De vez en cuando en mis búsquedas a través de la web, me encuentro con verdaderos tesoros que vale la pena exponer un poco más. Y esta vez le tocó turno a la banda canadiense de rock progresivo, psicodélico, espacial y sinfónico Klaatu (nombre tomado del personaje de la película de 1951 "The Day the Earth Stood Still" (que tuvo su remake el 2008 con Keanu Reeves en el papel de Klaatu), y puntualmente a su primer y mejor disco (y el más conocido): "3:47 EST", lanzado en Agosto de 1976.
Y es que extraordinario álbum, mezcla melodías tales que muchos pensaron durante años que Klaatu era un experimento anónimo de los Beatles (aunque para mí, nada que ver).
Si quisiéramos ubicar a Klaatu, y este disco, entre algo que conozcamos, se podría decir que es un intermedio entre la banda de Liverpool y los Beach Boys, aunque dentro de lo suyo propio.
"3:47 EST" (que vendría a ser "3:47 hora del este"), inicia con la que es el tema más reconocido y recordado de Klaatu, y a la vez, en mi opinión, el mejor que tienen. Se trata de "Calling Occupants of Interplanetary Craft", una canción de más de siete minutos, donde el rock sinfónico es el invitado de honor. Con unos fantásticos cambios y variaciones rítmicos, sin sonar tan barroco como ELP, este maravilloso tema te adentra dentro del space rock, que junto a la letra da como resultado una de las mejores óperas espaciales que he escuchado (junto a las sinfonías del exogénesis de Muse).
El segundo tema del disco es "California Jam" que, cualquiera que lo escucha sin saber de quién es, al toque lanzaría "¿eso es de los Beach Boys no?"... "Anus of Uranus" es más psicho-hard rock, excelente tema.
"Sub-Rosa Subway" es el tema que hizo que Klaatu fuese creído durante un tiempo un experimento anónimo de los Beatles, ya que suena bastante a la música que hacían los británicos durante el final de su carrera ("3:47 EST" es del año 1976, pero su sonido es sesentero que de la época en que fue lanzado, si lo comparamos con el primer disco de The Alan Parsons Project, lanzado el mismo año).
"True Life Hero", a lo "Anus of Uranus" es un psicho-hard-pop-rock. "Doctor Marvello" es más pop-sinfónico medio beatleloso. "Sir Bodsworth Rugglesby III" tiene un sonido más cirquero juguetón. Que recuerda mucho a esos temas semi sinfónicos de las canciones infantiles.
"Little Neutrino" es el último tema del disco, y junto al primero, es de larga duración (supera los ocho minutos). Y es realmente excelente, donde el rock progresivo sinfónico se muestra en su máxima expresión, y donde esa necesidad cósmica, interpretada a través del vocoder, nos hace sentir en un mundo diferente...
Épocas donde las letras hablaban de neutrinos y viajes espaciales... y no de azotar mujeres y gatizar fieras... azota.
Gracias al querido y estimado Spotify, hace ya un tiempo, me encontré con una pequeña sorpresa; una versión alternativa del famoso tema de Pink Floyd "Wish You Were Here", tocada con el maestro violinista Stéphane Grappelli. Versión que no fue usada originalmente en el álbum del '75, aunque al final de esta, puede escucharse parte del violín en el fade out.
La versión con Grappelli vendría a aparecer hace poco frente al público, en la remasterización que se hizo de todos los álbumes de la banda durante la campaña "Why Pink Floyd...?", durante el 2011-12.
Así que bueno, dándome un pequeño tiempo vengo a compartirla con ustedes.
Y buéh, prometo que en estos días estoy volviendo con un post largo y detallado de alguna cosilla en especial...
Para algunas personas resulta un tanto inadmisible y algo extraño mis preferencias cuando de clásicos se trata. En Pink Floyd, por ejemplo, mi álbum favorito es "The Division Bell" (cosa que ya he dicho antes). Ahora, cuando de canciones se trata, "The Final Cut" posee una de las que, a mi parecer, es de las mejores de la banda británica, y a la vez, uno de los mejores temas escritos por Waters. Me refiero a la canción que abre el disco que trataremos hoy: "The Post War Dream", que, si bien está dentro de la temática del álbum, es bastante ajena a la opereta que se desarrolla en el lado A del mismo.
Pero bueno, iniciemos hablando del álbum para luego adentrarnos en lo profundo de "The Post War Dream".
Este disco, me parece, es de los mejores de Pink Floyd, y para entenderlo, tenemos que hacer un pequeño viaje a través de la vida de Waters y de los hechos que rodeaban la realidad británica de la primera mitad de los ochentas (el álbum fue lanzado en 1983). "The Final Cut" es un álbum completamente antibélico con tonalidades de ópera rock, con cierta herencia de "The Wall", aunque con una temática diferente. En este disco Waters trata de lo que él considera la traición hacia los militares británicos caídos, como su padre, quienes durante la Segunda Guerra Mundial sacrificaron su vida para poder vivir el sueño de la posguerra. Este sueño era que la victoria (aliada) haría del mundo un sitio más pacífico, en el cual los mandatarios no querrían volver a entrar en disputas bélicas. Las letras son críticas contra Margaret Thatcher, cuyas políticas y decisiones fueron vistas por Waters como un ejemplo de traición, ya que era la principal promotora de lo que sería la Guerra de las Malvinas (¿promover una guerra cuando nuestros soldados murieron para que el mundo pueda vivir en paz?). Se refiere a ella como "Maggie" a lo largo del álbum.
La canción "The Post War Dream" me parece una de las más hermosas de Pink Floyd, y de las mejor escritas por Roger Waters. Aunque, como dije al principio, es ciertamente ajena al desarrollo completo de la cara a la que pertenece, representa individualmente el espíritu del álbum entero. Empieza con el sonido de vehículos pasando por una carretera, seguidos luego por una radio que va cambiando de frecuencias, en las cuales escuchamos fragmentos de noticias: "...a group of business men announced plans to build a nuclear fallout shelter at Peterborough in Cambridgeshire...". (cambio de radio) "...three high court judges have cleared the way...". (cambio de radio) "...It was announced today, that the replacement for the Atlantic Conveyor the container ship lost in the Falklands conflict would be built in Japan, a spokesman for...". (cambio de radio) "...moving in. They say the third world countries, like Bolivia, which produce the drug are suffering from rising violence...".
