sinfónicos de las canciones infantiles.
"Little Neutrino" es el último tema del disco, y junto al primero, es de larga duración (supera los ocho minutos). Y es realmente excelente, donde el rock progresivo sinfónico se muestra en su máxima expresión, y donde esa necesidad cósmica, interpretada a través del vocoder, nos hace sentir en un mundo diferente...
Épocas donde las letras hablaban de neutrinos y viajes espaciales... y no de azotar mujeres y gatizar fieras... azota.
Bueno, debo iniciar con la lamentable noticia, de hace algunos días, de la partida del querido y estimado Lou Reed, quien falleció hace poco a los 71 años de edad, y que obviamente recibirá un post conmemorativo, apenas me de un tiempito, recordando su exitosa carrera... como solista y liderando a la que es, sin dudas, una de las bandas que más influyó en la historia de la música. Pero por el momento le daré stop a "Sunday Morning" y play al álbum con el que me he estado enviciando estos últimos días... "Meddle", sexto álbum de estudio de Pink Floyd, del que hablaremos el día de hoy y del que quería escribir desde hace varios días pero que tuve que posponer por cosas de la vida, sobre todo por cierta buena cantidad de trabajo que he tenido y por el lanzamiento de "Reflektor", el cual me he dedicado a escuchar todo este santo día. Pero ya me puse en orden (más o menos), y podré dar algo de rienda suelta a mis ansias de pinkfloyar.
Lanzado a finales de 1971, "Meddle" es uno de esos discos a los que por un tiempo no había prestado mucha atención, pero con el tiempo, y al tenerlo dentro de mi colección (tengo todos los LP's de PF en versión digital), decidí ponerme a escucharlo de manera íntegra como parte de mi ruta "escuchando todos los álbumes de Pink Floyd de forma íntegra". Al empezar "One of These Days" un sentimiento de entusiasmo y de haber encontrado un tesoro perdido se encendió en mí, era fascinante el trabajo brutal que se había logrado con el bajo, y el cuerpo que le otorgaba Wright al tema con el Hammond era soberbio. Luego "A Pillow of Winds" extendía en su mano un halo de acústica tranquilidad hablándonos del amor, cosa algo extraña dentro de la estética general de los Floyd. "Fearless" continúa la nota acústica, está vez con una guitarra a la española, acompañada con algunos sonidos de gente cantando en el estadio, se convirtió en uno de los hits principales de la banda y tema representativo dentro del fútbol británico. "San Tropez" es la siguiente en aparecer, un tema muy a lo acústico-music hall, donde el piano hace un trabajo jazzístico excelente. La canción muestra una visión idealizada de un día en San Tropez, comuna situada al sur de Francia. "Seamus" es el tema que cierra la cara A de "Meddle". Un blues de sonido bastante clásico. El nombre de la canción proviene del nombre del perro (perteneciente al líder de Humble Pie y de Small Faces, Steve Marriott) quién aulló en la versión del álbum. El lado B lo compone totalmente uno de los temas más clásicos y representativos de la banda: "Echoes", que con sus 23 minutos y medio, satisface completamente a todo buen amante del progresivo. Ya que, por un lado, es la tercera canción más larga de la banda, además de ser una donde la improvisación se da en su más excelso desarrollo, con momentos alucinantes del sintetizador, que otorga momentos excelsos de música cósmica. La letra es bastante etérea y se da para diversas interpretaciones, cuya base es la contemplación de la vida. "Echoes" valida algo que siempre he dicho basándome en la experiencia del jazz: lo más importante en la música es darse el tiempo de hacer varias jam sessions de manera extensa, sobre todo si se tiene pretensiones progresivas. La improvisación denota cuán compenetrada se encuentra la banda.
En conjunto "Meddle" es un álbum bastante suave y de tonalidades románticas, no necesariamente en las letras, pero sí en los solos y melodías, como en el caso de "Echoes", plagado de riffs suaves.
Y bueee... Espero más adelante analizar un poco más "Meddle" para ustedes... Prometo esta semana estar de vuelta con más fuerza en el blog!
"Aguirre", lanzado el año 1975, es el séptimo álbum de estudio de la banda alemana Popol Vuh, una de las más insignes en lo que a krautrock respecta, junto a Kraftwerk, Can, Neu!, Tangerine Dream, Cluster, Ash Ra Tempel, entre otras. Y para los seguidores de la misma, o por los menos para muchos de ellos, "Aguirre" está considerado como el mejor disco de Popol Vuh.
