El año pasado, el 1ro de Octubre, salió a la venta uno de los mejores discos que he escuchado, y que más me ha gustado: "Innocets", del norteamericano Moby (fue parte de la lista que hice hace poco de lo Mejor del 2013).
Las razones de mi enorme gusto por este trabajo son bastante obvias: como dije en mi pasado post, "he desarrollado un creciente fervor hacia la música de estética gris, llámese triste, depresiva o etérea y sin sentido, sobre todo si se trata de géneros como el post rock, el ambient, la neoclásica, el dream pop, la experimental, minimalista, electrónica o de estética flaminglipstística.", este disco reúne parte importante de lo anteriormente mencionado.
Si bien el espíritu presente en "Innocets" es el ambient, género en el cual Moby se sitúa en mayor medida, también se encuentra habitado por el dream pop, el shoegaze, lo experimental (este disco se concibió como tal) y lo indie-alternativo, además de lo flaminglipstístico, debido a la presencia de Wayne Coyne.
Según yo, los pilares de mi devoción musical por "Innocets" se basa en cuatro temas: la ambiental "Everything That Rises", la indie pop, lo-fi y ambiental "Almost Home", la alternativo-indie pop-gospel "The Perfect Life", y la experimental ambient-pop "The Last Day".
La primera, totalmente instrumental, si bien tiene un peculiar sonido, nos remite hacia el clásico sonido ambiental de Moby. Más de cuatro minutos abocados a la más excelsa y completa melodía que cualquier adepto al género bien sabrá apreciar y disfrutar.
La siguiente, "Almost Home", colaboración con el músico indie lo-fi Damien Jurado, es eso, un indie bien low fidelity (vocalmente), que aparece delante de una cortina de música ambient. Excelente tema, con un videoclip oficial y uno de lyrics bastante conmovedores: el primero, el viaje de un perro de peluche que regresa a su hogar (muy acorde a la letra de la canción), y el segundo, con Moby acompañado de unos perritos y gatos de una asociación de protección a los animales, junto a los cuales muestra hojas bond que contienen partes de la letra de la canción, y que va mostrando en los momentos indicados.
"The Perfect Life" es eso, una canción perfecta. Una colaboración con Wayne Coyne, líder y vocalista de los Flaming Lips, que le da justamente esa estética a esa canción. Bueno, hay que acotar que le da su lado más pop (el que se encuentra presente en los discos "Yoshimi Battles the Pink Robots" y "The Soft Bulletin"). "The Perfect Life" tiene todo: un perfecto trabajo en las voces de Wayne y Moby, unos coros A1, y los vocales no léxicos que aporta una dama... que le dan un toque brutal a la canción, que, fuera de lo buena que es, tiene la genialidad de incluir un simple pero excitante solo de guitarra, que le otorga una personalidad estupenda a la canción...
La cuarta y última en mi lista de pilares de este disco, se encuentra "The Last Day", un temita bien ambient-pop con toques experimentales, colaboración con la, actualmente en ascendente fama, señorita Skylar Grey, quien le otorga una aura gris a la ya depresiva melodía impresa en la mencionada canción.
Fuera de esas cuatro, ocho temas más componen "Innocets", los cuales... no sé... los disfruto, pero no me apasionan tanto como los cuatro citados allá arriba. Por lo que dejo que juzguen ustedes mismos.
Mark Spike Stent (quien ha trabajado con artistas como Muse y Massive Attack) fue el productor de este disco.
Moby dijo sobre el álbum que lo que pretendía era hacer “música rara con amigos” y no sólo vender, ya que cree que cada vez menos gente compra discos.
Según la Rolling Stone "Reflektor" es el mejor álbum de Arcade Fire, algunos van más allá catalogándolo como el álbum del año... en general las diversas publicaciones sobre música le han otorgado muy buenas calificaciones, sin llegar al número perfecto, pero muy cerca, lo cual es bastante bueno para cualquier banda, con o sin pretensiones de por medio.
Para otro grupo, este disco es una desilusión... porque no es lo que esperaban, porque estuvo debajo de las expectativas que generó... Se da para el debate. Debate dentro del cual procederé a ubicarme hoy.
A ver... Respecto a lo dicho por la Rolling Stone mi posición es bastante clara: ninguno de los discos de Arcade Fire es superior, todos guardan un nivel similar entre sí, dentro de sus diferencias claro, ninguno sobresale, en mi humilde parecer. Pero eso es cuestión de gustos... Ahora ¿álbum del año? pues sin dudas es uno de los discos (o el disco) que más expectativa generó durante este año previo a su lanzamiento, pero aunque se ubica en la zona de los mejores álbumes del 2013 y se proyecta a ser uno de los clásicos de esta nueva década, "Reflektor" no llega a ser, según yo, lo suficiente como para cargar el galardón de disco del año.