(En español: "...un grupo de empresarios anunció planes de construir un refugio contra bombas nucleares en Peterborough, Cambridgeshire...". (cambio de radio) "...tres jueces de la corte suprema se hicieron camino...". (cambio de radio) "...Fue anunciado hoy, que el reemplazo para el Atlantic Conveyor, el barco contenedor perdido en el conflicto de las Malvinas, será reconstruido en Japón. Un vocero para...". (cambio de radio) "...entrando. Dicen que los países del tercer mundo, como Bolivia, los cuales producen droga, están sufriendo violencia en aumento...".
Y entonces empieza la letra: Tell me true, tell me why, was Jesus crucified (dime la verdad, dime por qué fue crucificado Jesús - yo lo entiendo como una analogía con los soldados que se sacrificaron para que tengamos un mundo mejor, y a la misma vez se da el sentido claro en la estrofa... Jesús no murió para que terminemos matándonos los unos a los otros). Is it for this that Daddy died? (es por esto que murió papá? - ¿más claro? el agua... La pregunta eterna del niño que llevaba dentro Waters). Was it for you? Was it me? (fue por ti? fui yo? - La culpabilidad salta a la vista) Did I watch too much T.V.? (vi mucha televisión? - la culpabilidad del niño que se pregunta si quizá todo fue porque el no hizo caso a las recomendaciones paternales). Is that a hint of accusation in your eyes? (¿Eso es un indicio de acusación en los ojos? - obviedades...). If it wasn't for the nips, being so good at building ships, the yards would still be open on the Clyde. (si no fuese por los japoneses que son tan buenos construyendo barcos, los astilleros seguirían abiertos en el Clyde - creo que es claro si se fija uno en la sección de los extractos radiales y conoce algo de geografía británica... el río Clyde, uno de los principales de Escocia, el cual atraviesa la ciudad de Glasgow, es posiblemente el río más importante por la construcción de barcos y el comercio en el Imperio Británico). And it can't be much fun for them, beneath the rising sun, with all their kids committing suicide. (y no puede ser muy divertido para ellos, bajo el sol naciente, con todos sus hijos suicidándose - alusión a los ataque kamikaze, término utilizado originalmente por los traductores estadounidenses para referirse a los ataques suicidas efectuados por pilotos de una unidad especial perteneciente a la Armada Imperial Japonesa contra embarcaciones de la flota de los Aliados a finales de la Segunda Guerra Mundial). What have we done, Maggie what have we done? What have we done to England? (¿Qué hemos hecho, Maggie, ¿qué hemos hecho? ¿Qué le hemos hecho a Inglaterra? - ¿está claro no?) Should we shout, should we scream "What happened to the post war dream?" Oh Maggie, Maggie what have we done? (¿Hay que gritar, debemos gritar "¿Qué pasó con el sueño de la posguerra?" Oh Maggie, Maggie ¿qué hemos hecho? - en este punto me parece a mí que queda todo absolutamente claro...).
La melodía está en su mayoría con tonada de réquiem, iniciada por un sonido suave de los sintetizadores y un calmado vocal de Waters, seguido de arreglos instrumentales, para luego romper en un sonido de guitarras, con un solo corto pero espectacular...
Ay...
"The Final Cut" se planeó inicialmente como banda sonora para la película de 1982, "Pink Floyd The Wall". Bajo su título inicial, "Spare Bricks", la idea era que contuviese canciones de "The Wall" sin cambios o simplemente regrabadas para la película. Algunos ejemplos incluían "When the Tigers Broke Free" y "Bring the Boys Back Home". Sin embargo Roger Waters planeaba incluir además material nuevo para expandir la narrativa de "The Wall". Debido a la Guerra de las Malvinas, Waters decidió cambiar de dirección y comenzó a componer material nuevo. Siendo socialista de corazón, vio la respuesta de invasión de la Primera Ministra del Reino Unido Margaret Thatcher como algo innecesario, por lo que decidió dedicar el nuevo álbum - titulado provisionalmente "Requiem for a Post-War Dream" - a su padre, Eric Fletcher Waters. Esta nueva dirección creativa creó una serie de disputas entre Waters y Gilmour. Varias piezas musicales de "The Wall", incluyendo "Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Final Cut" y "The Hero's Return", se habían apartado para "Spare Bricks". A pesar de que Pink Floyd había reutilizado material antiguo en otras ocasiones, Gilmour sentía que no era lo suficientemente bueno para el nuevo disco. Quería componer material nuevo, pero Waters tenía dudas, ya que Gilmour prácticamente no había contribuido con letras en los últimos tiempos.
A excepción de la pista introductoria, "The Post War Dream" (repito), la primera cara es una ópera rock corta que trata sobre la difícil situación mental de un veterano de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista se convierte en un profesor de escuela abusivo y a lo largo de las cinco siguientes pistas ("Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Hero's Return", "The Gunner's Dream" y "Paranoid Eyes") se examina su vida después de la guerra en detalle, centrándose en la depresión consecuencia del trastorno por estrés postraumático. Se va alejando de su esposa y le persigue la memoria de la muerte de sus compañeros soldados, incluyendo las últimas palabras de un artillero oídas a través de un interfono. En un deseo de volver a controlar su vida, paga sus frustraciones con sus alumnos. Este personaje ya había aparecido anteriormente en el álbum previo de Pink Floyd, "The Wall", donde se le achaca haber abusado del protagonista en su etapa escolar. En la narrativa de "The Wall", específicamente en la canción "The Happiest Days of Our Lives", tiene una esposa "psicopática", quien le apalizaba a menudo. El tema vuelve a aparecer en "The Hero's Return" como una sensación de alienación que siente el veterano hacia su mujer y sus alrededores. La porción de ópera rock del disco acaba con "Paranoid Eyes", en donde el veterano se refugia en el alcohol, eligiendo así ocultar sus verdaderos problemas al resto del mundo. La segunda parte del álbum trata sobre varios temas bélicos. "Southampton Dock" es un lamento dedicado a los héroes de guerra que regresan y para los soldados que se encaminan hacia una muerte segura, mientras que "Not Now John" habla de la ignorancia de la sociedad hacia los problemas económicos y políticos. "Get Your Filthy Hands Off My Desert" trata sobre los sentimientos de Waters hacia la guerra y la invasión, y "The Fletcher Memorial Home" refleja sus fantasías sobre reunir a políticos como Leonid Brezhnev, Menachem Begin, Leopoldo Galtieri y Margaret Thatcher para ejecutarlos a todos. "The Final Cut" trata sobre las intimidades más profundas de Waters; la letra trata las repercusiones provenientes del aislamiento y las represiones sexuales, mientras intenta cometer suicidio y se esfuerza por reconectar con el mundo que tiene a su alrededor. El álbum termina con "Two Suns in the Sunset", una canción que retrata un holocausto nuclear, dando como resultado final un mundo obsesionado con la guerra y el control.*
Este disco inicia la década ochentera de Pink Floyd, que dio sólo dos álbumes como fruto, el que tratamos hoy y "A Momentary Lapse of Reason" (1987). El primero se ve más como un trabajo como solista de Waters (Wright no estaba ya con ellos, Mason y Gilmour contribuyeron poco y sólo con el trabajo instrumental, aunque este segundo dio los vocales al tema "Not Now John"), el segundo, marca el regreso de Richard (como músico asalariado, para luego integrarse como miembro en 1994 con "The Division Bell") y el claro dominio de Gilmour (con cierta influencia de Mason), por lo tanto en esta década tan recordada, se da el quiebre de la sociedad Waters-Gilmour. "The Final Cut" (el montaje final), para Waters, era el último aliento del más grande monstruo del prog, por lo que intentaría asegurarse de que David Gilmour y compañía no pudiesen usar más el nombre de la banda, cosa que no pudo conseguir al final de cuentas (dos álbumes post-Waters lo delatan). Así que en el fondo, tanto este como "A Momentary Lapse of Reason" se ven más como trabajos individuales de los principales miembros de Pink Floyd que como floydeadas per se.