"Aguirre" es el soundtrack de la película alemana del famoso cineasta Werner Herzog "Aguirre, the Wrath of God", del año 1972. El lado A del álbum está conformado básicamente por dos temas; "Aguirre I" (dividida en dos partes; "L'Acrime di Rei" y "Flöte") y "Aguirre II", que son los únicos que aparecen en la película, a los que se unen las versiones alternativas de "Morgengruß II" y "Agnus Dei", originales del álbum del año anterior "Einsjäger und Siebenjäger". El lado B del disco lo conforma "Vergegenwärtigung", un tema que dura cerca de 17 minutos. El 2004 la disquera germana SPV reeditó el álbum, añadiéndole un bonus track: "Aguirre III".
La cuota curiosa del disco la pone el final de "Aguirre I", ya que termina con un sonido de quena, nada más y nada menos que de la excesivamente popular "Valicha", canción con ritmo de huayno realizada por Miguel Ángel Hurtado Delgado el año 1945 (seguro que la han escuchado en varios videos turísticos de nuestro país).
El sonido del disco tiene cuotas iguales de melodías sintéticas y rock psicodélico. Todo dentro de una estética kraut que tira más hacia el rock progresivo (hay que recordar que Popol Vuh tiene también trabajos más experimentales y ambientales, de música cósmica y new age).
Valga hacer una acotación aquí. El krautrock no es un género musical per se, más bien, al igual que el pop o el new age, agrupa una serie de estilos diferentes. En el kraut tenemos a artistas tan disímiles como Kraftwerk y Krokodil, Ash Ra Tempel y Tangerine Dream. Para ser preciso, el krautrock va desde la música electrónica hasta el rock progresivo y el ambient.
Y bueno...
Lo primero que escuché de Popol Vuh, hace ya un buen tiempo, fue el soundtrack de la versión de 1978 de la afamada película "Nosferatu" (la original es de 1922 si mal no recuerdo), versión que hizo el ya mencionado señor Herzog . Para aclararles la idea, Popol Vuh hizo la música de varias películas del tan querido Werner, como "El enigma de Kaspar Hauser", "Corazón de cristal", "Fitzcarraldo" y "Cobra verde". Fue con "Aguirre" cuando se iniciaron las colaboraciones Popol-Vu-Herzog, colaboraciones que se dieron gracias a que Florian Fricke, pianista y líder del grupo, era muy amigo de Wernercito Herzog.
En mi incesante ir y venir a través la web leyendo y buscando música nueva, me encontré con un curioso grupo que captó mi atención debido al diseño de la portada de su álbum homónimo, me refiero a Fuzzy Duck (nombre bastante llamativo).
Fuzzy Duck fue una banda que apareció a principios de los años setenta, fruto de la unión de miembros de otros grupos, liderados por Mick Hawksworth. Fuzzy Duck es una de las muchas bandas que se pueden encasillar dentro de lo que podríamos denominar el lado oscuro del rock progresivo, debido a lo poco conocidas que eran, y en muchos casos, a su también rápida desaparición. Los miembros del grupo, Paul Francis (batería, percusión), Mick Hawksworth (bajo, voz, acústica de 12 cuerdas, violoncelo eléctrico), Roy Sharland (órgano, piano eléctrico) y Grahame White (guitarra, voz, guitarra acústica), provenían de bandas como Andromeda, The Crazy World of Arthur Brown o Tucky Buzzard, todas dentro de un estilo similar al de Deep Purple en su época temprana (hard rock, blues y prog). Por ende, Fuzzy Duck no estaba compuesto por novatos, eran ya músicos conocedores que se juntaron para hacer lo que mejor sabían.
Fuzzy Duck era un grupo donde el instrumento dominante era el órgano (el famoso Órgano Hammond), que acompañado de un trabajo excelente en la percusión, el bajo y la guitarra, daba como frutos una melodía excelente, donde podríamos encontrar sonidos muy similares a los de Deep Purple o Wishbone Ash, aunque la banda del pato afro más que hacia lo hard mantenía una esencia bastante blues con ciertas características piscodélicas. Pero mejor no me enredo..., en sí se podría decir, si queremos ser muy puntuales, que hacían un buen rock clásico.
