Me va a ser difícil tomar una posición respecto a este álbum. Me ha dejado sensaciones extrañas. Y ya dejando que el tiempo mengüe las reacciones iniciales, luego de toda la reacción general desencadenada luego del lanzamiento de "The Endless River", y tras controlar mi comentario inicial frente a los críticos y comentaristas musicales de "váyanse a la con...de...su...má", me siento frente a mi computadora a analizar lo que pocas y muchas respuestas deja.
Un rock progresivo completamente ambient. Un disco del cual sólo una canción puede escucharse individualmente ("Louder Than Words"). Un álbum que tiene su propia personalidad, pero que a la vez, como sonido, agrupa mucho de álbumes anteriores... "The Endless River", es, y no es, un disco que representa al Pink Floyd de toda la vida.
Lo he escuchado bastante, detenidamente, varias veces... y creo que tengo todo el derecho a dar una opinión.
Ambient, rock... rock progresivo. Centrado en los teclados de Wright, este no es un álbum que se pueda juzgar tema por tema, a mi parecer, salvo "Louder Than Words", como single del disco y único tema cantado también, sino que debe tomarse como un único bloque, pese a estar separado como sonido en sus cuatro partes, ya que sigue una misma estructura durante el álbum.
Muchos han dicho y dicen que es sólo una jugada comercial por puras ganas de sacar más dinero del nombre Pink Floyd. Otros, afirman que es la peor despedida para algo tan grandioso como lo fue Pink Floyd... algunos más, que es sólo un junta y pega de sesiones que para Rick fueron deshechos... yo respondo, ¿y eso qué?.
Para alguien de mi generación, que ni imaginábamos que algo bajo el sello Pink Floyd saldría a tomar vida durante nuestros años de existencia... que creíamos que Pink Floyd no sería más que un anhelo del pasado... nos sentimos contentos, porque si bien es material antiguo, mezclado con arreglos compuestos hoy, ya que para nosotros... o al menos para mí, es como si se alzara frente mío una enorme torre blanca de entre lo que fueron los escombros de un viejo elefante gris. Un canto del cisne.
Tiene algo de "Echoes", de "Shine on You Crazy Diamond", un sabor al "Dark Side...", una envoltura de campana dividida. "The Endless River" es un álbum que nos reclama paciencia, serenidad e hígado. Hígado porque es muy complicado de escuchar, creo, ya que el género que parece predominar sus paredes es el ambient... un género poco querido por el público común y corriente, ya que demanda mucho cerebro para poder escucharlo.
A mí me ha gustado, y mucho más allá de eso, va a ser un gusto para mí poder contarle a mis hijos que viví el año en que salió a la luz el último suspiro del más grande del prog...
Eso es todo... escúchenlo ustedes... tomen las cosas como vienen.
Bueno, debo iniciar con la lamentable noticia, de hace algunos días, de la partida del querido y estimado Lou Reed, quien falleció hace poco a los 71 años de edad, y que obviamente recibirá un post conmemorativo, apenas me de un tiempito, recordando su exitosa carrera... como solista y liderando a la que es, sin dudas, una de las bandas que más influyó en la historia de la música. Pero por el momento le daré stop a "Sunday Morning" y play al álbum con el que me he estado enviciando estos últimos días... "Meddle", sexto álbum de estudio de Pink Floyd, del que hablaremos el día de hoy y del que quería escribir desde hace varios días pero que tuve que posponer por cosas de la vida, sobre todo por cierta buena cantidad de trabajo que he tenido y por el lanzamiento de "Reflektor", el cual me he dedicado a escuchar todo este santo día. Pero ya me puse en orden (más o menos), y podré dar algo de rienda suelta a mis ansias de pinkfloyar.
Lanzado a finales de 1971, "Meddle" es uno de esos discos a los que por un tiempo no había prestado mucha atención, pero con el tiempo, y al tenerlo dentro de mi colección (tengo todos los LP's de PF en versión digital), decidí ponerme a escucharlo de manera íntegra como parte de mi ruta "escuchando todos los álbumes de Pink Floyd de forma íntegra". Al empezar "One of These Days" un sentimiento de entusiasmo y de haber encontrado un tesoro perdido se encendió en mí, era fascinante el trabajo brutal que se había logrado con el bajo, y el cuerpo que le otorgaba Wright al tema con el Hammond era soberbio. Luego "A Pillow of Winds" extendía en su mano un halo de acústica tranquilidad hablándonos del amor, cosa algo extraña dentro de la estética general de los Floyd. "Fearless" continúa la nota acústica, está vez con una guitarra a la española, acompañada con algunos sonidos de gente cantando en el estadio, se convirtió en uno de los hits principales de la banda y tema representativo dentro del fútbol británico. "San Tropez" es la siguiente en aparecer, un tema muy a lo acústico-music hall, donde el piano hace un trabajo jazzístico excelente. La canción muestra una visión idealizada de un día en San Tropez, comuna situada al sur de Francia. "Seamus" es el tema que cierra la cara A de "Meddle". Un blues de sonido bastante clásico. El nombre de la canción proviene del nombre del perro (perteneciente al líder de Humble Pie y de Small Faces, Steve Marriott) quién aulló en la versión del álbum. El lado B lo compone totalmente uno de los temas más clásicos y representativos de la banda: "Echoes", que con sus 23 minutos y medio, satisface completamente a todo buen amante del progresivo. Ya que, por un lado, es la tercera canción más larga de la banda, además de ser una donde la improvisación se da en su más excelso desarrollo, con momentos alucinantes del sintetizador, que otorga momentos excelsos de música cósmica. La letra es bastante etérea y se da para diversas interpretaciones, cuya base es la contemplación de la vida. "Echoes" valida algo que siempre he dicho basándome en la experiencia del jazz: lo más importante en la música es darse el tiempo de hacer varias jam sessions de manera extensa, sobre todo si se tiene pretensiones progresivas. La improvisación denota cuán compenetrada se encuentra la banda.
En conjunto "Meddle" es un álbum bastante suave y de tonalidades románticas, no necesariamente en las letras, pero sí en los solos y melodías, como en el caso de "Echoes", plagado de riffs suaves.
Y bueee... Espero más adelante analizar un poco más "Meddle" para ustedes... Prometo esta semana estar de vuelta con más fuerza en el blog!
Para algunas personas resulta un tanto inadmisible y algo extraño mis preferencias cuando de clásicos se trata. En Pink Floyd, por ejemplo, mi álbum favorito es "The Division Bell" (cosa que ya he dicho antes). Ahora, cuando de canciones se trata, "The Final Cut" posee una de las que, a mi parecer, es de las mejores de la banda británica, y a la vez, uno de los mejores temas escritos por Waters. Me refiero a la canción que abre el disco que trataremos hoy: "The Post War Dream", que, si bien está dentro de la temática del álbum, es bastante ajena a la opereta que se desarrolla en el lado A del mismo.
Pero bueno, iniciemos hablando del álbum para luego adentrarnos en lo profundo de "The Post War Dream".
Este disco, me parece, es de los mejores de Pink Floyd, y para entenderlo, tenemos que hacer un pequeño viaje a través de la vida de Waters y de los hechos que rodeaban la realidad británica de la primera mitad de los ochentas (el álbum fue lanzado en 1983). "The Final Cut" es un álbum completamente antibélico con tonalidades de ópera rock, con cierta herencia de "The Wall", aunque con una temática diferente. En este disco Waters trata de lo que él considera la traición hacia los militares británicos caídos, como su padre, quienes durante la Segunda Guerra Mundial sacrificaron su vida para poder vivir el sueño de la posguerra. Este sueño era que la victoria (aliada) haría del mundo un sitio más pacífico, en el cual los mandatarios no querrían volver a entrar en disputas bélicas. Las letras son críticas contra Margaret Thatcher, cuyas políticas y decisiones fueron vistas por Waters como un ejemplo de traición, ya que era la principal promotora de lo que sería la Guerra de las Malvinas (¿promover una guerra cuando nuestros soldados murieron para que el mundo pueda vivir en paz?). Se refiere a ella como "Maggie" a lo largo del álbum.
La canción "The Post War Dream" me parece una de las más hermosas de Pink Floyd, y de las mejor escritas por Roger Waters. Aunque, como dije al principio, es ciertamente ajena al desarrollo completo de la cara a la que pertenece, representa individualmente el espíritu del álbum entero. Empieza con el sonido de vehículos pasando por una carretera, seguidos luego por una radio que va cambiando de frecuencias, en las cuales escuchamos fragmentos de noticias: "...a group of business men announced plans to build a nuclear fallout shelter at Peterborough in Cambridgeshire...". (cambio de radio) "...three high court judges have cleared the way...". (cambio de radio) "...It was announced today, that the replacement for the Atlantic Conveyor the container ship lost in the Falklands conflict would be built in Japan, a spokesman for...". (cambio de radio) "...moving in. They say the third world countries, like Bolivia, which produce the drug are suffering from rising violence...".