El compositor y director de orquesta estadounidense Michael Kamen (un contribuyente en las secciones orquestales de The Wall), medió entre Waters y Gilmour, e hizo de teclista, reemplazando al ausente Richard Wright. También se encargó de la dirección y arreglos de la National Philharmonic Orchestra, además de parte de la producción.
Yo creo que podría utilizarse un estribillo de la letra de "The Post War Dream" para describir los últimos momentos del Pink Flyd watergilmuriano: What have we done, David what have we done? What have we done to Pink Floyd?.
En la reedición de este disco del 2004, se incluyó en el cuarto lugar el tema "When the Tigers Broke Free", lanzado originalmente como single en el '82, previo lanzamiento del disco, y que fuera escrita por Waters dedicada para su padre.
La compañía Hipgnosis, diseñadores de la mayoría de diseños artísticos anteriores de Pink Floyd, se había disuelto. Storm Thorgerson, miembro fundador, fue descartado para diseñar la portada, de la que se encargó Waters, usando fotografías tomadas por su cuñado, Willie Christie. La portada muestra las amapolas típicas del día de los caídos y cuatro medallas de la Segunda Guerra Mundial sobre un fondo de tela negro. De izquierda a derecha las medallas son la Estrella de 1939-45, la Estrella de África, la Medalla de la defensa y la Cruz de vuelo distinguido.
En el interior de la cubierta desplegable del disco aparecen tres fotografías: La primera representa una mano extendida sujetando tres amapolas con un soldado en mitad de un campo a lo lejos. La segunda, muestra un soldador portando una máscara de soldador con una pequeña bandera japonesa, idéntico a la portada del sencillo "Not Now John". La tercera representa una explosión nuclear vista desde dentro de un coche, refiriéndose a "Two Suns in the Sunset". Dentro de la cubierta aparecen todas las letras de las canciones.
La contraportada representa a un soldado de pie sujetando un carrete, con un cuchillo sobresaliendo de su espalda (según Nicholas Schaffner (escritor norteamericano), el carrete y el cuchillo podrían reflejar la tumultuosa relación de Waters con Alan Parker durante la grabación de The Wall).
La etiqueta de la Cara A del vinilo muestra un campo de amapolas, mientras que la Cara B muestra un soldado apuñalado por la espalda, tirado en el suelo cerca de un campo de amapolas. A su lado se ve un perro sentado.
A mí parecer, y dando por terminado el post acerca de este disco, pese a lo agridulce que le resultó a la crítica (aunque fue número uno en ventas en Inglaterra, cosa que no ocurrió en los Estados Unidos), me parece que este disco está muy subestimado, y creo de manera fehaciente que "The Final Cut" merece un sitial mayor dentro de la historia de los Floyd y del prog en general.
Entre los álbumes que más me gustan (en general y de rock progresivo) se encuentra "I Robot", el segundo álbum de estudio de The Alan Parsons Project lanzado a mediados de 1977 y poseedor de uno de los mejores temas (a mí entender) del proyecto británico; "Don't Let It Show", tema con el que me envicio bastante seguido...
"I Robot", álbum conceptual inspirado en el conjunto de relatos cortos "Yo, Robot" del escritor Isaac Asimov (uno de mis favoritos), hace uso extensivo de las nuevas capacidades (en ese entonces) del sintetizador Moog de los estudios de la EMI, que también ofreció esas facilidades para el primer disco del proyecto; "Tales of Mystery and Imagination".
Definir el álbum por excelencia de The Alan Parsons Project sería imposible, ni siquiera el "Eye in the Sky", salvo por la popularidad extensa que ha logrado, sería capaz de enarbolar tal título, ya que la obra del proyecto de Eric y Alan ha sido bastante equilibrada en calidad y buen trabajo, fuera ya de la cuestión de gustos e ideas personales que cada oyente pueda tener.
El álbum fue pensado para estar basado en las historias de "Yo, Robot" (I, Robot) escritas por Asimov. Es más, en realidad Woolfson habló con Asimov, quien se mostró entusiasmado con la idea. Pero, dado que los derechos ya habían sido concedidos a una empresa de cine y televisión, el título del álbum se alteró ligeramente quitando la coma, y el tema y las letras se hicieron para ser más genéricas y no tan específicas del universo Asimov.
En el cover interior del disco reza lo siguiente: "Yo Robot ... La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que, paradójicamente, coincidió con el descubrimiento de la rueda ... y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará , porque el hombre trató de crear al robot a su propia imagen".
Los singles de este álbum fueron "I Wouldn't Want to Be Like You", "Don't Let it Show" y "Day After Day (The Show Must Go On)".
Musicalmente "I Robot" mantiene la esencia clásico-progresiva de su predecesor, aunque esta vez con una mayor cantidad de momentos mainstream. Permanecen los grandiosos arreglos sinfónicos de Powell y los excelentes trabajos corales que, a lo largo del tiempo, han identificado al proyecto británico.
Es en este álbum donde por primera vez Alan Parsons y compañía hacen uso de la temática y melodía melosa y romántica, sentimental. Esta está impregnada en "Don't Let it Show" (mi canción favorita del disco, como ya dije al inicio), donde escuchamos a un individuo x, diciéndole a su ex pareja qué debía hacer y cómo debía comportarse cuando le recordase. El que interpreta esta canción es Eric Woolfson, quien dio los vocales a los principales éxitos de la banda ("Eye in the Sky", "Time", "Don't Answer Me", entre otros), y¡oh! sorpresa, esta canción fue el primer hit comercial y la primera en consagrarse como clásico de The Alan Parsons Project.