Sin muchas dudas yo colocaría en lo alto del pedestal a "Random Access Memories" de Daft Punk, que, salvo por un par de canciones, me cautivó de manera brutal. Lamentablemente este año, de los grandes lanzamientos, ninguno me ha dado de manera completa lo que esperaba.
Es justamente con "Random..." que "Reflektor", en mi caso personal, lleva una línea paralela. Primero, porque con los dos, siguiendo lo sucedido con sus álbumes predecesores, se mantenía una constante de no ser constantes en lo que a similitudes entre discos de una misma banda se suele dar. Ya que en el caso de Daft, si bien su centro es la música house, de "Homework" a "Human After All" hay grandes diferencias. La misma cosa sucede con Arcade Fire a lo largo de su historia, de "Funeral" a "The Suburbs" hay una gran diferencia, que se denota más si escuchamos su EP o algunos singles que aparecerían luego como bonus tracks (el caso de "Brazil" por ejemplo). Es entonces que la falta de una constante melódica crea una sombra de misterio al rededor de los álbumes por venir...
Segundo, cuando se coló el single principal de "Random..." hubo un choque inicial tremendo, obviamente el cambio de estilo era brutal y se notaba un giro completo dentro de la estética melódica de Daft Punk... era más funk-disco que house... Además que este single, "Get Lucky", se volvería el primer gran hit comercial de los franceses, dejando en algunos la sospecha de que todas las conversiones melódicas y colaboraciones dadas en "Random..." apuntaban más hacia una evolución para fructificar dentro de la movida mainstream que a una madurez per se. Lo mismo me pasó cuando apareció la canción homónima de "Reflektor", que como para dar cierto halo de continuación inicial, empezaba con una ligera melodía venida de "The Suburbs", para luego convertirse en lo que ya todos hemos escuchado... Indie dance rock medio disco... con sabor a pop. Es entonces que para otro grupo, fans de las viejas obras arcadianas, la melodía impresa en "Reflektor" y la colaboración en la misma con el ícono pop David Bowie, se prestaba para la sospecha de un giro comercial dentro de la banda que al final de cuentas siempre se había mantenido al margen de la movida mainstream, manteniendo un perfil bajo... cosa que resalté al inicio de este blog, cuando mencionaba que Arcade Fire no necesitaba un hit para ser una de las grandes bandas del momento e historia... Pero esta sospecha se disipaba, al menos para mí, con el mero hecho de que "Reflektor" (la canción) durase el tiempo que dura, siete minutos y medio... Casi el doble de tiempo que dura un single comercial. Y además, el video que lanzaron del tema previo lanzamiento del disco, duraba lo que dura la canción el el álbum, cosa rara para quien quiere venderse en cuerpo y alma a la música comercial... Por ejemplo, vayamos a finales de los ochentas, con el tema "I Know You're Out There Somewhere" de los Moody Blues, que en el disco al que pertenece ("Sur La Mer") dura más de seis minutos, pero en su versión para el video sobrepasa ligeramente los cuatro minutos.
Pero, pese a durar lo que dura, "Reflektor" superó los cinco millones de vistas en YouTube (el resto de los clips de la banda llegó a unos cuantos miles), sugiriendo un éxito comercial bastante fuerte, sino rotundo.
Pero es entonces que fue lanzado el disco, hace una semana aproximadamente, para disipar toda duda que hubiese generado la larga espera (más de un año en mi caso, desde el anuncio de "un posible próximo álbum a finales del 2013" en la cuenta de twitter del fan club de Arcade). Es entonces que se generó un sabor agridulce, más dulce que agrio, en mi persona respecto a este disco... Han tenido que pasar algunos días para que pudiese digerirlo por completo...
Para cerrar un poco las comparativas, como último ejemplo citaría el reciente lanzamiento del nuevo disco de VNV Nation, "Transnational", que fue melódicamente bastante predecible -no por malo, ya que es buenísimo- debido a que si se seguía un poco la línea que iba llevando el dúo, podía uno imaginarse lo que estaba por suceder, así que con el último disco de VNV, fue amor a primera escuchada... Mientras que "Reflektor" requirió un proceso de digestión de mediana duración (al igual que con "Random Access Memories").
De este proceso he podido sacar seis canciones que a mi parecer son excelentes, y siete que, o hubiera trabajado más o que hubiese preferido no tenerlas como parte del disco -vuelvo con lo de "no por malas", sino porque simplemente no dan la talla de lo que esperaba yo del disco- ya que nublan un tanto la experiencia que se puede tener al escuchar "Reflektor". Y esto, que quede claro, lo digo muy a título personal.