(En español: "...un grupo de empresarios anunció planes de construir un refugio contra bombas nucleares en Peterborough, Cambridgeshire...". (cambio de radio) "...tres jueces de la corte suprema se hicieron camino...". (cambio de radio) "...Fue anunciado hoy, que el reemplazo para el Atlantic Conveyor, el barco contenedor perdido en el conflicto de las Malvinas, será reconstruido en Japón. Un vocero para...". (cambio de radio) "...entrando. Dicen que los países del tercer mundo, como Bolivia, los cuales producen droga, están sufriendo violencia en aumento...".
Y entonces empieza la letra: Tell me true, tell me why, was Jesus crucified (dime la verdad, dime por qué fue crucificado Jesús - yo lo entiendo como una analogía con los soldados que se sacrificaron para que tengamos un mundo mejor, y a la misma vez se da el sentido claro en la estrofa... Jesús no murió para que terminemos matándonos los unos a los otros). Is it for this that Daddy died? (es por esto que murió papá? - ¿más claro? el agua... La pregunta eterna del niño que llevaba dentro Waters). Was it for you? Was it me? (fue por ti? fui yo? - La culpabilidad salta a la vista) Did I watch too much T.V.? (vi mucha televisión? - la culpabilidad del niño que se pregunta si quizá todo fue porque el no hizo caso a las recomendaciones paternales). Is that a hint of accusation in your eyes? (¿Eso es un indicio de acusación en los ojos? - obviedades...). If it wasn't for the nips, being so good at building ships, the yards would still be open on the Clyde. (si no fuese por los japoneses que son tan buenos construyendo barcos, los astilleros seguirían abiertos en el Clyde - creo que es claro si se fija uno en la sección de los extractos radiales y conoce algo de geografía británica... el río Clyde, uno de los principales de Escocia, el cual atraviesa la ciudad de Glasgow, es posiblemente el río más importante por la construcción de barcos y el comercio en el Imperio Británico). And it can't be much fun for them, beneath the rising sun, with all their kids committing suicide. (y no puede ser muy divertido para ellos, bajo el sol naciente, con todos sus hijos suicidándose - alusión a los ataque kamikaze, término utilizado originalmente por los traductores estadounidenses para referirse a los ataques suicidas efectuados por pilotos de una unidad especial perteneciente a la Armada Imperial Japonesa contra embarcaciones de la flota de los Aliados a finales de la Segunda Guerra Mundial). What have we done, Maggie what have we done? What have we done to England? (¿Qué hemos hecho, Maggie, ¿qué hemos hecho? ¿Qué le hemos hecho a Inglaterra? - ¿está claro no?) Should we shout, should we scream "What happened to the post war dream?" Oh Maggie, Maggie what have we done? (¿Hay que gritar, debemos gritar "¿Qué pasó con el sueño de la posguerra?" Oh Maggie, Maggie ¿qué hemos hecho? - en este punto me parece a mí que queda todo absolutamente claro...).
La melodía está en su mayoría con tonada de réquiem, iniciada por un sonido suave de los sintetizadores y un calmado vocal de Waters, seguido de arreglos instrumentales, para luego romper en un sonido de guitarras, con un solo corto pero espectacular...
Ay...
"The Final Cut" se planeó inicialmente como banda sonora para la película de 1982, "Pink Floyd The Wall". Bajo su título inicial, "Spare Bricks", la idea era que contuviese canciones de "The Wall" sin cambios o simplemente regrabadas para la película. Algunos ejemplos incluían "When the Tigers Broke Free" y "Bring the Boys Back Home". Sin embargo Roger Waters planeaba incluir además material nuevo para expandir la narrativa de "The Wall". Debido a la Guerra de las Malvinas, Waters decidió cambiar de dirección y comenzó a componer material nuevo. Siendo socialista de corazón, vio la respuesta de invasión de la Primera Ministra del Reino Unido Margaret Thatcher como algo innecesario, por lo que decidió dedicar el nuevo álbum - titulado provisionalmente "Requiem for a Post-War Dream" - a su padre, Eric Fletcher Waters. Esta nueva dirección creativa creó una serie de disputas entre Waters y Gilmour. Varias piezas musicales de "The Wall", incluyendo "Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Final Cut" y "The Hero's Return", se habían apartado para "Spare Bricks". A pesar de que Pink Floyd había reutilizado material antiguo en otras ocasiones, Gilmour sentía que no era lo suficientemente bueno para el nuevo disco. Quería componer material nuevo, pero Waters tenía dudas, ya que Gilmour prácticamente no había contribuido con letras en los últimos tiempos.
A excepción de la pista introductoria, "The Post War Dream" (repito), la primera cara es una ópera rock corta que trata sobre la difícil situación mental de un veterano de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista se convierte en un profesor de escuela abusivo y a lo largo de las cinco siguientes pistas ("Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Hero's Return", "The Gunner's Dream" y "Paranoid Eyes") se examina su vida después de la guerra en detalle, centrándose en la depresión consecuencia del trastorno por estrés postraumático. Se va alejando de su esposa y le persigue la memoria de la muerte de sus compañeros soldados, incluyendo las últimas palabras de un artillero oídas a través de un interfono. En un deseo de volver a controlar su vida, paga sus frustraciones con sus alumnos. Este personaje ya había aparecido anteriormente en el álbum previo de Pink Floyd, "The Wall", donde se le achaca haber abusado del protagonista en su etapa escolar. En la narrativa de "The Wall", específicamente en la canción "The Happiest Days of Our Lives", tiene una esposa "psicopática", quien le apalizaba a menudo. El tema vuelve a aparecer en "The Hero's Return" como una sensación de alienación que siente el veterano hacia su mujer y sus alrededores. La porción de ópera rock del disco acaba con "Paranoid Eyes", en donde el veterano se refugia en el alcohol, eligiendo así ocultar sus verdaderos problemas al resto del mundo. La segunda parte del álbum trata sobre varios temas bélicos. "Southampton Dock" es un lamento dedicado a los héroes de guerra que regresan y para los soldados que se encaminan hacia una muerte segura, mientras que "Not Now John" habla de la ignorancia de la sociedad hacia los problemas económicos y políticos. "Get Your Filthy Hands Off My Desert" trata sobre los sentimientos de Waters hacia la guerra y la invasión, y "The Fletcher Memorial Home" refleja sus fantasías sobre reunir a políticos como Leonid Brezhnev, Menachem Begin, Leopoldo Galtieri y Margaret Thatcher para ejecutarlos a todos. "The Final Cut" trata sobre las intimidades más profundas de Waters; la letra trata las repercusiones provenientes del aislamiento y las represiones sexuales, mientras intenta cometer suicidio y se esfuerza por reconectar con el mundo que tiene a su alrededor. El álbum termina con "Two Suns in the Sunset", una canción que retrata un holocausto nuclear, dando como resultado final un mundo obsesionado con la guerra y el control.*
Este disco inicia la década ochentera de Pink Floyd, que dio sólo dos álbumes como fruto, el que tratamos hoy y "A Momentary Lapse of Reason" (1987). El primero se ve más como un trabajo como solista de Waters (Wright no estaba ya con ellos, Mason y Gilmour contribuyeron poco y sólo con el trabajo instrumental, aunque este segundo dio los vocales al tema "Not Now John"), el segundo, marca el regreso de Richard (como músico asalariado, para luego integrarse como miembro en 1994 con "The Division Bell") y el claro dominio de Gilmour (con cierta influencia de Mason), por lo tanto en esta década tan recordada, se da el quiebre de la sociedad Waters-Gilmour. "The Final Cut" (el montaje final), para Waters, era el último aliento del más grande monstruo del prog, por lo que intentaría asegurarse de que David Gilmour y compañía no pudiesen usar más el nombre de la banda, cosa que no pudo conseguir al final de cuentas (dos álbumes post-Waters lo delatan). Así que en el fondo, tanto este como "A Momentary Lapse of Reason" se ven más como trabajos individuales de los principales miembros de Pink Floyd que como floydeadas per se.
El compositor y director de orquesta estadounidense Michael Kamen (un contribuyente en las secciones orquestales de The Wall), medió entre Waters y Gilmour, e hizo de teclista, reemplazando al ausente Richard Wright. También se encargó de la dirección y arreglos de la National Philharmonic Orchestra, además de parte de la producción.
Yo creo que podría utilizarse un estribillo de la letra de "The Post War Dream" para describir los últimos momentos del Pink Flyd watergilmuriano: What have we done, David what have we done? What have we done to Pink Floyd?.
En la reedición de este disco del 2004, se incluyó en el cuarto lugar el tema "When the Tigers Broke Free", lanzado originalmente como single en el '82, previo lanzamiento del disco, y que fuera escrita por Waters dedicada para su padre.
La compañía Hipgnosis, diseñadores de la mayoría de diseños artísticos anteriores de Pink Floyd, se había disuelto. Storm Thorgerson, miembro fundador, fue descartado para diseñar la portada, de la que se encargó Waters, usando fotografías tomadas por su cuñado, Willie Christie. La portada muestra las amapolas típicas del día de los caídos y cuatro medallas de la Segunda Guerra Mundial sobre un fondo de tela negro. De izquierda a derecha las medallas son la Estrella de 1939-45, la Estrella de África, la Medalla de la defensa y la Cruz de vuelo distinguido.