En verdad tiene razón Parsons al arrepentirse de no haber usado más a Eric en los vocales de sus canciones.
"Breakdown", tema que aparece precediendo a "Don't Let it Show", entró en rotación en emisoras AOR y hasta hoy sigue siendo incluida en la programación de radios dedicadas al rock clásico. La letra es bastante robótica con obvias aluciones a "Yo, Robot". Si bien suena como un tema bastante pop rock, en el segmento final de la canción aparecen unos coros soberbios repitiendo "freedom, freedom" (con más letra, claro, pero yo la reduzco a eso ja, ja), de los que se encargó Andrew Powell. El tema lo canta Allan Clarke, quien fuera miembro fundador de The Hollies, que, como he dicho ya antes, trabajaron también con Parsons. En "Tales of..." aparece Terry Sylvester, otro ex Hollies.
"Breakdown" dejó herencia en el disco solista de Eric Woolfson "Poe: More Tales of Mystery and Imagination" (2003), continuación del primer álbum de TAPP, en el tema "Bells" (musicalización del poema de Poe de mismo nombre).
Para cerrar lo de esta canción sólo me queda decir algo, sin querer caer en lo facha; su intro me recuerda al posterior y clásico "Kashmir" de Led Zeppelin.
"I Robot" tiene también la característica de introducir por primera vez melodías de corte funk en TAPP. Ejemplo de ello es "I Wouldn't Want to Be Like You", otro de los temas importantes del disco. El instrumental introductorio homónimo del disco también tiene cierto ritmo disco por momentos.
Este disco, al igual que el anterior, tiene líneas de música non-stop, que las componen las canciones "The Voice" (cantada), junto con "Nucleus" (instrumental) y "Day After Day (The Show Must Go On)" (otro single importante, que al lado de "Don't Let it Show" y "Some Other Time" son los tranquilitos del disco), componen lo que vendría a ser el primer bloque de canciones non-stop. El segundo y último lo componen "Total Eclipse" y "Genesis Ch. 1 V. 32", ambos instrumentales. Los dos bloques non-stop se dan al lado B de "I Robot".
Es justo en el último tema del álbum, "Genesis Ch. 1 V. 32", que se da una nota curiosa: el título da continuación al tema de la frase que aparece en el cover interior del disco ("Yo Robot ... La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que, paradójicamente, coincidió con el descubrimiento de la rueda ... y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará , porque el hombre trató de crear al robot a su propia imagen"). Esto se explica debido a que Génesis tiene sólo 31 versos, entonces, al colocar el "32" en el nombre del instrumental, se da a suponer una continuación en la historia de la Creación.
Interesante detalle.
Cover del Legacy Edition. El disco está disponible en Amazon.
"I Robot" ha sido reeditado varias veces en varios formatos desde su lanzamiento inicial en vinilo.
Mobile Fidelity Sound Lab (MFSL) lanzó el álbum en vinilo estándar (MFSL 1-084), UHQR vinilo (MFQR 1-084), y en CD de aluminio (MFCD-1-804). Classic Records ha lanzado el álbum en forma analógica en vinilo de 180 gramos, así como en formato digital en HDAD (24bit/192 kHz y 24bit/96 kHz DVD-Audio).
En 2007, como parte de una campaña más amplia, Sony lanzó una versión remasterizada con bonus tracks en el CD.
La más reciente edición del disco es la de Legacy Records (división de catálogo de Sony Music Entertainment, populares por los discos recopilatorios de diversas bandas titulados "Playlist: The Very Best of.." y "The Essentials"), por los 35 años de "I Robot", la cual contiene demos y extractos de las sesiones de grabación, además de un comercial de radio. Esta versión especial fue lanzada el mes pasado.
Para terminar sólo me queda decir que este es un disco esencial para todo aquel que gusta del buen rock, prog, o simplemente buena música.
Tracks:
I Robot (instrumental)
I Wouldn't Want to Be Like You
Some Other Time
Breakdown
Don't Let It Show
The Voice
Nucleus (instrumental)
Day After Day (The Show Must Go On)
Total Eclipse (instrumental)
Genesis Ch.1. V.32 (instrumental)
PD: he estado desaparecido últimamente por dos cosas: estoy preparando un blog dedicado a mi fanatismo por TAPP, y además, ahora tengo un perrito que cuidar. 09/Octubre/2013
Durante año nuevo (31 de Diciembre del 2012 y 1ro de Enero del presente), mientras ustedes se dedicaban a parrandear yo estaba escribiendo acerca de uno de mis grupos favoritos, The Alan Parsons Project. Hice un par de artículos largos contando su historia y revisando de manera epidérmica sus álbumes de estudio (10 para algunos, 11 para los que contamos "Freudiana"). Artículos que pueden leer haciendo clic en estos links: 1er artículo. 2do artículo.
En el primero pueden leer la historia del proyecto y algo sobre sus 7 primeros álbumes, en el segundo, que vendría a ser una continuación, podrán leer acerca de los 4 discos restantes.
Ya más adelante escribí acerca de su álbum "Vulture Culture" de manera más profunda, y después sobre su canción más popular; "Eye in the Sky". Me imagino que poco a poco iré haciendo lo mismo (profundizar en los álbumes de The Alan Parsons Project) más adelante, con el correr de los días venideros. Hoy decidí escribir sobre el primero de sus discos, el más progresivo de todos y el más querido por la gente prog; "Tales of Mystery and Imagination: Edgar Allan Poe", lanzado el año 1976.
Citándome a mí mismo (redunda! redunda!), les dejo este fragmento de mi primer artículo para que entiendan un poco toda la previa de este álbum todos aquellos que ignoran acerca del proyecto de Alancito y Ericito: El año 1974 Alan Parsons conoció a Eric Woolfson en el comedor de los estudios Abbey Road durante el verano de ese año (sí, no se me emocionen, ese es el estudio de los Beatles). Alan ya había sido ingeniero asistente en los discos "Abbey Road" (1969) y Let It Be" (1970) de los Beatles y recientemente había dirigido el afamado álbum de Pink Floyd "The Dark Side of the Moon" (1973), por lo tanto Parsons ya tenía un buen haber tras de sí... Por su parte, Woolfson había trabajado de pianista en algunas sesiones y había compuesto material para una idea que tenía de un álbum conceptual basado en la obra de Edgar Allan Poe. Parsons le dijo a Woolfson que se convirtiera en su manager como productor y e ingeniero de sonido, pero Alan se sentía frustrado ya que muchos de los músicos con los que trabajaba, pese al éxito, no le dejaban culminar sus ideas, por eso se le ocurrió crear un álbum propio basado en la evolución del cine. Woolfson recordó su viejo trabajo basado en E. A. Poe y vio una manera de combinar sus talentos con los de Parsons, así es como nació una de las más grandes obras del rock, "Tales of Mystery and Imagination: Edgar Allan Poe" (1976), que tuvo la participación de diversos personajes, como el actor Leonard Whiting (quien ganó un Globo de Oro en el '69 por su papel de Romeo Montesco en la película Romeo y Julieta) y algunos miembros de la banda de rock progresivo norteamericana Ambrosia.