Fuzzy Duck también forma parte de las diversas bandas progresivas denominadas "harder-edged" (que puede traducirse como "llevado al extremo").
Esta banda se formó en el año 1970 exactamente, y se separó el año en que se publicó su primer y único álbum de estudio (homónimo), en 1971. Justo ese mismo año se lanzarían varios álbumes importantísimos dentro de la movida prog: "Pawn Hearts" de Van Der Graaf Generator, "Fragile" de Yes, "Meddle" de Pink Floyd, "Led Zeppelin IV" de Led Zeppelin, "Nursery Cryme" de Genesis, entre otros.
Más que nada Fuzzy Duck llama la atención por el nombre y el diseño de la tapa de su álbum, que no fue idea de los miembros de la banda, sino de Jonathon Coudrille, artista, escritor y músico inglés, el cual diseñó la curiosa tapa del disco y acuñó el nombre del grupo (el nombre no tiene nada que ver con el drinking game llamado de igual manera). En sí, la música de Fuzzy Duck no tiene mucho de llamativa u original, sin que esto la desmerezca claro, ya que es muy buena. Y si bien el sonido de estos divertidos ingleses es similar al de muchas otras bandas de su zona y de la época, no se les debe desmerecer... Muchos intentaron sonar igual y no lo lograron...
Este disco contiene en total doce temas que son los siguientes:
Time Will Be Your Doctor
Mrs. Prout
Just Look Around You
Afternoon Out
More Than I Am
Country Boy
In Our Time
A Word from Big D
Double Time Woman
Big Brass Band
One More Hour
No Name Face
Acá les dejo el álbum entero para que lo escuchen y disfruten.
(Lo pueden adquirir por Amazon si desean)
Bien, para empezar, he de disculparme por no haber escrito estos días, en sí he tenido la predisposición de hacerlo, pero surgieron algunos contratiempos, entre ellos, ver la película que lleva el mismo título del álbum del que hablaremos hoy; "Yellow Submarine", el décimo primer y antepenúltimo álbum de estudio de los Beatles, que a la misma vez cumple el rol de soundtrack (de la mencionada película) y de disco recopilatorio (porque algunas canciones que aparecen eran parte de álbumes anteriores o singles lanzados un tiempo atrás). Ya que consideré importante, y lo fue, el ver el filme antes de mandarme a escribir. Así que bueno, un par de cosas antes de empezar; primero, si bien estoy de acuerdo con la influencia de los Beatles en muchas buenas bandas y la cultura musical en general, nunca he sido fan de ellos, siempre he preferido, por varios kilómetros por delante, a sus principales competidores en Norte América; los Beach Boys, ya que de los Beatles, salvo en este álbum y algunos singles, nunca he gustado mucho. Segundo, pese a estar alejado de lo "beatle" de la vida y ser algo lejano a la banda de Liverpool, he quedado encantado y fascinado por el trabajo audiovisual que es, en conjunto, "Yellow Submarine".
Bien, para empezar, les contaré la wikipédica sinopsis de la película: Pepperland (Pimientalandia) es un alegre paraíso musical bajo el mar, protegida por la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, el cual cae bajo un ataque sorpresivo por los Blue Meanies (Malines Azules, unas bufonezcas criaturas que de manera alegórica, representan a las personas malas ), quienes odian la música. Su ataque consiste en encerrar a la banda en una burbuja, paralizan a los ciudadanos y convertirlo todo en color azul. El anciano alcalde de Pepperland envía al Joven Fred en un abandonado submarino amarillo para buscar ayuda. Fred llega a Liverpool, donde sigue al deprimido y cabizbajo Ringo y lo persuade para que lo ayude. Ringo procede a reunir a sus amigos John, George, y finalmente Paul. Los cinco viajeros parten a Pepperland en el submarino amarillo, pasando a través de diferentes mares: Mar del Tiempo - donde el tiempo retrocede y avanza al ritmo de la canción "When I'm Sixty-Four". Mar de la Ciencia - donde cantan "Only a Northern Song". Mar de los Monstruos - donde el temible monstruo "aspiradora" aspira todo su entorno y a él mismo. Mar de la Nada - donde obtienen ayuda de un "hombre de ningún lugar", el "Doctor en Filosofía" Jeremy Hilary Boob, y cantan la canción "Nowhere Man". Ringo se compadece de él y lo lleva al submarino. Faldas de los Encabezados (o Mar de las Cabezas) - donde se separan del submarino y John canta "Lucy in the Sky with Diamonds". Mar de Agujeros - donde Jeremy es capturado por uno de los Blue Meanies. Después Ringo salta en un agujero verde (el cual se vuelve el Mar Verde), finalmente llegan a Pepperland.