En el interior de la cubierta desplegable del disco aparecen tres fotografías: La primera representa una mano extendida sujetando tres amapolas con un soldado en mitad de un campo a lo lejos. La segunda, muestra un soldador portando una máscara de soldador con una pequeña bandera japonesa, idéntico a la portada del sencillo "Not Now John". La tercera representa una explosión nuclear vista desde dentro de un coche, refiriéndose a "Two Suns in the Sunset". Dentro de la cubierta aparecen todas las letras de las canciones.
La contraportada representa a un soldado de pie sujetando un carrete, con un cuchillo sobresaliendo de su espalda (según Nicholas Schaffner (escritor norteamericano), el carrete y el cuchillo podrían reflejar la tumultuosa relación de Waters con Alan Parker durante la grabación de The Wall).
La etiqueta de la Cara A del vinilo muestra un campo de amapolas, mientras que la Cara B muestra un soldado apuñalado por la espalda, tirado en el suelo cerca de un campo de amapolas. A su lado se ve un perro sentado.
A mí parecer, y dando por terminado el post acerca de este disco, pese a lo agridulce que le resultó a la crítica (aunque fue número uno en ventas en Inglaterra, cosa que no ocurrió en los Estados Unidos), me parece que este disco está muy subestimado, y creo de manera fehaciente que "The Final Cut" merece un sitial mayor dentro de la historia de los Floyd y del prog en general.
Entre los álbumes que más me gustan (en general y de rock progresivo) se encuentra "I Robot", el segundo álbum de estudio de The Alan Parsons Project lanzado a mediados de 1977 y poseedor de uno de los mejores temas (a mí entender) del proyecto británico; "Don't Let It Show", tema con el que me envicio bastante seguido...
"I Robot", álbum conceptual inspirado en el conjunto de relatos cortos "Yo, Robot" del escritor Isaac Asimov (uno de mis favoritos), hace uso extensivo de las nuevas capacidades (en ese entonces) del sintetizador Moog de los estudios de la EMI, que también ofreció esas facilidades para el primer disco del proyecto; "Tales of Mystery and Imagination".
Definir el álbum por excelencia de The Alan Parsons Project sería imposible, ni siquiera el "Eye in the Sky", salvo por la popularidad extensa que ha logrado, sería capaz de enarbolar tal título, ya que la obra del proyecto de Eric y Alan ha sido bastante equilibrada en calidad y buen trabajo, fuera ya de la cuestión de gustos e ideas personales que cada oyente pueda tener.
El álbum fue pensado para estar basado en las historias de "Yo, Robot" (I, Robot) escritas por Asimov. Es más, en realidad Woolfson habló con Asimov, quien se mostró entusiasmado con la idea. Pero, dado que los derechos ya habían sido concedidos a una empresa de cine y televisión, el título del álbum se alteró ligeramente quitando la coma, y el tema y las letras se hicieron para ser más genéricas y no tan específicas del universo Asimov.
En el cover interior del disco reza lo siguiente: "Yo Robot ... La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que, paradójicamente, coincidió con el descubrimiento de la rueda ... y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará , porque el hombre trató de crear al robot a su propia imagen".
Los singles de este álbum fueron "I Wouldn't Want to Be Like You", "Don't Let it Show" y "Day After Day (The Show Must Go On)".
Musicalmente "I Robot" mantiene la esencia clásico-progresiva de su predecesor, aunque esta vez con una mayor cantidad de momentos mainstream. Permanecen los grandiosos arreglos sinfónicos de Powell y los excelentes trabajos corales que, a lo largo del tiempo, han identificado al proyecto británico.
Es en este álbum donde por primera vez Alan Parsons y compañía hacen uso de la temática y melodía melosa y romántica, sentimental. Esta está impregnada en "Don't Let it Show" (mi canción favorita del disco, como ya dije al inicio), donde escuchamos a un individuo x, diciéndole a su ex pareja qué debía hacer y cómo debía comportarse cuando le recordase. El que interpreta esta canción es Eric Woolfson, quien dio los vocales a los principales éxitos de la banda ("Eye in the Sky", "Time", "Don't Answer Me", entre otros), y¡oh! sorpresa, esta canción fue el primer hit comercial y la primera en consagrarse como clásico de The Alan Parsons Project.
En verdad tiene razón Parsons al arrepentirse de no haber usado más a Eric en los vocales de sus canciones.
"Breakdown", tema que aparece precediendo a "Don't Let it Show", entró en rotación en emisoras AOR y hasta hoy sigue siendo incluida en la programación de radios dedicadas al rock clásico. La letra es bastante robótica con obvias aluciones a "Yo, Robot". Si bien suena como un tema bastante pop rock, en el segmento final de la canción aparecen unos coros soberbios repitiendo "freedom, freedom" (con más letra, claro, pero yo la reduzco a eso ja, ja), de los que se encargó Andrew Powell. El tema lo canta Allan Clarke, quien fuera miembro fundador de The Hollies, que, como he dicho ya antes, trabajaron también con Parsons. En "Tales of..." aparece Terry Sylvester, otro ex Hollies.
"Breakdown" dejó herencia en el disco solista de Eric Woolfson "Poe: More Tales of Mystery and Imagination" (2003), continuación del primer álbum de TAPP, en el tema "Bells" (musicalización del poema de Poe de mismo nombre).
Para cerrar lo de esta canción sólo me queda decir algo, sin querer caer en lo facha; su intro me recuerda al posterior y clásico "Kashmir" de Led Zeppelin.
"I Robot" tiene también la característica de introducir por primera vez melodías de corte funk en TAPP. Ejemplo de ello es "I Wouldn't Want to Be Like You", otro de los temas importantes del disco. El instrumental introductorio homónimo del disco también tiene cierto ritmo disco por momentos.
Este disco, al igual que el anterior, tiene líneas de música non-stop, que las componen las canciones "The Voice" (cantada), junto con "Nucleus" (instrumental) y "Day After Day (The Show Must Go On)" (otro single importante, que al lado de "Don't Let it Show" y "Some Other Time" son los tranquilitos del disco), componen lo que vendría a ser el primer bloque de canciones non-stop. El segundo y último lo componen "Total Eclipse" y "Genesis Ch. 1 V. 32", ambos instrumentales. Los dos bloques non-stop se dan al lado B de "I Robot".
Es justo en el último tema del álbum, "Genesis Ch. 1 V. 32", que se da una nota curiosa: el título da continuación al tema de la frase que aparece en el cover interior del disco ("Yo Robot ... La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que, paradójicamente, coincidió con el descubrimiento de la rueda ... y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará , porque el hombre trató de crear al robot a su propia imagen"). Esto se explica debido a que Génesis tiene sólo 31 versos, entonces, al colocar el "32" en el nombre del instrumental, se da a suponer una continuación en la historia de la Creación.
Interesante detalle.
Cover del Legacy Edition. El disco está disponible en Amazon.
"I Robot" ha sido reeditado varias veces en varios formatos desde su lanzamiento inicial en vinilo.
Mobile Fidelity Sound Lab (MFSL) lanzó el álbum en vinilo estándar (MFSL 1-084), UHQR vinilo (MFQR 1-084), y en CD de aluminio (MFCD-1-804). Classic Records ha lanzado el álbum en forma analógica en vinilo de 180 gramos, así como en formato digital en HDAD (24bit/192 kHz y 24bit/96 kHz DVD-Audio).
En 2007, como parte de una campaña más amplia, Sony lanzó una versión remasterizada con bonus tracks en el CD.
La más reciente edición del disco es la de Legacy Records (división de catálogo de Sony Music Entertainment, populares por los discos recopilatorios de diversas bandas titulados "Playlist: The Very Best of.." y "The Essentials"), por los 35 años de "I Robot", la cual contiene demos y extractos de las sesiones de grabación, además de un comercial de radio. Esta versión especial fue lanzada el mes pasado.
Para terminar sólo me queda decir que este es un disco esencial para todo aquel que gusta del buen rock, prog, o simplemente buena música.
Tracks:
I Robot (instrumental)
I Wouldn't Want to Be Like You
Some Other Time
Breakdown
Don't Let It Show
The Voice
Nucleus (instrumental)
Day After Day (The Show Must Go On)
Total Eclipse (instrumental)
Genesis Ch.1. V.32 (instrumental)
PD: he estado desaparecido últimamente por dos cosas: estoy preparando un blog dedicado a mi fanatismo por TAPP, y además, ahora tengo un perrito que cuidar. 09/Octubre/2013
"Tango" es sin duda alguna, el álbum que contiene el single más popular en la historia del rock en español, por lo menos de la década de los ochenta. Me refiero a "Hablando a Tu Corazón", tema que hasta el día de sigue vigente, y que inclusive se sigue transmitiendo por diferentes radios afines al género.