Y bueno, para cualquiera que es admirador de los cuentos del señor Edgar Allan Poe y simpatizante de Alan Parsons y su pandilla, seguro que se sentirá feliz de hallar una obra como esta.
"Tales of Mystery and Imagination: Edgar Allan Poe" es el único disco del proyecto de Eric y Alan que pueda considerarse puramente progresivo, ya que sus trabajos posteriores vendrían a ser más pop, claro que siempre dentro de un orden prog. Este disco también está considerado dentro de los pilares del género, si bien apareció al final de la época de mayor ebullición del mismo, que fue la primera mitad de la década de 1970, con álbumes como "Dark Side of the Moon" de Pink Floyd, "Tarkus" de Emerson, Lake & Palmer, "Tubular Bells" de Mike Oldfield, "Godbluff" de Van der Graaf Generator, "Nursery Cryme" y "Foxtrot" de Genesis, o Yes con sus reconocidos "Close to the Edge", "Fragil" y "The Yes Album", por citar algunos pocos, la primera obra de The Alan Parsons Project es un excelso trabajo en materia progresiva.
Musicalmente "Tales of Mystery and Imagination: Edgar Allan Poe" contempla ciertos matices del art-rock y hard rock dentro de una columna vertebral absolutamente prog y sinfónica (cayendo en redundancia me parece al citar esta última influencia).
El álbum se divide básicamente en dos; rock experimental y música clásica.
En cuestión de letra es obviamente una adaptación de la obra de Poe, el nombre mismo lo dice.
El disco abre con el instrumental "A Dream Within a Dream" inspirado en el poema del Poe que lleva el mismo nombre (en español: un sueño en un sueño), al que se le agregó en el relanzamiento de 1987 la voz del escritor Orson Welles narrando el poema. La melodía es rock con algunos arreglos sinfónicos, realmente soberbios.
En segunda posición está "The Raven", que obviamente está basado en el poema del mismo nombre (en español: el cuervo). La música es también rock, algo tirado hacia el hard, con varios cambios rítmicos y muy buenos arreglos sinfónicos en ciertos momentos.
"The Tell-Tale Heart" es la tercera canción del disco, y se basa en el cuento del mismo nombre (en español: el corazón delator), una genial narración de Allan Poe. Al igual que el tema que le precede, tiene algunos cambios de ritmo y uno que otro arreglo orquestal. La voz principal es de nada más y nada menos que de Arthur Brown, famoso por el disco del '68 "The Crazy World of Arthur Brown", que lanzó junto a la banda del mismo nombre (si mal no recuerdo fue él también uno de los primeros en brindarle su apoyo a una recién nacida Pink Floyd).
"The Cask of Amontillado" (en español: el barril de amontillado), tiene sus bases en el cuento del mismo nombre. Interpretada vocalmente por John Miles, es la más tranquila y sinfónica del lado A del disco.
Cierra el a-side del álbum "(The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether" (en español: el sistema del Dr. Tarr y el profesor Fether), escrita por Woolfson y Parsons basándose en el relato humorístico del mismo nombre. Melódicamente es la canción que extrae una mayor influencia hard rock de todo el disco.
El b-side es básicamente la canción "The Fall of the House of Usher" (la caída de la casa Usher), que está cimentada en uno de los cuentos más famosos de Poe. Esta se encuentra dividida en cinco partes; "Prelude", "Arrival", "Intermezzo", "Pavane" y "Fall", y es completamente instrumental, salvo por una narración incluida al principio de la primera parte.
"Prelude", con 7 minutos y 2 segundos es la parte más larga de la canción. Su melodía es puramente sinfónica. "Arrival", con 2:39 minutos, entra ya en lo que es el mero rock sinfónico."Pavane" es mi parte favorita, con algo más de cuatro minutos, arranca con un arreglo sinfónico dominado por instrumentos de cuerda, al que pasada la mitad del tema, se le une un rock fuerte. Simplemente espléndido.
"Fall" cierra la canción. Totalmente sinfónica, te sumerge en un final tormentoso, acorde al final del cuento que representa.
Finalmente el álbum lo cierra "To One in Paradise". Terry Sylvester, ex The Hollies (populares por temas como "Long Cool Woman (In a Black Dress)" y "The Air That I Breathe"), interpreta los vocales principales, acompañado por el infaltable Eric Woolfson. La canción está basada en un poema de Poe que lleva el mismo nombre.
Un único reclamo a este excelente álbum... ¿dónde quedó Annabel Lee? :'(
Para terminar no me queda más que decir que este disco es un infaltable en toda colección de rock progresivo, y de buena música en general...
Tracks:
A Dream Within a Dream
The Raven
The Tell-Tale Heart
The Cask of Amontillado
(The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether
The Fall of the House of Usher
To One in Paradise
Acá les dejo completo el instrumental "The Fall of the House of Usher".
Entre mis búsquedas actuales, me he interesado bastante por la música que da vida al término crossover prog, que abarca el lado pop de la música progresiva, yendo desde los Moody Blues, pasando por The Alan Parsons Project y llegando hasta Radiohead. Ahí me encontré con una interesante banda rusa de la ciudad de San Petersburg; iamthemorning, y a su álbum debut; "~" (que también se conoce como el álbum homónimo), lanzado en abril del 2012, y remasterizado en octubre de ese mismo año. La banda está compuesta por Marjana Syomkina (vocales), Gleb Kolyadin (piano), Diakov (violín), Filipp Buin (viola), Alina Shilova (cello), Maxim Rudenko (bajo), Mikhail Istratov (percusión), y Evgeniy Abzalov (guitarra). La música de iamthemorning oscila entre la música folk europea, el indie, la neoclásica (todos sus miembros tienen formación clásica) y varios elementos de la música progresiva. Abundante en melodías de piano y cuerdas (violín, cello), "~" tiene también por momentos cierto grado de distorsión (noise) y momentos muy progresivos, bastante pesados y hard. Combina muy bien una estética bastante suave (gracias en gran medida al trabajo de Marjana Syomkina en los vocales) y un trabajo muy a lo post-rock (?).