"Reflektor" arranca con la canción homónima y principal single del disco (después de un track oculto titulado "Reflektive Age"), que me atrapó desde que la escuché por primera vez en el videoclip que lanzaron a inicios de septiembre. Fue una muy buena sorpresa, ya que presentaba una nueva propuesta, mucho más movida y hasta bailable, con un trabajo de la percusión bastante funk, dance-rock y nu-disco (tiene congas!), con una excelente colaboración con David Bowie, quien aportó al trabajo vocal una experiencia mucho más rica y única en lo que a texturas se refiere, además de ser una muy buena influencia. Cabe recordar que las colaboraciones Arcade-Bowie empezaron el 2005 con una presentación en vivo, con lo que sería posteriormente el "Live EP at Fashion Rocks", donde interpretaron "Life On Mars?", "Wake Up" y "Five Years".
"Reflektor", la canción, además de la mencionada percusión, tiene un trabajo de teclados muy destacable y pegajoso, al igual que con el saxo. Los cambio de ritmo son excelentes. En lo vocal, además de lo de Bowie, Win Butler cumple muy bien su labor, pero lo más destacable es lo fascinante, deliciosa y envolvente que llega a ser la voz de Régine... "Reflektor" es una canción completa, aunque algunos la tilden de muy comercial y poco ortodoxa, pero, ¿se puede ser ortodoxo siendo Arcade Fire? lo dudo...
Lamentablemente, para mí, esta canción dio una expectativa mayor a lo que llegaría a ser el disco.
"Reflektor" es la primera de las seis canciones que se me pegaron de este disco.
"Flashbulb Eyes" es la segunda canción del disco. Es de un nivel intermedio-alto, a mi parecer. No es parte de las seis que me atraparon, pero mala no es... Pese a durar poco (cerca a los tres minutos), es un muy buen trabajo melódico.
"Here Comes the Night Time" es el tercer tema en aparecer, muy dance rock nu-disco, tiene también un pegajoso ritmo de la percusión. Los teclados son su otro lado fuerte. Un ritmo muy movido es lo que nos da esta canción. Es la segunda de las seis que me atraparon.
"We Exist" propone algo más pop rock y convencional frente a la experimentalidad y fusión presente en sus predecesoras (que llevan mucho de ritmos haitianos dentro de sí), es un tema que fácilmente podría darse para las radios. Es muy bueno, pero no me atrapó mucho que digamos.
"Normal Person" es la quinta canción. con una pegada pop, le da bastante a secciones muy noise. Tampoco me convenció mucho.
Acá debo hacer una acotación, "Reflektor" es un disco doble, donde siete temas van en el primer disco y seis en el segundo.
Otra pop es la sexta del disco uno, "You Already Know", se me hizo muy a lo "Neon Bible". Buena pero no me convenció.
"Joan of Arc" es la séptima y última del primer disco. Me trae muchos recuerdos de "Funeral", sobre todo en los cambios de ritmo. Si bien es buena y da la talla para el álbum, de manera individual tampoco me movió mucho.
"Here Comes the Night Time, Pt. 2" abre el disco número dos. Su ritmo es diferente a su primera parte... Es como un cierre posterior.
"Awful Sound (Oh Eurydice)" es la segunda del segundo... Me atrapó y convenció totalmente sin muchos preámbulos. Inicia con sonidos de percusión tribal (haitianos) a los que se une, luego de la voz de Butler, una melodía de sintetizador y guitarras que me recuerda mucho al shoegaze impreso en "Yoshimi Batles the Pink Robots". Melancólica, triste, lenta, igual que su letra... Es una de mis favoritas del disco y parte de las seis que hicieron de mí alguien más feliz, aunque esta canción particularmente me deprime... (cosas de la vida).
Tercer lugar en el segundo disco. "It's Never Over (Oh Orpheus)". Movida, muy rítmica, resalta mucho, al igual que en la anterior, los agudos de Reginita. Es la respuesta al tema que le precede. Indie rock del mejor... Cuarto tema de los que me conquistaron.
"Porno" es un tema simpático pero, pese a que me suena un poco al "Plastic Beach" de Gorillaz y que tiene unos arreglos semi-sinfónicos, no me atrapó... El tema, creo, daba y da para mucho más.
"Afterlife" es el segundo tema que escuche previo al lanzamiento del disco. Lo amé apenas lo escuché. Eso también me motivo más a esperar "Reflektor" y agrandó al doble las expectativas que me había generado el single inicial. Es muy rítmica, un tanto funk... Es... sencillamente, una apabullante obra de arte. La letra desgarra... Ha sacado lágrima a varios fans... (not me, 'til now).