Existe también una versión de "Hablando a Tu Corazón" hecha por la monumental Mercedes Sosa, versión que apareció en su disco de 1997 "Alta Fidelidad", compuesto por puros covers de canciones de su compatriota Charly García, autor, juntos a Pedro Aznar, de "Tango", que es el primer de tres trabajos de ambos músicos juntos. "Tango" quedó plasmado en un maxi-single, ya que con sus seis temas sobrepasaba la cantidad de temas de un single, pero no llegaba a la de un LP... así que si deseamos ponernos exquisitos, podríamos definir "Tango" como un mini álbum.
El disco fue grabado en diciembre de 1985 en la ciudad de Nueva York y fue presentado el 29 de marzo del '86, tras lo cual seguiría una extensa gira que llevaría "Tango" por trece ciudades del interior de Argentina. Charly García dijo acerca de este trabajo lo siguiente: me gusta trabajar con Pedro, aunque cuando toco sus temas, tengo que leer doscientos mil acordes en un segundo.
"Tango" es un disco lleno de excelentes melodías, pero en la cuestión medular del contenido de las canciones, es muy disparejo. Por ende este es más un disco lleno de buenos singles que un álbum con temática central. Esto debido al poco tiempo que tuvieron para escoger el material, entre otras cosas. Aún así, estamos delante de un muy buen y exitoso trabajo.
Los temas que componen "Tango" son "Ángeles y Predicadores", compuesto por Aznar y García. "Culpable Eternamente", de Aznar, "Pasajera en Trance" de García, "Gramercy Park Hotel" de Aznar y García, "Hablando a Tu Corazón" de García y "La Gente Es la Misma" de Pedro Aznar.
El sonido del álbum se caracteriza por un fuerte uso de los sintetizadores, que le dan esa estética y textura única de los ochenta. Definitivamente "Tango" es el mejor representante hispanoamericano de la década más recordada por todos. Y claro, sobre todo por ese tema que todos hemos escuchado alguna vez; "Hablando a Tu Corazón".
"Hablando a Tu Corazón" es una de mis canciones favoritas... me pongo mis audífonos, subo el volumen y disfruto el excelso trabajo del bajo (ja ja, hice rima!), que es la columna vertebral del tema, seguido de los detalles del sintetizador, que le dan la fuerza... y la batería reforzando el espíritu perenne en esta canción. Sin lugar a dudas Charly deja sentado en esta canción toda su maestría.
Apostaría a que en algún momento de tu historia... sí, tú, esa persona que me lee, le dedicarás "Hablando a Tu Corazón" a alguien especial...
Bueno. Como les había prometido hace unos días, le hemos dado una lavada de cara al blog, con un nuevo diseño, más claro, versátil y acorde a las necesidades del lector, entre otras cosas. Diseño del que se encargó mi hermano Rafael, que actualmente y por obvias razones es el webmaster de Pentagramario.
Así que todos los cambios y nuevo look patentes en nuestro blog, son gracias a él. Ha sido un excelente trabajo!
Ahora sí. El día de hoy decidí hacer una lista de veinte baladas que marcaron la década de los ochenta. Sin temor a equivocarme podría asegurar que al menos una de estas es parte de su lista de reproducción, que al menos una de estas la han dedicado alguna vez y que, al menos una de estas les encanta... Es más, puedo decir que al menos una de estas te trae recuerdos, y hasta te estruja el corazón... Así que empecemos con esta lista preparada por quien les escribe.
01- Drive - The Cars.
Compuesta por Ric Ocasek y single principal de disco de 1984 de The Cars: "Heartbeat City", "Drive" marcó el sonido pop rock y new wave de la década de los ochenta, y es sin duda alguna, uno de los clásicos ochenteros que jamás perderán vigencia. La canción nos habla básicamente de un hombre que conoce todos los detalles de una mujer, y que está dispuesto a llevarla a su casa a pesar de cualquier contradicción.
02- Nothing's Gonna Stop Us Now - Starship
Año 1987, del álbum "No Protection". "Nothing's Gonna Stop Us Now" es una canción escrita por Albert Hammond y Diane Warren, grabada e interpretada por Starship. Conocida por ser el tema principal del film Mannequin, alcanzó el primer puesto del Billboard Hot 100 el 4 de abril de 1987 y también el primer puesto del UK Singles Chart por cuatro semanas en mayo de 1987.
03- I Want to Know What Love Is - Foreigner
"I Want to Know What Love Is" es una canción grabada en 1984 en el Reino Unido por Foreigner, banda de origen estadounidense. La canción alcanzó el primer puesto en las listas tanto de EE.UU como del Reino Unido. Es el single principal del disco "Agent Provocateur".
04- Every Breath You Take - The Police
"Every Breath You Take" es una canción compuesta por Sting e interpretada por The Police. Single principal del álbum "Synchronicity", lanzado en el año 1983. El tema se convirtió en un gran éxito ese año, manteniéndose hasta hoy como una de las referencias de la banda. Gracias a este tema, Sting ganó el Grammy de la edición de 1984 a la canción del año, y The Police consiguió el premio a la Mejor actuación pop por un dúo o grupo. Además, se encuentra en la posición 84 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.
05- Take My Breath Away - Berlin
"Take My Breath Away" es una canción interpretada por la banda norteamericana Berlin como parte del film "Top Gun" y de la banda sonora homónima. La balada se caracteriza por un notable sonido cadencioso y melancólico, así como por la predominancia de un bajo de sintetizador.
06- Every Rose Has Its Thorn - Poison
Esta canción es el tercer single del álbum "Open Up and Say...Ahh!" de la banda de glam metal Poison. Es una power ballad lanzada en octubre de 1988. Es hasta ahora la mejor canción de la banda en éxito en Charts, llegando a posicionarse en el 1 lugar por 3 semanas consecutivas en la Navidad de 1988 y la primera semana de 1989 en los Estados Unidos. También llegó al puesto 13 en Inglaterra.
07- She Don't Know Me - Bon Jovi
"She Don't Know Me" es el segundo single del álbum debut de la banda Bon Jovi (homónimo), lanzado el año 1984.
08- The Best - Bonnie Tyler
"The Best" es una canción escrita por Mike Chapman y Holly Knight, originalmente grabada por Bonnie Tyler en su versión de 1988 del disco "Hide Your Heart". El single alcanzó el puesto 10 en Noruega y Portugal, 34 en España y 95 en el Reino Unido. Cabe resaltar que en 1989 Tina Turner lanzaría un cover de esta canción como parte de su álbum "Foreign Affair".
09- Time After Time - Cyndi Lauper
“Time After Time” es una balada pop escrita por Cyndi Lauper y Rob Hyman, para el álbum de estudio debut como solista de la primera, titulado "She's So Unusual", que también fue el más trascendental de su carrera. La canción tuvo un gran recibimiento comercial, y es su segundo single con mejor aparición en los charts, después de "Girls Just Want to Have Fun"; alcanzando el primer lugar el 9 de junio de 1984 en los Estados Unidos por dos semanas. Es colocada en muchas listas de 'las mejores canciones' tanto de la década o todos los tiempos.
10- Always on My Mind - Elvis Presley
"Always on My Mind" es una canción compuesta por Johnny Christopher, Mark James y Wayne Carson Thompson para Elvis Presley, quien grabó la canción el 29 de marzo de 1972. El film de la sesión de grabación apareció en el documental de 1981 "This is Elvis". Aunque Elvis fue el primero en grabarla, la primera versión en publicarse fue la de Brenda Lee. En 1982, Willie Nelson tuvo una interpretación de esta canción que llegó a ser nombrada "la canción del año" en 1982 y en 1983 por la Asociación de la Música Country. En 1988 los Pet Shop Boys presentaron una nueva versión.
11- Open Arms - Journey
Esta es una canción grabada originalmente por el grupo de rock estadounidense Journey, escrita por Steve Perry y Jonathan Cain, dos de los miembros de la banda. Se trata de una balada que describe la situación de aquellos que discuten con sus parejas y que intentan reconciliarse empezando de nuevo con los "brazos abiertos". Fue lanzada como parte del álbum de 1981 "Escape".
12- One More Night - Phil Collins
One More Night" es el primer single del tercer álbum de Phil Collins, "No Jacket Required", de 1985. "One More Night" fue el segundo single de Phil Collins en llegar a ser un número uno en los Estados Unidos.
13- Right Here Waiting - Richard Marx
Esta es una canción compuesta e interpretada por el cantante estadounidense Richard Marx. La balada fue grabada para el segundo álbum del músico Repeat Offender y publicada a mediados de 1989. Alcanzó el puesto número 1 en el Billboard Hot 100 y el puesto 2 en la Lista de Sencillos del Reino Unido.
14- Listen to Your Heart - Roxette
"Listen to Your Heart" es una canción del dúo sueco Roxette, escrita por Per Gessle y Mats Persson e incluida en su disco de 1988 "Look Sharp!". Tiene una versión en español grabada por el dúo titulada "Habla el corazón" que aparece en su exitoso álbum "Baladas en español" de 1996.