Reunidos con el Viejo Fred y el submarino, imitan a la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y "alzan al país en rebelión", Jeremy es rescatado y todo florece y se vuelve colorido. Pepperland se restablece. Los Meanies son obligados a rendirse, John ofrece su amistad, a la que el Jefe Blue Meanie acepta. Finalmente una gran fiesta tiene lugar.
Al final del filme, The Beatles hacen una aparición en persona, al día siguiente, con unos recuerdos (el minúsculo motor del submarino, un poco de amor y medio hoyo). John advierte de la presencia de nuevos Blue Meanies y cantan un reprise de All Together Now, el cual finaliza con una variación del título de la canción en diferentes idiomas.
La escena de Jeremy Hilary Boob es la que más me enterneció, sobre todo al final, cuando termina de sonar "Nowhere Man" y te das cuenta de lo solitaria y triste vida que llevaba este personaje, que simboliza al hombre de la era industrial, capaz de todo y a la vez, de nada.
Si bien no soy crítico de cine ni pretendo serlo, esta película animada me parece excelente, tanto por la historia, la manera de contarla, los dibujos y la música, además del mensaje que lleva dentro: todo está en la mente.
La película se lanzó el año 1968, y el álbum a principios de 1969, ambos con muy buena acogida por parte del público.
Y bueno... En "Yellow Submarine" no salen todas las canciones que están en la película, ya que sólo aparecen seis canciones en la cara A del disco, y en la B sólo los temas sinfónicos, compuestos básicamente por George Martin (conocido popularmente como el quinto beatle, ya que produjo casi toda la producción discográfica de los muchachos de Liverpool). Cuando se lanzó el álbum, mucho de lo que contenía no era nuevo. "Yellow Submarine", la canción, ya había aparecido en su disco "Revolver", de 1966. "All You Need is Love" había sido un sencillo exitoso en 1967, tema que también había aparecido en el álbum estadounidense "Magical Mystery Tour" más tarde ese mismo año. "Only a Northern Song" había sido escrita originalmente para el Sargento Pimienta, y en gran parte había sido grabada en febrero de 1967. "It's All Too Much" se grabó justo antes de que el Sargento Pimienta saliera, aunque fue acortada (duraba ocho minutos) para "Yellow Submarine". "Hey Bulldog" (grabada en 1968) y "All Together Now" (grabada en 1967) sí parecen haber sido escritas especialmente para la ocasión, aunque Lennon lo había negado con la primera de ellas, grabada durante la filmación del clip promocional de "Lady Madonna".
De "Yellow Submarine" adoro todas las piezas sinfónicas, y en lo que consta a lo rock, mis preferidas son "Yellow Submarine" y "All Together Now", por la melodía y la letra.
La primera nos habla acerca de una vida feliz y cómoda, que se vive, valga la redundancia dentro de un submarino amarillo.
La segunda, es una canción con una letra muy infantil, que puede representar fácilmente la manera de pensar de todo niño.
Aunque no aparecen en el álbum, los temas "Eleanor Rigby" y "Nowhere Man" me parecen preciosos y de letras muy profundas.
En 1999 se lanzó, sin el éxito conseguido por otros discos recopilatorios de la banda, "Yellow Submarine Songtrack", que contiene todas las canciones, menos "A Day in the Life", que aparecieron en la película, tampoco incluye los temas sinfónicos.
No sé qué más decir... Es demasiado en verdad, "Yellow Submarine" es una de las cosas más geniales que he visto y escuchado en mi vida, por eso, al final del post, pues les dejaré la película para que la vean, pues no hay mejor manera de disfrutar y entender la música, que viendo el film...