El segundo disco y el álbum en general terminan en "Supersymmetry", que dicho sea de paso contiene un track oculto, lo mismo que ocurre al inicio del álbum. Esta canción para mí es muy especial. La melodía dio en el clavo con mis gustos musicales. Experimentalidad medida, sintetizadores en su punto, percusión y arreglos exactos, precisos... Una canción envolvente y cautivadora... La sexta en atraparte. Y en mi personal consideración, una de las mejores del álbum.
Este álbum doble fue producido por el ex líder de LCD Soundsystem, James Murphy, el productor Markus Dravs y la misma banda. Influenciado por la música haitiana rara, la película de 1959 "Orfeo Negro" y el ensayo de Søren Kierkegaard titulado "The Present Age", el lanzamiento del álbum fue precedido por una campaña de marketing de guerrilla inspirada en los dibujos haitianos vevé (símbolo religioso de comúnmente utilizado en el vudú. Actúa como un "faro" para la loa (también se escribe lwa) que son un tipo de espíritu o dios menor, y servirá como una representación de loa durante los rituales. En el pasado, se creía que el vevé se deriva de las creencias de los taínos nativos, pero estudios más recientes ha demostrado una estrecha relación entre el vevé y el cosmograma del pueblo Congo*), así como por el lanzamiento del single "Reflektor" en formato de edición limitada, acreditado bajo el nombre de la banda ficticia The Reflektors.*
A principios de agosto, un logo críptico con la palabra "reflektor", apareció en distintas ciudades alrededor del mundo. Este arte urbano fue reportado como parte de una campaña de marketing de guerrilla para introducir el nuevo álbum. La confirmación del álbum y su correspondiente fecha de lanzamiento ya había sido anunciada a través de un mensaje en Twitter, escrito en respuesta a la pregunta de un fanático. Una cuenta de Instagram publicó fotos del símbolo, e incluyó un video de uno de estos siendo dibujando. El 26 de agosto, Arcade Fire confirmó que dichos trabajos se relacionaban con ellos, con un gran mural en un edificio en el centro de Manhattan, que incluyó cuatro de dichos símbolos y las palabras "Arcade Fire 9pm 9/9". El 9 de septiembre de 2013, la banda lanzó dos videos para el primer sencillo, que también da el título al álbum. La campaña recibió publicidad negativa tras un artículo publicado en Slate en septiembre del 2013, describiendo casos de daños a la propiedad como resultado de los anuncios. La banda emitió una disculpa, explicando que los esténciles inicialmente tenían como objeto utilizar tiza u otros materiales lavables, en lugar de pinturas en aerosol.*
La portada del álbum es una imagen de la escultura de Orfeo y Eurídice, obra de Auguste Rodin.
Para mí, terminando este post, "Reflektor" no satisfizo lo que yo esperaba del mismo. si bien cuenta con canciones increíbles, varias no dan la talla. No lo sé, tal vez si lo escucho seguido durante un tiempo rescate algunas cosas más, pero buee...
El sinsabor se da también por la larga espera que tuve del disco... un año aproximadamente contando los días... Me imagino que el 2016 sabremos de un nuevo disco de Arcade Fire, si seguimos su cronología claro (2004, 2007, 2010 y 2013)... donde espero puedan realmente fascinarme por completo y hacer que la espera halla valido a mil por ciento.
Entre mis recientes vicios se encuentra The Decemberists, una banda de folk-rock e indie-folk proveniente de los Estados Unidos que me ha impresionado mucho últimamente, pese a que ya la había escuchado hace un buen tiempo atrás.
Todos sus discos me gustan mucho, así que bueno, no iré en orden para hablar de ellos, sino que iré posteando poco a poco acerca del que me nazca escribir.
Hoy nos ocupa su cuarto álbum de estudio, "The Crane Wife", lanzado el año 2006.
Dentro de una estética folk, desarrolla sonidos que van desde el mismo folk-rock hasta el rock progresivo... con algunos momentos pop (haciendo referencia al sonido más pop que pueda albergar el folk), excelente guitarra, teclados bien sesenteros, un "welcome back" musical perfecto... y bueeeeeeeeee... El disco, aunque cuenta con canciones con diversas historias y letras, está inspirado en un cuento folclórico japonés llamado La Esposa Grulla (The Crane Wife).
El cuento narra la historia de un hombre que a la puerta de su casa encuentra una grulla lastimada. Él la toma, la cuida, la cura y protege. Un día, lanza la grulla ya sana al viento y esta empieza a volar, y entonces ante la puerta del hombre, aparece una hermosa mujer, de la cual se enamora para posteriormente casarse. Como estaban muy pobres, la mujer se ofrece a tejer ropas con una maravillosa seda, para que él la pueda vender en el mercado, la única condición que pone es que el hombre no puede verla mientras trabaja. Entonces empiezan a ganar dinero y logran tener una vida bastante cómoda, pero de pronto el hombre la hace tejer más y más a su esposa, que obviamente empieza a ver afectada su salud, cosa que no veía su esposo al estar cegado por la avaricia. De un momento a otro decide asomarse a ver lo que su esposa está haciendo para que la seda sea tan deseable, y se da con la sorpresa de que en el telar está una grulla sacando las plumas de su propio cuerpo y tejiéndolas en el telar. La grulla al verlo se va volando lejos y nunca regresa.