15- With or Without You - U2
Para muchos la mejor canción de U2, single principal del que para muchos más, es el mejor disco de los irlandeses; "The Joshua Tree", del año 1987. "With or Without You" fue lanzada como el primer single del álbum el 21 de marzo de 1987, convirtiéndose de esta manera en el primer tema de U2 en alcanzar el número 1 en los Estados Unidos, donde permaneció durante un plazo de tres semanas.
16- Eye in the Sky - The Alan Parsons Project
Aunque se dice que la letra es en parte una alusión a la novela "1984" de George Orwell, y puede que no falte razón en ello, personalmente pienso, al igual que otras personas, que el sentido de esta canción va más allá.
Compuesta por Alan Parsons y cantada originalmente por Eric Woolfson, "Eye in the Sky" es la segunda canción del disco de 1982 que lleva su nombre, y es también, la canción más exitosa que The Alan Parsons Project lanzó en toda su carrera. El disco al que pertenece, abre con el tema "Sirius", un instrumental estupendo con una espectacular melodía del sintetizador y los teclados, acompañada con un magnífico solo de guitarra... "Sirius" no es otra cosa que el tema introductorio de "Eye in the Sky"...
El sonido de esta canción es un clásico pop rock ochentero con sus tonos progresivos, donde la batería y la guitarra se llevan la mayor parte de los aplausos, además de los vocales, claro. La letra, tiene un sentimiento profundo de sinceridad, compuesta por un orden claro y directo de las cosas, sin preámbulos ni falsas analogías.
17- What It Takes - Aerosmith
"What It Takes" es un single de la banda de hard rock estadounidense Aerosmith. Fue escrito por Steven Tyler, Joe Perry, y Desmond Child. Lanzado en 1989 como el tercer single del álbum "Pump".
18- Making Love Out of Nothing at All - Air Supply
"Making Love Out of Nothing At All" es una balada escrita y compuesta por Jim Steinman (conocido por ser el colaborador y compositor de la trilogía de Meat Loaf "Bat Out of Hell") y lanzada por primera vez por el grupo de soft rock australiano Air Supply, en su álbum recopilatorio de 1983 "Greatest Hits". Alcanzó el número 2 en el Billboard Hot 100.
19- Rough Boy - ZZ Top
"Rough Boy" fue el tercer single de la banda de rock ZZ Top, parte de su álbum "Afterburner", del año 1985. La canción alcanzó el número 5 en el Rock Tracks álbum y N º 22 en el Billboard Hot 100, así como el número 23 en el UK Top 40.
20- I Know You're Out There Somewhere - The Moody Blues
Esta es una canción del año 1988 de la banda de rock progresivo The Moody Blues. Fue escrito por el guitarrista Justin Hayward, y es la secuela del single de 1986 "Your Wildest Dreams", también escrito por Hayward. Después de su lanzamiento como sencillo en mayo de 1988, fue incluido como tema de apertura del álbum de 1988 "Sur La Mer".
La canción continúa la letra de "Your Wildest Dreams". La letra de "Your Wildest Dreams" cuenta la historia de un hombre que está recordando su primer amor, y se pregunta si ella le recuerda de la forma en que él la recuerda a ella. En "I Know You're Out There Somewhere", el hombre se da cuenta de que todavía la ama, y se compromete a "volver" a ella.
Y bueno... Ahora les toca a ustedes ponerse a escucharlas!
Siguiendo dentro del pase de revista a los discos de estudio de Sui Generis, hoy les traigo el cuarto y último de estos; "Sinfonías Para Adolescentes" lanzado el 30 de octubre del 2000 (un día antes de que yo cumpliera 6 años), luego de 25 años de su separación en el estadio Luna Park, el conjunto se reunió y grabó este disco, compuesto de covers elegidos por Charly García, nuevos temas del grupo (seis en total) y algunos temas olvidados; "Cuando Te Vayas", "Espejos", "Monoblock", "Afuera de la Ciudad" y "Juan Represión". Con un sonido muy a lo crossover prog, debido al lado pop que desarrolló Charly durante los '80.
Las grabaciones de "Sinfonías Para Adolescentes" fueron un momento tenso para Nito, ya que el disco se volcó hacia las pretensiones de Charly (como el hecho de tocar covers elegidos por él, de usar su propia banda), cuando debía haber un equilibrio entre ambos. Pero pese a todo, este disco es excelente, ya que combina perfectamente la esencia setentera de Sui Generis con una estética más a lo ochentas...
Y bueno... Sí hay que admitir que en "Sinfonías Para Adolescentes" se siente mucho más a García que a Mestre. Ya que los estilos que desarrollaron estos después de Sui Generis fue muy distinto. Charly hacia algo más progresivo y luego pop, mientras que Nito se fue hacía los blues y el folk, mucho más acústico.
"Vida", lanzado en el año 1972, es el primer álbum de estudio del grupo argentino Sui Generis, compuesto por Charly García (piano, guitarra acústica y voz) y Nito Mestre (flauta, guitarra acústica y voz), a quienes se unían en el debido momento diversos músicos cuando estos eran necesarios.
Parte importante del movimiento rock en el argentina durante sus primeros años, Sui Generis en lo personal me ha dejado una clara marca en mi gusto musical, sobre todo por una canción en especial, perteneciente a este disco; "Quizás Porque".
Para los que me conocen y han venido leyendo en este blog desde el principio saben que mis padres son muy fanáticos de la música de Charly García, Sui Generis y Serú Girán (rock argentino en general), y eso a mí me marcó,. Por sobre todas las cosas tengo un claro recuerdo de ver a mi papá tocando y cantando con su guitarra "Quizás Porque", recuerdo que se ha quedado perenne en mi mente hasta el día de hoy.
Folk rock, blues, nada excepcional terminológicamente hablando, pero musicalmente genial, aunque sencillo. "Vida" es un disco puro e inocente (esto citando textualmente a sus autores..., y en mi opinión también), muy juvenil y sincero. El primer trabajo de ambos miembros de la banda, con ciertas influencias de Procol Harum, los Beatles y grupos de ese estilo, grupos británicos de los que García gustaba mucho.
En mi incesante ir y venir a través la web leyendo y buscando música nueva, me encontré con un curioso grupo que captó mi atención debido al diseño de la portada de su álbum homónimo, me refiero a Fuzzy Duck (nombre bastante llamativo).
Fuzzy Duck fue una banda que apareció a principios de los años setenta, fruto de la unión de miembros de otros grupos, liderados por Mick Hawksworth. Fuzzy Duck es una de las muchas bandas que se pueden encasillar dentro de lo que podríamos denominar el lado oscuro del rock progresivo, debido a lo poco conocidas que eran, y en muchos casos, a su también rápida desaparición. Los miembros del grupo, Paul Francis (batería, percusión), Mick Hawksworth (bajo, voz, acústica de 12 cuerdas, violoncelo eléctrico), Roy Sharland (órgano, piano eléctrico) y Grahame White (guitarra, voz, guitarra acústica), provenían de bandas como Andromeda, The Crazy World of Arthur Brown o Tucky Buzzard, todas dentro de un estilo similar al de Deep Purple en su época temprana (hard rock, blues y prog). Por ende, Fuzzy Duck no estaba compuesto por novatos, eran ya músicos conocedores que se juntaron para hacer lo que mejor sabían.
Fuzzy Duck era un grupo donde el instrumento dominante era el órgano (el famoso Órgano Hammond), que acompañado de un trabajo excelente en la percusión, el bajo y la guitarra, daba como frutos una melodía excelente, donde podríamos encontrar sonidos muy similares a los de Deep Purple o Wishbone Ash, aunque la banda del pato afro más que hacia lo hard mantenía una esencia bastante blues con ciertas características piscodélicas. Pero mejor no me enredo..., en sí se podría decir, si queremos ser muy puntuales, que hacían un buen rock clásico.
Fuzzy Duck también forma parte de las diversas bandas progresivas denominadas "harder-edged" (que puede traducirse como "llevado al extremo").
Esta banda se formó en el año 1970 exactamente, y se separó el año en que se publicó su primer y único álbum de estudio (homónimo), en 1971. Justo ese mismo año se lanzarían varios álbumes importantísimos dentro de la movida prog: "Pawn Hearts" de Van Der Graaf Generator, "Fragile" de Yes, "Meddle" de Pink Floyd, "Led Zeppelin IV" de Led Zeppelin, "Nursery Cryme" de Genesis, entre otros.
Más que nada Fuzzy Duck llama la atención por el nombre y el diseño de la tapa de su álbum, que no fue idea de los miembros de la banda, sino de Jonathon Coudrille, artista, escritor y músico inglés, el cual diseñó la curiosa tapa del disco y acuñó el nombre del grupo (el nombre no tiene nada que ver con el drinking game llamado de igual manera). En sí, la música de Fuzzy Duck no tiene mucho de llamativa u original, sin que esto la desmerezca claro, ya que es muy buena. Y si bien el sonido de estos divertidos ingleses es similar al de muchas otras bandas de su zona y de la época, no se les debe desmerecer... Muchos intentaron sonar igual y no lo lograron...