De Suecia siempre salen cosas muy interesantes, y esta, no es la excepción. Formada el verano de 1991 por el guitarrista y vocalista Tord Lindman y el bajista Johan Högberg, Änglagård toma su nombre de un término creado por Lindman, que vendría a significar casa de ángeles. La pareja inicial colocó varios anuncios, donde anunciaban (valga la redundancia) su deseo de crear una banda al estilo de grupos como Yes y King Crimson, anuncios que fueron contestados de manera satisfactoria por el tecladista Thomas Johnson y el guitarrista Jonas Engdegård. Luego se integrarían el percusionista Mattias Olsson y la flautista de formación clásica Anna Holmgren. A la primavera siguiente la banda ya estaba de gira y trabajando en las sesiones de estudio que culminarían con su exitoso álbum debut "Hybris" (1992). El lanzamiento fue seguido por una gira en los Estados Unidos que incluyó una aparición en el Progfest 1993 en Los Angeles. En 1994 la banda había lanzado su segundo álbum de estudio; "Epilog", que durante 18 años sería su último trabajo, seguido de nuevo por una aparición en el Progfest. Esta resultaría ser la última actuación de la banda con su formación original. Las grabaciones que se hicieron durante el Progfest fueron diseñadas y lanzadas en 1996 como el réquiem en vida "Buried Alive".
El 2003 la banda se reunió brevemente (ahora sin el miembro fundador Lindman, quien se había retirado de la banda cuando esta se desintegró para iniciar una carrera dentro del mundo del cine), realizando nuevos materiales en varios espectáculos, entre ellos el NEARfest.
El 2009 Mattias Olsson, a través de su blog en MySpace, confirmó que la banda había estado grabando nuevo material, aunque no había fecha de lanzamiento para el trabajo anunciado. Al final, Änglagård lanzó su tercer álbum, titulado "Viljans Öga" (el cual nos ocupa hoy) en julio del 2012.
Sin temor a equivocarme, puedo decir que Änglagård marca parte importante del renacer del rock progresivo en los noventas, ya que ha influido en diversos trabajos posteriores de otras bandas, además de haber aparecido en los momentos en que el prog se daba por muerto, debido a la escasez de las bandas neoprogresivas ochenteras y el decaimiento o desaparición definitiva de las principales bandas progresivas de la historia (Pink Floyd, Genesis, Yes...).
También ha tenido gran reconocimiento por parte del público, cosa que ha aumentado en los últimos años debido al mayor uso y acceso a Internet. Su último disco, "Viljans Öga" indica también que el movimiento progresivo mantiene vigencia, muy disminuida claro, pero vigente, dentro de lo que podríamos denominar un neo-neo-prog.
"Viljans Öga" contiene cuatro temas en total, que promedian los 12 minutos cada uno, donde resalta un excelente trabajo, por encima de todos, en los vientos (flauta) en los dos primeros temas; "Ur Vilande" y "Sorgmantel" (aunque se mantiene bastante hasta el tercero), que genera una sensación de soundtrack al estilo de películas como "The Dark Crystal", por ejemplo.
Los dos últimos, "Snårdom" y "Längtans Klocka", exhiben un trabajo mayor en lo que es percusión y guitarra, además del sintetizador, que se hace más notorio. La falta de vocales (al igual que en la mayoría de temas de los álbumes predecesores) no afecta en nada la calidad, es más, le da realce al excelente trabajo sinfónico, ya que se debe entender que este disco es exclusivamente prog sinfónico... Al igual que el resto de la discografía de estos geniales suecos, valga decir.
Sin duda alguna "Viljans Öga" es un tremendo trabajo que vale la pena escuchar y adquirir (Amazon, Discogs).
Tracks:
Ur Vilande
Sorgmantel
Snårdom
Längtans Klocka
Acá les dejo el álbum completo para que lo puedan escuchar.
Bien, para empezar, he de disculparme por no haber escrito estos días, en sí he tenido la predisposición de hacerlo, pero surgieron algunos contratiempos, entre ellos, ver la película que lleva el mismo título del álbum del que hablaremos hoy; "Yellow Submarine", el décimo primer y antepenúltimo álbum de estudio de los Beatles, que a la misma vez cumple el rol de soundtrack (de la mencionada película) y de disco recopilatorio (porque algunas canciones que aparecen eran parte de álbumes anteriores o singles lanzados un tiempo atrás). Ya que consideré importante, y lo fue, el ver el filme antes de mandarme a escribir. Así que bueno, un par de cosas antes de empezar; primero, si bien estoy de acuerdo con la influencia de los Beatles en muchas buenas bandas y la cultura musical en general, nunca he sido fan de ellos, siempre he preferido, por varios kilómetros por delante, a sus principales competidores en Norte América; los Beach Boys, ya que de los Beatles, salvo en este álbum y algunos singles, nunca he gustado mucho. Segundo, pese a estar alejado de lo "beatle" de la vida y ser algo lejano a la banda de Liverpool, he quedado encantado y fascinado por el trabajo audiovisual que es, en conjunto, "Yellow Submarine".
Bien, para empezar, les contaré la wikipédica sinopsis de la película: Pepperland (Pimientalandia) es un alegre paraíso musical bajo el mar, protegida por la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, el cual cae bajo un ataque sorpresivo por los Blue Meanies (Malines Azules, unas bufonezcas criaturas que de manera alegórica, representan a las personas malas ), quienes odian la música. Su ataque consiste en encerrar a la banda en una burbuja, paralizan a los ciudadanos y convertirlo todo en color azul. El anciano alcalde de Pepperland envía al Joven Fred en un abandonado submarino amarillo para buscar ayuda. Fred llega a Liverpool, donde sigue al deprimido y cabizbajo Ringo y lo persuade para que lo ayude. Ringo procede a reunir a sus amigos John, George, y finalmente Paul. Los cinco viajeros parten a Pepperland en el submarino amarillo, pasando a través de diferentes mares: Mar del Tiempo - donde el tiempo retrocede y avanza al ritmo de la canción "When I'm Sixty-Four". Mar de la Ciencia - donde cantan "Only a Northern Song". Mar de los Monstruos - donde el temible monstruo "aspiradora" aspira todo su entorno y a él mismo. Mar de la Nada - donde obtienen ayuda de un "hombre de ningún lugar", el "Doctor en Filosofía" Jeremy Hilary Boob, y cantan la canción "Nowhere Man". Ringo se compadece de él y lo lleva al submarino. Faldas de los Encabezados (o Mar de las Cabezas) - donde se separan del submarino y John canta "Lucy in the Sky with Diamonds". Mar de Agujeros - donde Jeremy es capturado por uno de los Blue Meanies. Después Ringo salta en un agujero verde (el cual se vuelve el Mar Verde), finalmente llegan a Pepperland.