Este cuento se encuentra dividido en dos canciones; "The Crane Wife, Pt. 3" y "The Crane Wife, Pts. 1 & 2". La primera, curiosamente, siendo la que narra el final del cuento, es la canción que abre el disco, la segunda, es la penúltima.
El álbum contiene diez temas en total, con diversas historias en cada canción, como por ejemplo "When the War Came", que es una representación del sitio de 900 días sobre la ciudad de Leningrado en la Segunda Guerra Mundial. Durante el asedio, el ejército alemán rodeó la ciudad por completo, evitando que cualquier cosa entre o salga de la misma. Como resultado, muchas personas murieron de hambre. La cifra final de las muertes se estima en más de un millón. La canción también hace referencia a Nikolái Vavílov, botánico ruso asesinado por Joseph Stalin. Otro ejemplo es "Shankill Butchers", una canción acerca de la banda de la Ulster Volunteer Force; los carniceros de Shankill (Shankill Butchers). La UVF es una organización paramilitar protestante. Los carniceros de Shankill se separaron de la UVF en la década de 1970 y llevaron a cabo una serie de asesinatos espantosos.
Pese a que algunos fans de la banda afirmaron que esta se había vendido (debido a su contrato con la Capitol a partir de "The Crane Wife"), y que por ende su sonido ahora era más pop, en verdad fue una necedad ponerse en esa posición. Primero porque el disco contiene canciones bastante progresivas y experimentales, cosa poco mainstream el día de hoy, segundo porque cualquiera puede dudar que una disquera como la Capitol Records fuese a firmar un contrato con una banda para tergiversarla, sobre todo después del éxito conseguido por The Decemberists dentro de un formato extremadamente indie... pero bueee...
La crítica le dio una muy buena recibida, con muy buena cantidad de puntos. Los oyentes de la National Public Radio (NPR), votaron por "The Crane Wife" como el mejor álbum del 2006.
En mi personal perspectiva este es uno de esos discos "más lo escucho más me gusta".
Tracks:
The Crane Wife, Pt. 3
The Island: Come and See/The Landlord's Daughter/You'll Not Feel the Drowning
Entre los resientes lanzamientos discográficos se encuentra el primer LP de la no tan nueva banda norteamericana Haim, indie pop e indie rock con tintes folk.
Este grupo está compuesto por las tres hermanas Haim; Este, Danielle y Alana, junto con el baterista Dash Hutton.
Previamente a "Days Are Gone" (el disco que nos ocupa hoy), lanzaron los EP's "Forever" y "iTunes Festival: London 2012", ambos del año pasado, pese a que la banda venía actuando ya desde el año 2006.
El estilo de Haim mezcla R&B contemporáneo, indie pop, indie rock y algo de folk, y ha llegado a ser comparado con el de la mítica banda Fleetwood Mac, cosa que no es para menos. En sí, nos encontramos frente a un excelente material, donde sentimos diversas influencias (desde toques funk hasta momentos vocales que traen a la mente la voz de Michael Jackson).
"Days Are Gone" fue lanzado exactamente hace tres días, y marca el inicio (por obvias razones), del principio del trabajo discográfico de Haim.
Un muy buen conjunto de singles, con un marcado y diferenciado trabajo de la batería y la percusión, como suele darse en muchos casos dentro del indie pop. Los vocales son excelentes, variando de agudos a graves en segundos. Si tuviese que elegir algunos temas del disco, me quedaría con "Falling" (se me pegó apenas lo escuché) y "The Wire", ambos, singles importantes del álbum (fueron lanzados el 12 de octubre del pasado año y el 9 de agosto del presente respectivamente).
La crítica en general le ha dado una buena puntuación; 8.3/10 en el caso de Pitchfork, 3.5/5 la Rolling Stone y 4/5 por parte de Allmusic. Sin duda un inicio bastante satisfactorio para un álbum debut. En lo que respecta a la recepción por parte del público en general, esta se ve bastante prometedora, con más de tres millones de vistas en YouTube del single "Falling" con comentarios y votos favorables en su mayoría, sólo por dar un pequeño ejemplo.
Esperemos les vaya muy bien... Y tengamos noticias de nuevo material en un tiempo cercano.
'Reflektor', el nuevo álbum de Arcade Fire está en pre-orden. Disponible ahora en http://smarturl.it/reflektorafstore.