Tracks:
Cara A
Yellow Submarine
Only a Northern Song
All Together Now
Hey Bulldog
It's All Too Much
All You Need Is Love
Cara B
Pepperland
Sea of Time
Sea of Holes
Sea of Monsters
March of the Meanies
Pepperland Laid Waste
Yellow Submarine In Pepperland
Las canciones que aparecen en la película son las siguientes:
"Yellow Submarine"
"Eleanor Rigby"
"Love You To"
"A Day in the Life" (versión editada)
"All Together Now"
"When I'm Sixty-Four"
"Only a Northern Song"
"Nowhere Man"
"Lucy in the Sky with Diamonds"
"Think For Yourself" (versión editada)
"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band"
"With a Little Help from My Friends"
"All You Need Is Love" "Baby, You're a Rich Man" (versión editada)
Bien, hoy les traigo un álbum sencillamente espectacular, uno de los mejores de la historia... "Days of Future Passed", de The Moody Blues, lanzado en diciembre del '67, considerado por muchos como el precursor del rock progresivo, es más, yo personalmente, junto a algunos otros, considero este álbum el primer gran álbum conceptual y el primer álbum progresivo. No puedo asegurar que sea el primer álbum conceptual, lo dudo mucho, pero sí puedo asegurar que es el primero de los grandes... Mis conocimientos musicales no dan para tanto por ahora, pero con los años me imagino, al crecer mis conocimientos, tendré la suficiente sabiduría musical como para poder dar un personal veredicto al respecto...
"Days of Future Passed" es mi disco favorito de los Moody Blues, es también el primer disco de esta banda británica que escuché de manera íntegra, aunque paradójicamente no contiene la primera canción que escuché de ellos, que es la popular "In Your Wildest Dreams", del año 1986. Cuando por primera vez escuché este hermoso álbum, me di cuenta que era justo lo que andaba esperando escuchar en una banda progresiva, algo super sinfónico, mi lado clásico me hacía sentir obligado a encontrar algo de esas dimensiones, y pues, al final lo terminé encontrando, y me fascinó.
Cabe recordar que de ese mismo año, 1967, es lanzado el primer disco de Pink Floyd; "The Piper at the Gates of Dawn", aunque este, pese a tener su lado progresivo, es más psicodélico, y en verdad, pese a ser de Pïnk Floyd, no se merece los aplausos y el renombre que le doy a "Days of Future Passed"... Una nota antes de continuar, el álbum de Pink Floyd es del mes de agosto, mientras que "Days of Future Passed", es de diciembre.
Este disco es el segundo de los Moody Blues, el primero es del año 1965, "The Magnificent Moodies", pero este primer disco tiene algunas distancias con el segundo, primero, que tira más hacia el R&B y el clásico pop rock británico de aquellas épocas, al estilo de los Beatles, Rolling Stones y bandas similares, segundo, que cuenta con dos miembros que se retirarían el año '66.
The Moody Blues contaba inicialmente con cinco miembros, primero: Ray Thomas (flautas, armónica, voz) y Mike Pinder (teclados y voz), ambos fundadores, a quienes se uniría más tarde Denny Laine (guitarra y voz), Graeme Edge (batería) y Clint Warwick (bajo), y serían estos cinco quienes compondrían los primeros Moody Blues, y quienes grabarían juntos su primer LP, ya en 1966, luego de algunas giras, Laine y Warwick decidirían pasar a retirarse, llenando su sitio Justin Hayward y John Lodge respectivamente, quedando así la formación más duradera de la banda, aunque unos años más tarde Patrick Moraz sustituiría a Pinder.
Bien, ya tienen algo de su historia, ahora sí, nos metemos de lleno a "Days of Future Passed".
The Moody Blues reagrupados, se proponen, antes que nada, mantenerse a flote financieramente, y deciden tocar principalmente en Europa. El despegue esperado se da cuando Deram Records, un sello de Decca Label, en 1967, decide que necesita un disco de larga duración para promover su nuevo equipo de sonido "Deramic Stereo". The Moody Blues es escogido para el proyecto propuesto, y les encargan elaborar los arreglos de una versión en rock de una pieza clásica llamada Dvorak’s New World Symphony, inmediatamente ellos convencen al productor y al ingeniero del staff, abandonar el material propuesto y permitir al grupo usar una serie de sus propias composiciones que denominaban “Un día arquetípico, de la mañana a la noche”. Estos aceptan y usando las cintas de la nueva música realizada por la banda, con arreglos de orquesta sinfónica ejecutados por el conductor Peter Knight, se realizo el álbum "Days of Future Passed", el cual se volvió un hito en la historia del grupo. La mezcla de rock y los sonidos clásicos era nueva, al principio confundió a la compañía disquera, pero al final se convenció y el disco fue producido y sacado a la venta. Este álbum, y sus temas "The Night: Nights in White Satin" y "The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?)/Time to Get Away”, enganchadas armónicamente en el álbum, dieron como consecuencia su siguiente disco "In Search of the Lost Chords", del año 1968, en este nuevo proyecto la banda desecha la orquesta en favor del mellotron (instrumento musical electro-mecánico polifónico que apareció a mediados de los años '60), que rápidamente se volvió parte del sonido de la los Moody Blues.