Este disco contiene en total doce temas que son los siguientes:
Time Will Be Your Doctor
Mrs. Prout
Just Look Around You
Afternoon Out
More Than I Am
Country Boy
In Our Time
A Word from Big D
Double Time Woman
Big Brass Band
One More Hour
No Name Face
Acá les dejo el álbum entero para que lo escuchen y disfruten.
(Lo pueden adquirir por Amazon si desean)
Bien, para empezar, he de disculparme por no haber escrito estos días, en sí he tenido la predisposición de hacerlo, pero surgieron algunos contratiempos, entre ellos, ver la película que lleva el mismo título del álbum del que hablaremos hoy; "Yellow Submarine", el décimo primer y antepenúltimo álbum de estudio de los Beatles, que a la misma vez cumple el rol de soundtrack (de la mencionada película) y de disco recopilatorio (porque algunas canciones que aparecen eran parte de álbumes anteriores o singles lanzados un tiempo atrás). Ya que consideré importante, y lo fue, el ver el filme antes de mandarme a escribir. Así que bueno, un par de cosas antes de empezar; primero, si bien estoy de acuerdo con la influencia de los Beatles en muchas buenas bandas y la cultura musical en general, nunca he sido fan de ellos, siempre he preferido, por varios kilómetros por delante, a sus principales competidores en Norte América; los Beach Boys, ya que de los Beatles, salvo en este álbum y algunos singles, nunca he gustado mucho. Segundo, pese a estar alejado de lo "beatle" de la vida y ser algo lejano a la banda de Liverpool, he quedado encantado y fascinado por el trabajo audiovisual que es, en conjunto, "Yellow Submarine".
Bien, para empezar, les contaré la wikipédica sinopsis de la película: Pepperland (Pimientalandia) es un alegre paraíso musical bajo el mar, protegida por la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, el cual cae bajo un ataque sorpresivo por los Blue Meanies (Malines Azules, unas bufonezcas criaturas que de manera alegórica, representan a las personas malas ), quienes odian la música. Su ataque consiste en encerrar a la banda en una burbuja, paralizan a los ciudadanos y convertirlo todo en color azul. El anciano alcalde de Pepperland envía al Joven Fred en un abandonado submarino amarillo para buscar ayuda. Fred llega a Liverpool, donde sigue al deprimido y cabizbajo Ringo y lo persuade para que lo ayude. Ringo procede a reunir a sus amigos John, George, y finalmente Paul. Los cinco viajeros parten a Pepperland en el submarino amarillo, pasando a través de diferentes mares: Mar del Tiempo - donde el tiempo retrocede y avanza al ritmo de la canción "When I'm Sixty-Four". Mar de la Ciencia - donde cantan "Only a Northern Song". Mar de los Monstruos - donde el temible monstruo "aspiradora" aspira todo su entorno y a él mismo. Mar de la Nada - donde obtienen ayuda de un "hombre de ningún lugar", el "Doctor en Filosofía" Jeremy Hilary Boob, y cantan la canción "Nowhere Man". Ringo se compadece de él y lo lleva al submarino. Faldas de los Encabezados (o Mar de las Cabezas) - donde se separan del submarino y John canta "Lucy in the Sky with Diamonds". Mar de Agujeros - donde Jeremy es capturado por uno de los Blue Meanies. Después Ringo salta en un agujero verde (el cual se vuelve el Mar Verde), finalmente llegan a Pepperland.
Reunidos con el Viejo Fred y el submarino, imitan a la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y "alzan al país en rebelión", Jeremy es rescatado y todo florece y se vuelve colorido. Pepperland se restablece. Los Meanies son obligados a rendirse, John ofrece su amistad, a la que el Jefe Blue Meanie acepta. Finalmente una gran fiesta tiene lugar.
Al final del filme, The Beatles hacen una aparición en persona, al día siguiente, con unos recuerdos (el minúsculo motor del submarino, un poco de amor y medio hoyo). John advierte de la presencia de nuevos Blue Meanies y cantan un reprise de All Together Now, el cual finaliza con una variación del título de la canción en diferentes idiomas.
La escena de Jeremy Hilary Boob es la que más me enterneció, sobre todo al final, cuando termina de sonar "Nowhere Man" y te das cuenta de lo solitaria y triste vida que llevaba este personaje, que simboliza al hombre de la era industrial, capaz de todo y a la vez, de nada.
Si bien no soy crítico de cine ni pretendo serlo, esta película animada me parece excelente, tanto por la historia, la manera de contarla, los dibujos y la música, además del mensaje que lleva dentro: todo está en la mente.
La película se lanzó el año 1968, y el álbum a principios de 1969, ambos con muy buena acogida por parte del público.
Y bueno... En "Yellow Submarine" no salen todas las canciones que están en la película, ya que sólo aparecen seis canciones en la cara A del disco, y en la B sólo los temas sinfónicos, compuestos básicamente por George Martin (conocido popularmente como el quinto beatle, ya que produjo casi toda la producción discográfica de los muchachos de Liverpool). Cuando se lanzó el álbum, mucho de lo que contenía no era nuevo. "Yellow Submarine", la canción, ya había aparecido en su disco "Revolver", de 1966. "All You Need is Love" había sido un sencillo exitoso en 1967, tema que también había aparecido en el álbum estadounidense "Magical Mystery Tour" más tarde ese mismo año. "Only a Northern Song" había sido escrita originalmente para el Sargento Pimienta, y en gran parte había sido grabada en febrero de 1967. "It's All Too Much" se grabó justo antes de que el Sargento Pimienta saliera, aunque fue acortada (duraba ocho minutos) para "Yellow Submarine". "Hey Bulldog" (grabada en 1968) y "All Together Now" (grabada en 1967) sí parecen haber sido escritas especialmente para la ocasión, aunque Lennon lo había negado con la primera de ellas, grabada durante la filmación del clip promocional de "Lady Madonna".
De "Yellow Submarine" adoro todas las piezas sinfónicas, y en lo que consta a lo rock, mis preferidas son "Yellow Submarine" y "All Together Now", por la melodía y la letra.
La primera nos habla acerca de una vida feliz y cómoda, que se vive, valga la redundancia dentro de un submarino amarillo.
La segunda, es una canción con una letra muy infantil, que puede representar fácilmente la manera de pensar de todo niño.
Aunque no aparecen en el álbum, los temas "Eleanor Rigby" y "Nowhere Man" me parecen preciosos y de letras muy profundas.
En 1999 se lanzó, sin el éxito conseguido por otros discos recopilatorios de la banda, "Yellow Submarine Songtrack", que contiene todas las canciones, menos "A Day in the Life", que aparecieron en la película, tampoco incluye los temas sinfónicos.
No sé qué más decir... Es demasiado en verdad, "Yellow Submarine" es una de las cosas más geniales que he visto y escuchado en mi vida, por eso, al final del post, pues les dejaré la película para que la vean, pues no hay mejor manera de disfrutar y entender la música, que viendo el film...
Tracks:
Cara A
Yellow Submarine
Only a Northern Song
All Together Now
Hey Bulldog
It's All Too Much
All You Need Is Love
Cara B
Pepperland
Sea of Time
Sea of Holes
Sea of Monsters
March of the Meanies
Pepperland Laid Waste
Yellow Submarine In Pepperland
Las canciones que aparecen en la película son las siguientes:
"Yellow Submarine"
"Eleanor Rigby"
"Love You To"
"A Day in the Life" (versión editada)
"All Together Now"
"When I'm Sixty-Four"
"Only a Northern Song"
"Nowhere Man"
"Lucy in the Sky with Diamonds"
"Think For Yourself" (versión editada)
"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band"
"With a Little Help from My Friends"
"All You Need Is Love" "Baby, You're a Rich Man" (versión editada)
"Human After All" es el tercer álbum de estudio del dúo francés de música house Daft Punk, lanzado en Marzo del 2005. Con este post, estaríamos completando ya los artículos sobre la discografía de Daft Punk.
Y bueno, como prometí antes, escribiré sobre la banda sonora de "Tron: Legacy", eso más adelante, pero obviamente, antes del 21 de este mes, día del lanzamiento de "Random Access Memories".
Bien, "Human After All", es para Daft Punk, su álbum favorito, para mí, personalmente, hasta ahora ninguno de sus discos resalta sobre el otro, son diferentes, claro, pero aún no hay uno que yo declare mi favorito, todos son geniales y me gustan por igual.
Si "Homework" fue el disco más acid del dúo y "Discovery" el más disco, "Human After All" es el disco más rock de Daft Punk, donde resalta una mezcla que podríamos denominar como house-rock, con temas tan geniales y asombrosos como "Robot Rock", el más popular del álbum, la canción homónima, y "Technologic", todos con un sello similar dentro del sonido del sintetizador.