La pre-orden te permitirá una descarga instantánea del single 'Reflektor'.
Todas las pre-órdenes a través de la tienda web oficial de Arcade Fire incluyen el primer acceso a la compra de entradas en las ventas para las próximas presentaciones a finales de este año.
Cumplieron sus amenazas. Tal y como habían anunciado, había una sorpresa para el 9/9 a las 9... El videoclip del single principal del que será su tan esperado álbum de retorno; "Reflektor".
La canción cuenta con la participación de David Bowie, quien aceptó grabar con ellos este tema y además, realizar junto a ellos este video.
La canción, “Reflektor”, es el adelanto de lo que será el nuevo trabajo discográfico de la agrupación canadiense, que estará en el mercado a partir del próximo 29 de octubre.
Y bien. Una de mis deudas, hasta el día de hoy, ha sido la de escribir acerca de alguno de los álbumes de Arcade Fire, ya que, al inicio de este blog escribí un pequeño artículo acerca de los canadienses.
Así que bueno, comenzaremos desde el principio, por lo tanto, el día de hoy nos acompañaremos de "Funeral", el primer álbum de estudio de Arcade Fire, lanzado en setiembre del 2004 (en sí, si hablamos del inicio mismo de todo debería irme hasta el EP homónimo (2003), pero buaa, eso será otro día).
A través de sus melodías indie rock, pop barroco, sinfónicas y post-rock (qué concreto ¿no?) "Funeral" nos entierra (valgan las analogías) dentro de un mundo triste pero optimista, donde se funde con temas como la niñez y la llegada de la madurez y la muerte. Fuertes sonidos orquestales con un amplio dominio de los instrumentos de cuerda. Digno heredero de mi siempre amado rock progresivo. Es más, uno de los bonus tracks de la edición japonesa, "Brazil", cover de la popular canción brasilera que también fue b-side del single "Rebellion (Lies)" (que aparece en este disco), fuera del excelente trabajo del piano al final del tema, posee un trabajo excepcional en lo que es instrumentos de cuerda. No es de sorprenderse, ya que dos miembros de la banda, Win y William Butler, son nietos de quien fuera el músico de swing Alvino Rey (padre de la madre de los mencionados músicos)... Es más (y le damos más al "es más"), un tema grabado de una de una presentación en vivo de Alvino Rey y su orquesta en una radio en el año 1940 fue b-side del primer single de "Funeral": "Neighborhood #1 (Tunnels)", y es también uno de los bonus tracks del álbum, me refiero a "My Buddy".
Entre mis búsquedas actuales, me he interesado bastante por la música que da vida al término crossover prog, que abarca el lado pop de la música progresiva, yendo desde los Moody Blues, pasando por The Alan Parsons Project y llegando hasta Radiohead. Ahí me encontré con una interesante banda rusa de la ciudad de San Petersburg; iamthemorning, y a su álbum debut; "~" (que también se conoce como el álbum homónimo), lanzado en abril del 2012, y remasterizado en octubre de ese mismo año. La banda está compuesta por Marjana Syomkina (vocales), Gleb Kolyadin (piano), Diakov (violín), Filipp Buin (viola), Alina Shilova (cello), Maxim Rudenko (bajo), Mikhail Istratov (percusión), y Evgeniy Abzalov (guitarra). La música de iamthemorning oscila entre la música folk europea, el indie, la neoclásica (todos sus miembros tienen formación clásica) y varios elementos de la música progresiva. Abundante en melodías de piano y cuerdas (violín, cello), "~" tiene también por momentos cierto grado de distorsión (noise) y momentos muy progresivos, bastante pesados y hard. Combina muy bien una estética bastante suave (gracias en gran medida al trabajo de Marjana Syomkina en los vocales) y un trabajo muy a lo post-rock (?).
"There's the real world and then there's this fantastical world. This girl, the Yoshimi character, is dying of cancer. And these two guys are battling to come visit her in the hospital. And as one of the boyfriends envisions trying to save the girl, he enters this other dimension where Yoshimi is this Japanese warrior and the pink robots are an incarnation of her disease. It's almost like the disease has to win in order for her soul to survive. Or something like that." -Wayne Coyne (Ahí está el mundo real y ahí está el mundo fantástico. Esta chica, el personaje Yoshimi, se está muriendo de cáncer. Y estos dos chicos están luchando para venir a visitarla al hospital. Y como uno de los novios se imagina tratando de salvar a la chica, entra en esta otra dimensión donde Yoshimi es esta guerrera japonesa y los robots rosados son una encarnación de su enfermedad. Es casi como si la enfermedad tuviese que ganar para que su alma pueda sobrevivir. O algo por el estilo)
Si un día alguien me preguntase cuál es el disco más hermoso que he escuchado, sé que no tendría respuesta, pero, en mi mente, uno de los principales candidatos sería "Yoshimi Battles the Pink Robots".