Reunidos con el Viejo Fred y el submarino, imitan a la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y "alzan al país en rebelión", Jeremy es rescatado y todo florece y se vuelve colorido. Pepperland se restablece. Los Meanies son obligados a rendirse, John ofrece su amistad, a la que el Jefe Blue Meanie acepta. Finalmente una gran fiesta tiene lugar.
Al final del filme, The Beatles hacen una aparición en persona, al día siguiente, con unos recuerdos (el minúsculo motor del submarino, un poco de amor y medio hoyo). John advierte de la presencia de nuevos Blue Meanies y cantan un reprise de All Together Now, el cual finaliza con una variación del título de la canción en diferentes idiomas.
La escena de Jeremy Hilary Boob es la que más me enterneció, sobre todo al final, cuando termina de sonar "Nowhere Man" y te das cuenta de lo solitaria y triste vida que llevaba este personaje, que simboliza al hombre de la era industrial, capaz de todo y a la vez, de nada.
Si bien no soy crítico de cine ni pretendo serlo, esta película animada me parece excelente, tanto por la historia, la manera de contarla, los dibujos y la música, además del mensaje que lleva dentro: todo está en la mente.
La película se lanzó el año 1968, y el álbum a principios de 1969, ambos con muy buena acogida por parte del público.
Y bueno... En "Yellow Submarine" no salen todas las canciones que están en la película, ya que sólo aparecen seis canciones en la cara A del disco, y en la B sólo los temas sinfónicos, compuestos básicamente por George Martin (conocido popularmente como el quinto beatle, ya que produjo casi toda la producción discográfica de los muchachos de Liverpool). Cuando se lanzó el álbum, mucho de lo que contenía no era nuevo. "Yellow Submarine", la canción, ya había aparecido en su disco "Revolver", de 1966. "All You Need is Love" había sido un sencillo exitoso en 1967, tema que también había aparecido en el álbum estadounidense "Magical Mystery Tour" más tarde ese mismo año. "Only a Northern Song" había sido escrita originalmente para el Sargento Pimienta, y en gran parte había sido grabada en febrero de 1967. "It's All Too Much" se grabó justo antes de que el Sargento Pimienta saliera, aunque fue acortada (duraba ocho minutos) para "Yellow Submarine". "Hey Bulldog" (grabada en 1968) y "All Together Now" (grabada en 1967) sí parecen haber sido escritas especialmente para la ocasión, aunque Lennon lo había negado con la primera de ellas, grabada durante la filmación del clip promocional de "Lady Madonna".
De "Yellow Submarine" adoro todas las piezas sinfónicas, y en lo que consta a lo rock, mis preferidas son "Yellow Submarine" y "All Together Now", por la melodía y la letra.
La primera nos habla acerca de una vida feliz y cómoda, que se vive, valga la redundancia dentro de un submarino amarillo.
La segunda, es una canción con una letra muy infantil, que puede representar fácilmente la manera de pensar de todo niño.
Aunque no aparecen en el álbum, los temas "Eleanor Rigby" y "Nowhere Man" me parecen preciosos y de letras muy profundas.
En 1999 se lanzó, sin el éxito conseguido por otros discos recopilatorios de la banda, "Yellow Submarine Songtrack", que contiene todas las canciones, menos "A Day in the Life", que aparecieron en la película, tampoco incluye los temas sinfónicos.
No sé qué más decir... Es demasiado en verdad, "Yellow Submarine" es una de las cosas más geniales que he visto y escuchado en mi vida, por eso, al final del post, pues les dejaré la película para que la vean, pues no hay mejor manera de disfrutar y entender la música, que viendo el film...
Tracks:
Cara A
Yellow Submarine
Only a Northern Song
All Together Now
Hey Bulldog
It's All Too Much
All You Need Is Love
Cara B
Pepperland
Sea of Time
Sea of Holes
Sea of Monsters
March of the Meanies
Pepperland Laid Waste
Yellow Submarine In Pepperland
Las canciones que aparecen en la película son las siguientes:
"Yellow Submarine"
"Eleanor Rigby"
"Love You To"
"A Day in the Life" (versión editada)
"All Together Now"
"When I'm Sixty-Four"
"Only a Northern Song"
"Nowhere Man"
"Lucy in the Sky with Diamonds"
"Think For Yourself" (versión editada)
"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band"
"With a Little Help from My Friends"
"All You Need Is Love" "Baby, You're a Rich Man" (versión editada)
Sin duda, uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia; "Pet Sounds", de los Beach Boys, que junto al popular "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles, conocido también entre los hispanohablantes como el "Sargento Pimienta", marcan el inicio de lo que unos pocos años más tarde se convertiría en el rock sinfónico y progresivo. Cosa que se daría tres años después, según algunos, de lanzado este disco, es decir, 1969. Aunque como siempre, la discusión sobre cuál es el primer disco de rock progresivo es demasiado compleja, así que no entraré en ello, ya que como dije antes, me falta mucho por aprender, así que mejor regresemos a hablar de "Pet Sounds".Pero primero algo sobre The Beach Boys; The Beach Boys es una banda de pop rock formada en la ciudad de Hawthorne, California, Estados Unidos, en el año 1961. Fue el grupo más representativo del life style californiano de los años sesenta, así como también de la música y cultura del surf de la época. La banda estuvo integrada en su fundación por los hermanos Wilson; Brian (compositor, voz, bajo y piano), Carl (guitarra y voz) y Dennis (batería, voz); junto con un primo de la familia, Mike Love (voz); y un compañero de estudio de Brian, Al Jardine (guitarra y voz). Bruce Johnston (voz, bajo y piano) se unió más tarde al grupo para reemplazar a Brian Wilson en las actuaciones en vivo.
"Concerto for Group and Orchestra" es el primer álbum en directo del grupo de hard rock británico Deep Purple, lanzado en diciembre de 1969, después de sus tres primeros álbumes de estudio, lanzados entre 1968 y mediados de 1969. Fue interpretado por la Royal Philharmonic Orchestra dirigida por Malcolm Arnold, compuesto por Jon Lord, teclista de Deep Purple y grabado en el Royal Albert Hall de Londres.