El disco nos narra la vida, el ser de un día común y corriente, y en cierta manera, es una crítica a la monotonía diaria. Con unas letras espectaculares y a la vez simples, nos lleva a través de sus múltiples y suaves acordes, por un mundo donde un día común y corriente se convierte en algo más que eso, se convierte en la vida...
Yo creo que más que en las letras, sin despreciar a estas que son muy bellas y geniales, como el poema al inicio del álbum, recitado al final de la primera canción, que lamentablemente mucho se ha criticado por lo pomposo y clásico, lo más importante de este álbum se centra en la melodía, que también se ha criticado según he leído, por lo clásica y un tanto pasada de era que es, pero para mí, estos comentarios son sinceramente irrelevantes, porque creo a ciencia cierta, que en las melodías clásicas combinadas con las distintas afluencias rock, sobre todo de orden progresivo y psicodélico, se encuentra el secreto de lo maravilloso de "Days of Future Passed".
La melodía es estupenda, el sonido de la flauta y de los violines se llevan los aplausos a la hora de analizar el lado clásico, pero sin desmerecer al piano, que es hermoso en temas como "Evening: The Sun Set/Twilight Time". Del lado rock, obviamente progresivo y psicodélico, lo que me hace mucha gracia es en el tema "Lunch Break: Peak Hour" cuando el rock toma una esencia que dentro de su psicodelia, toma rasgos de surf rock y de proto-punk, algo super increíble...
Y las voces, melódicas, acompasadas, llenas de vida... Todo lo que compone "Days of Future Passed" es genial!
Y bueno, "Days of Future Passed" contiene en total siete piezas, todas increíbles, no puedo resaltar ninguna, todas engranan en absoluta y perfecta armonía, dando una continuidad sonora al álbum que deja sorprendido al más conocedor, convirtiéndola en una pieza única e inestimable que todo melómano y amante del prog-rock debería tener en su colección, o al menos, escucharla íntegra una vez en su vida...
Tracks:
The Day Begins
Dawn: Dawn Is a Feeling
The Morning: Another Morning
Lunch Break: Peak Hour
The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?)/Time to Get Away
Evening: The Sun Set/Twilight Time
The Night: Nights in White Satin
Bien, como escuchar una sola pieza del disco, se los dejo completo, escúchenlo y viajen por el hermoso mundo del rock progresivo... Más adelante veremos más discos de esta increíble banda británica.
De la banda peruana de rock progresivo Traffic Sound ya les hablé hace un tiempo, si no leyeron lo que escribí, pues sólo deben hacer clic aquí. Su disco "Virgin", del año 1969, contiene la canción que más me gusta de este genial grupo, se trata de "Last Song", la penúltima del disco, que en cierto modo pasa desapercibida entre tantos temas geniales que contiene el álbum ya mencionado, pero que de una manera muy sutil atrajo mi atención y me encandiló con su melodía...
No contiene trabajo vocal y es meramente instrumental, nada más que un solo de guitarra acústico de 2:15 minutos de duración. Este tema lo puse en el post que les mencioné al principio para que lo escuchen, pero bueno, se los pondré acá nuevamente, porque vale la pena. Y bueno, luego de pensarlo un rato, me di cuenta que esta sencilla, humilde y pequeña canción se merecía un post propio en nuestro Blog, y es por eso que hoy se las traigo, para que al igual que yo, puedan disfrutarla y sentir la paz y la alegría que transmite a través de sus acordes... Sólo puedo decir una cosa acerca de esta canción; "Last Song" representa que lo más pequeño y simple de la vida, puede llegar a ser lo más hermoso y maravilloso de esta...