(Do you realize that you have the most beautiful face?-)
Del músico norteamericano Pat Grossi, conocido en el mundo musical como Active Child, sólo he escuchado su EP "She Was A Vision", lanzado el 2010, que divaga entre sonidos de shoegaze, dream pop e indie, haciendo una magnifica magnifica mezcla de sonidos con una base claramente synthpop. Active Child es conocido como un artista electrónico, pero con un trabajo principal en el subgénero ya mencionado, el synthpop. Yo, apenas pueda, voy a conseguirme su único LP; "You Are All I See", lanzado en 2011, para poder comentarlo un poco con ustedes, pero bueno, remitámonos al EP. "She Was A Vision" contiene tan sólo dos temas; "She Was A Vision" y "Voice Of An Old Friend", ambas con un sonido prácticamente similar, donde hay una base melódica de sintetizador que se repite íntegra en ambos temas, al igual que el trabajo vocal, que es de tipo cósmico, espacial, como perdido en otra dimensión. Las letras son claras aluciones a un pasado que se mantiene perenne en la mente de uno, no entra dentro del campo de la tristeza, sino de la melancolía. Aclaremos algo, melancolía no es sinónimo de tristeza, ya que la melancolía es el sentimiento de que algo se ha ido, tristeza es la certeza de que ya no volverá. Por ende, aunque van por caminos similares, no son exactamente lo mismo, aunque se presta a confusiones.
Delta Spirit es una banda de indie rock con tintes de country de la localidad de San Diego, California, formada el año 2005. La particularidad de esta banda es el uso que tiene de instrumentos pocos convencionales como las tapas de los botes de basura (?) y bajos de orquesta... Vaya uno a saber qué clase de perturbado haría eso, ja ja, pero así es lo indie, y me gusta!
El disco homónimo de esta banda es su tercer LP (tienen dos EP's y tres LP's), lanzado en marzo de este año, consta de 11 tracks.
Si ustedes son de los que gustan de lo country al estilo de Taylor Swift, pues esto les va a gustar más... Aunque quizá no, porque es más rock y menos pop, pero igual escúchenlo, no les va a hacer daño un poco de hard a sus oídos acostumbrados a escuchar la voz y melodías de la rubia... Por lo tanto, adquieran el álbum en Amazon o iTunes, como sea de su preferencia... Disculpen pero ahora estoy con algo de pereza como para dejarles los links, pero bueno, antes de dedicarnos de lleno al disco en sí, les contaré un poco de la historia de la banda.
Este mundo está lleno de grandes meloserías, "freserías", cosas pegajosas, que uno no sabe si amar u odiar... En este limbo de esa cantidad de objetos dulzones está "Let's Get Out Of This Country", el tercer LP de la banda escocesa de absolutamente indie pop Camera Obscura, lanzado el año 2006.
El single bandera del disco es "Lloyd, I'm Ready To Be Heartbroken", el nombre lo dice todo no? absoluta fresería! Es como decir "Ay, ay Lloyd, estoy listo para el "destrozamiento de corazón", en todo caso sería "...Estoy lista...", porque la que canta es mujer, así que bueno, vean la carátula del álbum, véanle la cara a Tracyanne Campbell, la vocalista, e imagínenla diciendo con voz de "femme fatale", "Ay, Lloyd, estoy lista para que me rompan el corazón"..., sí, con esa voz de "soy una pobre víctima de todos los hombres desgraciados del universo, nunca me irá bien en el amor..."... Lo peor de todo, es que esa es mi canción preferida del álbum, además que la tengo bien metida en el cerebro, creo que el indie pop se me pega muy fácilmente, pero tengo a quién echarle la culpa al respecto, a mi amiga Ale, ella, ella tiene la culpa de que me gusten los ritmos medios pop, encima que amo el indie... Estoy condenado!