Sin duda, uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia; "Pet Sounds", de los Beach Boys, que junto al popular "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles, conocido también entre los hispanohablantes como el "Sargento Pimienta", marcan el inicio de lo que unos pocos años más tarde se convertiría en el rock sinfónico y progresivo. Cosa que se daría tres años después, según algunos, de lanzado este disco, es decir, 1969. Aunque como siempre, la discusión sobre cuál es el primer disco de rock progresivo es demasiado compleja, así que no entraré en ello, ya que como dije antes, me falta mucho por aprender, así que mejor regresemos a hablar de "Pet Sounds".Pero primero algo sobre The Beach Boys; The Beach Boys es una banda de pop rock formada en la ciudad de Hawthorne, California, Estados Unidos, en el año 1961. Fue el grupo más representativo del life style californiano de los años sesenta, así como también de la música y cultura del surf de la época. La banda estuvo integrada en su fundación por los hermanos Wilson; Brian (compositor, voz, bajo y piano), Carl (guitarra y voz) y Dennis (batería, voz); junto con un primo de la familia, Mike Love (voz); y un compañero de estudio de Brian, Al Jardine (guitarra y voz). Bruce Johnston (voz, bajo y piano) se unió más tarde al grupo para reemplazar a Brian Wilson en las actuaciones en vivo.
En este mundo de la música, muchos han hecho covers de sus canciones favoritas, de las bandas que les gustan. Grandes bandas han hecho covers de otras más grandes... Y a veces los covers han llegado a ser más conocidos que las versiones originales.
En este mundo de tributos y reversiones, Tangerine Dream, banda importante dentro de ese viejo movimiento progresivo alemán llamado krautrock, padres de la música electrónica y creadores del genial y reconocido "Stratosfear", se ha visto envuelta. La idea habría surgido en el año 2008, a partir de una broma del promotor del grupo, quien les dijo que deberían hacer covers del "American Top 40", lo cual habría derivado en una apuesta, y finalmente en el disco, cuyo acabado y mezcla final se llevaron a cabo el 2010, en los Eastgate Studios de Viena, Austria. Este álbum se lanzó el mismo año y lleva el nombre de "Under Cover – Chapter One", que trae consigo verdaderas sorpresas y genialidades musicales. Aunque melódicamente está dentro de una estética pop rock y new wave, no pierde la esencia, hasta cierto punto, tradicional de la banda. Pero es muy probable que a los fans de Tangerine Dream tradicionales, no les simpatice mucho este trabajo.
"Don't Let Me Down" es la canción que más me gusta de The Hollies, junto a "The Air That I Breathe", componen el par de temas que más disfruto escuchar de esta genial banda de pop rock británico.
La historia de The Hollies se las contaré más adelante (¿de cuántas bandas voy diciendo lo mismo ya?), pero hoy les traigo el disco que más me gusta de este grupo, de los tres que he escuchado de ellos, "Stay with the Hollies", de 1964, "Distant Light", de donde sale el tema más popular de la banda; "Long Cool Woman (In a Black Dress)", lanzado en el '71, y "Hollies [1974]", del que hablaré hoy.
A este disco, de nombre homónimo, se le agrega "1974" no sólo por ser del año en que salió, sino principalmente porque hay otro álbum de la banda, que tiene el mismo nombre, pero que fue lanzado en 1965, así que para diferenciarlos se les agrega al nombre el año de lanzamiento respectivo.
El principal tema de este disco, ya refiriéndome al de 1974, es "The Air That I Breathe", que dicho sea de paso fue la primera canción que escuche de esta banda británica, y que amé desde la primera vez... Fue amor a primera escuchada... Esta canción, que es la número cinco del disco, alcanzó los primeros lugares de las listas de distintos países, como en Estados Unidos, donde llegó al puesto seis del Billboard Hot 100 del verano del '74.
"Sur La Mer" es el décimo tercer álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo The Moody Blues, lanzado en Junio de 1988, con "I Know You're Out There Somewhere", a la cabeza, su single lanza, que llegó a posicionarse bastante alto en las distintas listas musicales.
"Sur La Mer" es el sucesor, por orden y por naturaleza, de "The Other Side of Life", del año 1986. De "The Other Side of Life" les hablaré muy pronto, pero por ahora sólo debo dejarles un par de datos puntuales acerca de este disco, para que puedan entender mejor "Sur La Mer".
"The Other Side of Life", aunque manteniendo un estilo progresivo, se aleja un tanto de la progresividad de los álbumes que le preceden, como por ejemplo "The Present", de 1983, "Long Distance Voyager" de 1981 y "Octave", del '78, pese a que estos ya mostraban el acercamiento de The Moody Blues hacia un sonido más pop, es en 1986 cuando la estética pop ochentera se apodera bastante del sonido de la banda británica, dejando un poco de lado lo progresivo que sonaban sus anteriores discos, sobre todo los sesenteros y de la primera mitad de los setenta. Aún así, "The Other Side of Life" nunca tocó el pop de manera completa, ya que lo rock y cierto halo sinfónico, que recuerda a "Days of Future Passed", del que les hablé hace ya un tiempo, envuelven este álbum, convirtiéndolo más en un álbum de pop rock melódico, sobre todo en el tema que abre este disco, "Your Wildest Dreams".
A finales de la década de 1970, el sintetizador ya se había convertido en el arma principal del sonido pop dentro de la banda, pero nunca había llegado al punto de que pudiese hacer categorizar algún álbum o canción de The Moody Blues, lanzado entre 1978 y la primera mitad de los ochenta, como sythpop, que fuese similar al de por ejemplo, Orchestral Manoeuvres in the Dark, famosos, por sobre todo, gracias al tema "Enola Gay", lanzado a finales de 1980. Es en 1988, con "Sur La Mer", que el sintetizador rompe dentro del sonido de The Moody Blues, llevándolos hacia el mayor éxtasis de la estética pop de aquellos años, centrada básicamente en el sonido de este instrumento. Pero cabe hacer notar que si bien es el sintetizador el instrumento con más poder dentro del pop ochentero, la batería cumple un rol muy importante, ya que debe ser agresiva, sin serlo a la misma vez, suena contradictorio, pero en canciones, por ejemplo, como "Sooner or Later" o "Separate Lives" de The Alan Parsons Project, ambas del disco "Vulture Culture", de 1985, la batería, muy rítmica, se siente como aguantada, pero lo espectacular viene en cada uno de los momentos en estas canciones cuando el instrumento de percusión ya no aguanta más, por decirlo de alguna manera, y rompe, dándole pase a los momentos épicos de las mencionadas canciones.
Aún así, "Sur La Mer" contiene temas muy pop rock melódico, que recuerdan al sonido de su predecesor.
La letra de "I Know You're Out There Somewhere", el tema de apertura del álbum, es la continuación de la de su par en "The Other Side of Life"", el ya mencionado "Your Wildest Dreams", que también abre el disco al que pertenece.
La letra de "Your Wildest Dreams" cuenta la historia de un hombre, el cual está recordando a su primer amor, y se pregunta si ella le recuerda de la manera en que él la está recordando. Es una letra muy bonita y con mucha añoranza, obviamente. Y bueno, en "I Know You're Out There Somewhere", este mismo hombre se da cuenta que sigue amándola y se promete regresar a ella... "Return again..." dice la letra...
I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you
The mist is lifting slowly
I can see the way ahead
And I've left behind the empty streets
That once inspired my life
And the strength of the emotion
Is like thunder in the air
'Cos the promise that we made each other
Haunts me to the end
I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you
The secret of your beauty
And the mystery of your soul
I've been searching for in everyone I meet
And the times I've been mistaken
It's impossible to say
And the grass is growing
Underneath our feet
I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you
You see I know you're out there somewhere
O yes I know you're out there somewhere
You see I know I'll find you somehow
O yes I know I'll find you somehow
The words that I remember
From my childhood still are true
That there's none so blind
As those who will not see
And to those who lack the courage
And say it's dangerous to try
Well they just don't know
That love eternal will not be denied
I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you
Yes I know it's going to happen
I can feel you getting near
And soon we'll be returning
To the fountain of our youth
And if you wake up wondering
In the darkness I'll be there
My arms will close around you
And protect you with the truth
I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you
(Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti
La niebla se está levantando lentamente
Puedo ver el camino a seguir
Y he dejado atrás las calles vacías
Que una vez isnpiraron mi vida
Y la fuerza de la emoción
Es como un trueno en el aire
Porque la promesa que nos hicimos el uno al otro
Me atormenta hasta el final
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti
El secreto de su belleza
Y el misterio de tu alma
He estado buscando en todos los que conozco
Y las veces que he estado equivocado
son imposibles decir
Y la hierba está creciendo
Debajo de nuestros pies
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti
Ya ves que sé que estás ahí fuera en alguna parte
O sí, yo sé que estás ahí fuera en alguna parte
Ya ves que sé que voy a encontrar alguna manera
O sí sé que voy a encontrar alguna manera
Las palabras que recuerdo
de mi infancia todavía son verdaderas
Que no hay nadie tan ciego
Como el que no quiere ver
Y para aquellos que no tienen el valor
Y dicen que es peligroso tratar
Bueno, ellos simplemente no saben
Que el amor eterno no será negado
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti
Sí, sé que va a pasar
Puedo sentir que se acercar
Y pronto vamos a volver
Para la fuente de la juventud
Y si te despiertas preguntándose
En la oscuridad, voy a estar allí
Mis brazos se cierra a tu alrededor
Y te protegen con la verdad
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti)
Puede que no les llegue a gustar la melodía de "I Know You're Out There Somewhere", eso es ya cuestión de gustos, pero lo que nunca podrán negar es lo hermosa que es su letra.