Continuando con nuestra serie de post sobre el rock peruano hoy les traigo a otra de las bandas importantes y que marcaron hito; Telegraph Avenue. Tienen dos LP's, el homónimo también conocido como "Telegraph Avenue Vol.1" o simplemente "Vol.1", y "Telegraph Avenue Vol.2" , conocido también como "Vol.2", para no confundirnos los llamaremos "Vol.1" y "Vol.2", fueron lanzados en 1971 y 1975 respectivamente, ambos editados por la ya mencionada disquera MAG. El 2011 se reunieron para participar en el concierto de despedida de We All Together, el primero de abril de ese año en el Teatro Peruano Japonés.
En octubre de 1969, tras ser expulsado de Los Holy's (banda que nunca me ha interesado, quizá algún día la investigue a fondo), Walo Carrillo se encontró con Bo Ichikawa (primo de César Ichikawa de Los Doltons (banda que me da igual, pese a ser una de las "estrellas" del rock peruano), quien había viajado a San Francisco, California, donde conoció la contracultura hippie directamente desde la calle donde vivía, la calle Telegraph Avenue, pronto se unió a los ensayos Jerry Lam Cam, bajista que venía de Los Belking's (otra banda que algún día investigaré) y que quería participar en un proyecto más acorde con los nuevos sonidos que venían de Estados Unidos. Luego se integró Chachi Luján. Poco después Jerry Lam viajó y en su reemplazo entró Alex Nathanson, quedando así conformada la banda.
Continuando con nuestra serie de artículos sobre el rock peruano, el día de hoy les traigo a una banda de finales de los 60's y principios de los 70's, como ya habrán adivinado, se trata de Laghonia. Lanzaron dos LP's, en el '68 y el '71. Al disolverse la banda, varios de sus componentes pasarían a integrar We All Together, junto a Carlos Guerrero, que era el único que no había sido parte de Laghonia, aunque ya había participado en una de las grabaciones de esta, pues la banda grababa en el estudio MAG, propiedad del padre de Guerrero. Sobre We All Together ya les he contado antes, y si no leyeron lo que escribí sobre ellos, sólo deben hacer clic aquí.
La banda se inició en el año 1965, por idea de Saúl Cornejo (vocalista y guitarra), Miguel Cornejo (batería) y Eddy Zarauz (bajo). Más tarde se sumarían Alberto Miller y Alax Abad (guitarra y percusión respectivamente). Su primer LP fue lanzado en 1968; "Glue", después del cual, a finales de ese mismo año, Miller dejaría la banda y sería reemplazado por Davey Levene, quien le daría nuevos aires y sonidos a la banda, como el soul y el R&B. Después de 3 años Laghonia lanzaría "Etcétera", el '71, antes de disolverse.
La banda se llamó originalmente The New Juggler Sound. Tiene claras influencias del rock británico, como The Beatles, The Kinks, Yardbirds y The Rolling Stones. En 1967 sacarían sus primeros singles; "Baby" y "I Must Go". Posteriormente, para sacar su primer disco, cambiarían su nombre a Laghonia (pues era "La Agonía" de la inminente separación de una de las bandas que más los influenció, The Beatles).
Como ya dije y voy repitiendo, en 1968 lanzaron su primer álbum; "Glue", con claras influencias del rock británico. Contiene 4 de sus 5 primeros singles, a los cuales se sumó dos temas que grabaron junto a Carlos Salom ("Neighbor" y "My Love") quien tocaba el órgano Hammond que habían decidido incluir. Este disco consta de 10 temas, que va desde temas más a lo rock n' roll hasta algunos con claro sonido psicodélico.
En 1970 Zarauz se va de viaje y es reemplazado por Ernesto Samamé
"Glue" es uno de mis discos favoritos de rock peruano, principalmente por su sonido e influencias claras... Es por este disco que he decidido ponerme a escuchar a The Beatles...
Tracks:
Baby, Baby
I Must Go
Neighbor
The Sand Man
Billy Morsa
Trouble Child
My Love
And I Saw Her Walking
Glue
Bahia
"Etcétera" es el segundo y último disco de Laghonia, lanzado en 1971, en este disco participó Carlos Guerrero haciendo los coros. Este disco es el más progresivo y psicodélico de los dos, además que denota una madurez mayor en el sonido de la banda, que se había vuelto más complejo. La carátula de "Etcétera" es una de las carátulas más psicodélicas en la historia del rock peruano.
Es el álbum que más me gusta de Laghonia.
Consta de 8 tracks y 4 bonus tracks (4 singles que no aparecieron en "Glue"), de los cuales mi favorito es "Everybody on Monday", ...