En mi incesante ir y venir buscando música nueva, me encontré sin querer queriendo nuevamente con Kanaku & El Tigre, un dúo compuesto por Nico Saba y Bruno Bellatín, ya los había visto en una oportunidad, pero no los había escuchado, sólo se me quedó el nombre. Pero como ya dije, me los volví a encontrar, así que decidí ponerme a escucharlos, y me encantó, y para sorpresa mía, eran peruanos... Entonces me puse a escuchar todas sus canciones, las de su único disco, "Caracoles", y me pareció un conjunto de temas muy especial, por lo que decidí escribir sobre ellos, así que para hacerlo mejor y más personal, me propuse contactarme con ellos y lo hice. Me sorprendieron, ya que su respuesta fue rápida y además en un tono muy amical, personal, y bueno, les pedí que me hablaran un poco sobre ellos, sobre su música, ya que mi intención no era escribir su historia, sino hablar un poco de mi sentir respecto a ellos y su "Caracoles", esto es lo que me respondieron a través de su press kit: Música enigmática, inclasificable y bastante divertida de la mano de dos talentosos peruanos, Bruno Bellatín y Nicolás Saba. Este dúo se suele acompañar de una pléyade de instrumentos acústicos que en algunos casos llena el escenario hasta con 10 ejecutantes. Detrás de esta parafernalia hay una intención lúdica de hacer música sencilla en su esencia y retadora en su armado, donde la voz de Saba narra curiosas historias de la ciudad con un estudiado candor, que al final termina cautivando con el mismo encanto que tienen las historias bien contadas. Su sonido es acústico, muy orgánico y no temen a experimentar con instrumentos raros, juguetes o cualquier cosa que suene. Su primer álbum, "Caracoles", salió en diciembre del 2010, con una gran acogida.
Cosas raras en el mundo hay muchas, eso lo sabemos todos, y entre estas cosas está The Delta Mirror, una banda indie de Los Angeles, California.
"Machines That Listen" es su único álbum de estudio, lanzado el año 2010, y del cual escuché un sólo tema en AccuRadio; "It Was Dark and I Welcome the Calm", y ahí quedó la cosa. Pasó el tiempo, y recién en estos días me acordé de ellos, así que decidí adquirir su disco.
The Delta Mirror nació a fines de los años noventa, como un dúo de hip-hop, entre los músicos Craig Gordon y David Bolt, pero como siempre en la vida, muchas veces uno crece queriendo ser algo y en el camino descubre algo distinto que lo atrapa y hace evolucionar, eso les pasó, teclados, efectos de computadora y una adormecida guitarra al estilo shoegaze hicieron de The Delta Mirror algo nuevo, diferente y muy experimental... Poco a poco fueron descubriendo nuevos conceptos, dando como resultado el sonido que tienen ahora y que se expresa en "Machines That Listen", con una gran ambientalidad en el sonido, haciéndonos recordar mucho a géneros como el dream-pop y el noise-rock. Finalmente se unió a ellos la bajista Karrie K, con quien terminaron de definir a su totalidad el divagante sueño que es The Delta Mirror... No hay manera de etiquetarlos... Indietrónica? Shoegaze? Electro-dream-pop? No importa, al final de cuentas es una maravilla.
N.A.S.A (North America, South America) es un proyecto musical nacido el año 2003, entre dos DJ's, Squeak E. Clean de E.U (New York) y DJ Zegon de Brasil (Sau Paulo). Se conocieron en el estudio de grabación de un amigo que ambos tenía en común y empezaron a hacer música a los pocos días de conocerse.
Empezaron sampleando pistas raras de música brasilera de los años 60's y 70's para crear algunos tracks. Su amistad fue cada vez más fuerte, gracias al amor que ambos compartían por la música, y como siempre, lo que en juego empieza termina siendo en serio, ambos DJ's decidieron desarrollar un proyecto más largo, así que se propusieron crear un álbum al lado de sus músicos favoritos.
La idea fue traer gente de diversos mundos para que a través de ellos compartieran su inspiración y amor por la música. N.A.S.A empezaba a nacer, con la colaboración de artistas tales como Karen O, Fatlip, entre otros.
Arcade Fire se formó alrededor del año 2001, dentro del matrimonio de Régine Chassagne y Win Butler, y la formación actual se concretó en el 2003 (datos wikipédicos), en ese mismo año grabaron su primer EP, que lleva el mismo nombre de la banda. Más tarde, en el año 2004 graban y lanzan su primer álbum de estudio, Funeral.
Pese a ser recibido con gran ánimo por la crítica y el público en general, el álbum no tuvo ningún single que llegara a ser un "hit" en el momento y en general, los mismo ocurrió posteriormente con sus siguientes álbumes; Neon Bible (2007) y The Suburbs (2008).
El tema lo he tocado en conversación una sola vez, fue hace poco, con un primo, cuando le comentaba sobre los rumores que andan dando vueltas por la web insinuando la alta probabilidad que el 2013 Arcade Fire saque un nuevo disco, regresando al punto, de manera rápida llegamos a la conclusión que un "hit" haría daño al sentido que ya tiene para muchos Arcade Fire, el placer de poder escuchar un álbum de manera íntegra, no de un solo tema. Además la nota de la comercialización masiva de la banda es algo que no entra en mi cabeza, es cierto que son bastante populares en diversos puntos del globo, y que David Bowie es un gran seguidor suyo, pero a lo que me refiero es al hecho de que se vuelva tan comercial como bandas tipo Green Day (que dicho sea de paso, detesto) o Maroon 5, que son planas y bastante aburridas.