La melodía de esta canción inicia con un sonido del sintetizador que recuerda un poco al de "Your Wildest Dreams", seguido de un zumbido de este mismo instrumento acompañado de la batería, que va marcando el ritmo de la canción, a la cual se suma luego la guitarra eléctrica. "I Know You're Out There Somewhere" dentro de su estética sythpop, tiene muchos arreglos, tanto progresivos como sinfónicos, además de los juegos vocales y los coros, cosa que para mí, la hace sencillamente irresistible. El armado en general del tema, es grandioso.
"Suer La Mer" contiene en total 10 tracks, con canciones que van desde el pop rock melódico hasta un rock progresivo que tira a synthpop... En sí, el disco no cabe dentro de la etiqueta synthpop, pero ganas de hacerlo, no le faltan... Las letras discurren principalmente dentro de una vertiente amorosa.
El segundo single del álbum, después de "I Know You're Out There Somewhere", es "No More Lies", que alcanzó un éxito medio.
Otra de mis canciones favoritas de este disco son "Want to Be With You" y "Here Comes the Weekend".
Los créditos de las canciones se reparten entre Justin Hayward y John Lodge. En el trabajo musical estuvieron, Hayward, Lodge, Patrick Moraz y Graeme Edge.
Tú! Tú que amas el rock progresivo, que amas el blues, que amas el hard rock, que amas el rock... Tú, tú que amas los ochenta, vas a disfrutar con este increíble disco del año 1985 del grupo británico Dire Straits; "Brothers in Arms"... Yo los conozco a ustedes, y sé que les dará pereza ponerse a buscar datos históricos sobre la banda, por eso acá les dejo algunos: Dire Straits fue una banda de rock británica, fundada en 1977 por Mark Knopfler (guitarra y voz), David Knopfler (guitarra), John Illsley (bajo) y Pick Withers (batería), con Ed Bicknell como director. Se disolvió en 1995 después de publicar seis álbumes de estudio.
"Brothers in Arms" es el quinto y penúltimo disco de los británicos, y fue lanzado en mayo del '85 por la discográfica Vertigo en U.K y la Warner en los Estados Unidos. Contiene nueve temas.
Si algún alma profana me preguntase cuál es el sonido principal y la estética de "Brothers in Arms" respondería que simplemente rock, ya que a diferencia de discos como "The Dark Side of the Moon" (Pink Floyd) o "Pyramid" (The Alan Parsons Project) donde puedo decir que es rock progresivo, o no sé, "Eliminator" (ZZ Top) del cual se puede decir que es totalmente hard rock o "1916" (Motörhead) donde puedo afirmar que es metal y hard rock, este álbum de Dire Straits, por ser tan ecléctico no se puede clasificar dentro de algún subgénero del rock como solemos gustar los melómanos, ya que abarca distintos sonidos y subgéneros, va desde los blues hasta el sonido del rock sureño de los Estados Unidos, pasando por el rock progresivo, algo de hard rock y un poco de R&B medio pop. Por ende, no se le puede clasificar con otra etiqueta que no sea simplemente rock n' roll. Y respecto a las letras, diré simplemente que son bajadas del cielo.
En mi anterior artículo mencioné que prefería el cover de la canción "The Best" interpretado por Tina Turner en el '89 que la versión original de la cantante galesa Bonnie Tyler, del año 1988. Pues bien, el que Bonnie no sea mi preferida a la hora de escuchar la mencionada canción, no hace que no la considere una gran cantante, todo lo contrario, ella me parece genial, y por eso hoy les traigo el álbum que más me gusta de ella de entre los que he escuchado; "Natural Force", del año 1978, su segundo disco. Ahora, antes de seguir, un par de detalles sobre la cantante; su verdadero nombre es Gaynor Hopkins, y nació el año 1951 en Neath, Gales, es conocida por su música pop rock con estética country, y por los temas "It's a Heartache", "Holding Out for a Hero" y "Total Eclipse of the Heart", este último el más popular, que tiene incluso una versión en español. Aunque de los tres temas mencionados el que más me gusta es "It's a Heartache", incluso, es mi tema favorito de la dama galesa, y curiosamente, es el tema que abre el disco del que voy a hablarles hoy. Este es un disco hecho para aquellos que aman el rock y que a la vez, aman las love songs de antaño, de finales de los 70's que ya empezaban a dar una pauta del sonido que llegaría en los años 80...
Imagino que todos los lectores saben al menos qué es Queen ¿no? Dudo que el caso sea lo contrario. Pues bien, el día de hoy hablaremos del más popular de todos sus discos; "A Night at the Opera", que obligatoriamente debería ser parte de la biblioteca musical de todo melómano... Y bueno, Queen siempre ha estado presente dentro de la cultura popular por temas como "We Will Rock You", "We Are the Champions" ("News of the World", 1975), "Another One Bites the Dust", "Crazy Little Thing Called Love" ("The Game", 1980), "Under Pressure" ("Hot Space", 1982) y "Radio Ga Ga" ("The Works", 1984)... Del disco de hoy resalta sobre todas en popularidad una canción con la que mi estimada amiga Ana Cecilia atormentaba mi existencia cada vez que se aparecía de visita por mi hogar, dulce hogar; "Bohemian Rhapsody"... "A Night at the Opera" (Una noche en la ópera) es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock ya citada, publicado en 1975. Coproducido por Roy Thomas Baker y Queen, "A Night at the Opera" fue, en el tiempo de su lanzamiento, la producción más cara producida. Un éxito comercial, el álbum fue votado por el público y citado por publicaciones musicales como uno de los más excelentes trabajos de Queen. El álbum toma el nombre de la película "Una noche en la ópera" de los hermanos Marx, que la banda vio una noche en el complejo de estudios durante la grabación.
El sonido de este álbum discurre entre el hard rock, el rock progresivo y la ópera rock. Las letras son de índole diversa y no se centra en un solo tema. La que a mí más me gusta es "'39", aunque claro, eso es ya cuestión de gustos. "A Night at the Opera" contiene en total doce temas. Las más populares son "Bohemian Rhapsody", como ya dije antes, y "You're My Best Friend".
La primera pieza del disco es "Death On Two Legs", que tiene una letra bastante sucia y dura, pero una melodía espectacular, sobre todo en el trabajo del piano y la guitarra eléctrica. Le sigue "Lazing On A Sunday Afternoon", una canción que suena a opereta de los años '20, con la voz de Mercury distorsionada, que habla exactamente de lo que su nombre indica, el andar de holgazán un domingo en la tarde, personalmente esta canción, aunque corta (es la más corta de Queen, con 1:07 minutos), me encanta, por el piano y su solo de guitarra. El tercer tema del álbum es "I'm In Love With My Car", que está dedicada a una persona con gran pasión por los automóviles.Tiene una letra bastante divertida, además de una melodóa arrolladora, ¿qué coincidencia no?. Le sigue "You're My Best Friend", que fue escrita por John Deacon para su esposa Verónica, donde resalta el sonido del piano eléctrico. La quinta canción en aparecer es "'39", la temática de este tema es sobre la Teoría de la Relatividad, y la letra habla sobre unos voluntarios que viajan en una nave espacial en busca de nuevos mundos. Al volver a la Tierra un año después, descubren que en ella han pasado cien años, que los viajeros han percibido de forma diferente por la dilatación del tiempo. El protagonista se encuentra con que todos sus amigos y conocidos han muerto, incluida su esposa; entonces, al ver a su hija, ve en ella los ojos de su esposa. Lo que amo de "'39" son los coros, el sonido simple de la guitarra acústica y el ritmo de la canción en general... Es preciosa... Luego, se aparece el tema "Sweet Lady", que no me simpatiza tanto pero bueno, después de esta viene una canción muy, pero muy divertida, a ritmo de foxtrot, con una letra muy romántica; "Seaside Rendezvous"... "The Prophet's Song" es el track número ocho y dura 8:19 minutos, no es de mis favoritas. Le sigue "Love Of My Life", un tema muy simpático y bonito, donde el piano es el dominante, aunque contiene una aparición pequeña pero espectacular del arpa... La letra es muy triste, habla de un amor que se va y la súplica que se hace para no ser abandonado... Después viene "Good Company", que tampoco me simpatiza tanto, seguida de la ultra-popular "Bohemian Rhapsody", de la que no diré nada pues ya se ha hablado a montones de ella. Cierra el disco "God Save The Queen", una versión rock del himno inglés.
Y bueno... Espero que puedan escuchar íntegro este álbum al igual que yo, va a ser de gran ayuda para sus oídos, y estos se lo agradecerán.
Les dejo "'39", espero que lo disfruten!