Tracks:
Someday
Mary Ann
I'm a Nigger
Everybody on Monday
Lonely People
Speed Fever
Oh! Tell Me July
It's Marvellous
World Full of Nuts [*]
We All [*]
No Solution [*]
Bengal Tiger [*]
Y bueno... Como ya saben, en 1971 se disolvieron, viajes, alejamientos, se trajeron abajo la banda, pero después de todo, gracias a ello salió otra obra maestra del rock peruano... We All Together.
Datos curiosos de Laghonia son que el 2004 la ya mencionada en otros post, Repsychled Records, sacaría al mercado "Unglue", con algunos demos, instrumentales y jammings (improvisaciones) que la banda grabó durante su periodo de actividad.
"Glue" y "Etcétera" serían reeditados en diversas disqueras en el extranjero.
Inicialmente su disquera fue RCA Victor, pero luego se pasaron a MAG.
De "Glue": Baby Baby.
De: "Etcétera": Everyboy on Monday.
Para terminar, les dejo esta imagen como pequeño regalito, espero que les guste.
Dije que estaba armando algo bonito respecto al rock peruano y eso hago, no me mando con un post acerca del rock peruano directamente ya que sería demasiado extenso, y prefiero presentarles banda por banda, una por una, ya luego haré una pequeña reseña histórica, pero bueno. Claro, no voy a hablar de bandas peruanas de manera continua, será a intervalos, ya que con este post serían tres artículos seguidos de música peruana que voy haciendo, claro, el de Maywa fue para presentarles un grupo que me gusta, no es exactamente del paquete que estoy armando y que iré soltando a lo largo de estos días, pero al ser un grupo peruano, como que mucha peruanidad seguida, así que con este post cerraremos por el momento el tema del rock "Made in Perú", que les recuerdo, empezó con We All Together y siguió con Los Nuevos Shain's (hablaré con más exactitud, cuando hago referencia en estos días al rock peruano, me refiero al de entre finales de los 50's y mediados de los 70's, porque también he hablado de Pedro Suárez-Vértiz, pero este ya es 80's y hoy, y claro, en algún momento he de hablar más sobre el rock nacional de esas épocas... Así que el rock peruano que estoy recopilando para escribir sobre el tema en estos días es el de las fechas ya citadas (1955-1976 aprox.).
Bueno, de We All Together ya les he hablado hace poco, pero si no recuerdan o no lo leyeron, acá les dejo el artículo que hice sobre ellos y su segundo álbum de estudio "Singles", sólo deben hacer clic aquí.
We All Together.
Este es el primer álbum de estudio de la banda, fue lanzado en 1972 y consta de 14 tracks, es de sonido similar a "Singles" (1973), bastante melancólico pero con su lado feliz, además que algunas de las canciones presentes en este disco se repiten en el de 1973, como "Symbol Queen" o "Bluebird". A mí personalmente me encanta y lo recomiendo, para pasar un momento tranquilo disfrutando de buena música.
El disco lo pueden conseguir en ITunes y Amazon (en ambos sólo está disponible con 10 temas).
Hablando del Rock Progresivo, Latinoamérica no fue ajena al desarrollo del mismo, menos un país como el Perú, cuna de grandes íconos del rock de los años 60's y 70's, aunque lastimosamente nunca han sido parte importante (hablando de títulos y renombre mundial, no de la calidad o su influencia en el tiempo en sí) de los anaqueles del rock internacional, pero eso no quita ni niega la importancia que puedan llegar a tener o lo geniales que fueran... Pero hoy no voy a hablar del rock en el Perú, les hablaré de un disco y una banda en especial, We All Together y su gran disco del año 1973 "Singles" (También conocido como "We All Together Singles").
Para que los conozca un poco (si es que no los conocen ya), acá les dejo algo de información de la querida Wikipedia: We All Together fue una banda de rock melódico peruano, formada en 1971 en Lima. El grupo se inspiro en The Beatles y la carrera como solista de Paul McCartney, sin embargo algo que llama la atención es la similitud del timbre de voz del vocalista Carlos Guerrero con John Lennon. El grupo tuvo muchos seguidores y conciertos, gozando de mucha popularidad en la década de los 70's pese a que el gobierno ya había prohibido el rock en el Perú , paradójicamente en esta década sería donde se encontraría las más grandes joyas del rock Latinoamericano.
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