La historia de la banda no se las voy a contar hoy, lo haré en algún momento más adelante, cuando lo crea debido. Por ahora, les traigo este en directo, una de las más grandes muestras de rock sinfónico, tanto de la banda como dentro del género en general. La versión original, en vinilo, contiene cuatro piezas, que en sí son tres temas; "First Movement: Moderato-Allegro", "Second Movement: Andante", que está dividido en dos, la primera parte en la cara A, y la segunda, en la B, aunque en la versión en CD, que tengo yo, está como una sola pieza. Cierra la presentación "Third Movement: Vivace-Presto". Justamente en esta versión que poseo, de manera digital, son cinco temas, ya que el disco abre con dos que son meramente hard rock, ambas de larga duración; "Hard Road (Wring That Neck)" y "Child in Time", las dos superan los doce minutos y no aparecen en el vinilo.
Resulta que a mediados de los años '70, cuando el rock progresivo estaba muy en boga y muy de moda entre el pueblo rockero, el señor Charly García andaba como loco de un lado al otro con toda su creatividad encima y sin dónde plasmarla, ya que Sui Generis se había desintegrado hacía poco tiempo, es por ello, que ni corto ni perezoso, se embarca en un nuevo proyecto musical, que tendría como principales influencias a bandas como Yes, Genesis, Pink Floyd y Focus, me refiero a La Máquina de Hacer Pájaros, un grupo que duró muy corto tiempo (1975-77), pero que nos dejó grandes canciones y la demostración de que sí podemos hacer rock progresivo del mejor en Latinoamérica.
Los vientos del rock progresivo y sinfónico golpeaban la puerta de García, recordar el fantástico solo de teclados y piano en el concierto despedida de Sui Generis (en el tema "Un Hada Un Cisne"), dentro del estilo Rick Wakeman de "Yessongs", y los arreglos de "Instituciones" (último disco de la banda) que ya insinuaba arreglos en elaborado estilo, además de su reconocido gusto por Procol Harum o su banda de cabecera, The Beatles. La idea de un nuevo proyecto en esta línea ya estaba en marcha.
Oscar Moro, ex baterista de Los Gatos y de Color Humano, entre otras bandas, le había mencionado a Charly que quería trabajar con él. Fue Moro precisamente el primer convocado. Existía por entonces en el Buenos Aires de principios de 1976, una banda formada por Pino Marrone en la guitarra, Aníbal Kerpel en el teclado, Gonzalo Farrugia en la batería y José Luis Fernández que tocaba el bajo. Este joven abandonaría esa banda para unirse a García y Moro. El reemplazante de Fernández sería Gustavo Montesano, mientras que la banda citada luego sería Crucis, una de las grandes en Argentina.
El debut de este grupo (Moro, García Fernández) se dio en Córdoba, poco después, en ese show conocen a un fan, también músico, que tocaba guitarra, llamado Gustavo Bazterrica, que se transformaría en el cuarto miembro del grupo. Alcanzado el estatus de cuarteto, La Máquina de Hacer Pájaros realiza sus primeras presentaciones capitalinas en el boliche La Bola Loca, propiedad de Atilio Stampone. También se había incorporado un coro a cargo de Ana María Quatraro y Héctor Dengis. Pero Charly no estaba conforme y decide agregar a otro integrante para poder alcanzar una identidad grupal que no dependa tanto de él, y eliminar al coro. Es así como Carlos Cutaia, ex Pescado Rabioso, entra a formar parte de La Máquina de Hacer Pájaros. "La onda es hacer una música elaborada, con concepción en los arreglos. Pero no queremos hacer una música hermética, queremos que la entienda todo el mundo." manifestó Charly García en el año 1976. También dijo Charly que la banda pretendía ser "el Yes del subdesarrollo".
La Máquina de Hacer Pájaros fue contemporánea al inicio de la dictadura argentina, y es en este grupo donde Charly comienza a desplegar su enorme potencial como músico, compositor, cantante y letrista.
Había por esos años una tira de humor gráfico, cuyo protagonista era un tal García, y la historieta se titulaba "García y La Máquina de Hacer Pájaros", la coincidencia hizo que adoptaran ese nombre para la banda. El dibujante y humorista autor de esa tira, llamado "Crist", les hizo una graciosa historieta para la portada del álbum debut, en donde el protagonista presentaba a la banda, definiéndola como "un pájaro progresivo".
Con el material suficiente para un disco (mucho del cual ya venía de Sui Generis), comienzan a tocar en locales para no más de trescientas personas, para terminar de afianzarse y afinar los detalles finales, corría mediados de 1976...
Con ese material, totalmente escrito por García, aunque en contra de lo que él pretendía, ya que deseaba ser uno más adentro del grupo y no el líder, (pero la cantidad y la calidad de su producción musical pudo más) se disponen a grabar su debut discográfico. El disco debut fue llamado igual que la banda. La voz de Charly en este primer disco de La Máquina de Hacer Pájaros, casi ni se escucha. En cambio, sí pueden escucharse los coros de Celeste Carballo (actualmente, ícono del rock argentino), con solo 20 años de edad en aquel entonces. "La Máquina de Hacer Pájaros" fue lanzado a finales de 1976.
"La Máquina de Hacer Pájaros" contiene siete temas en total, con varios tracks de larga duración, aunque el que más resalta (y el que se convertiría posteriormente en el clásico de este disco y el tema más popular y reconocido de la banda), es "Cómo mata el viento norte", la canción que menos dura de su disco homónimo.
Las letras de este álbum marcan una distancia con las de Sui Generis, donde eran de estilo más adolescente y amoroso, en este disco, podemos ver a un García intentando ser más profundo. Aunque dicho sea de paso, el tema que abre el álbum homónimo de La Máquina de Hacer Pájaros, "Bubulina", ya se tocaba en las presentaciones en vivo de Sui Generis.
Por otra parte está el lado melódico, que demuestra una gran madurez musical por parte de Charly y compañía. Aunque digámoslo así, los discos de esos años, lanzados entre 1973 y 1976 por bandas como Focus, Pink Floyd o The Alan Parsons Project, el álbum debut en el caso de esta última, están mucho más desarrollados, mientras que La Máquina de Hacer Pájaros, pese a ser de la segunda mitad de los 70's, tenía un rock progresivo más hacia "In the Court of the Crimson King", de King Crimson, considerado el primer álbum de rock progresivo, o "In Search of the Lost Chord", de los Moody Blues, también algo por ahí del famoso "Yellow Submarine" de los Beatles, todos de finales de los sesenta y con un sonido mas lo-fi (esto sin desmerecerlos, ya que los discos mencionados son de los más grandes de la historia, lo-fi no es sinónimo de malo), aunque tiene también bastante similitud sonora con "Close to the Edge", de Yes, lanzado en el '72. En cierto modo, esto se debe a que en esa época era más difícil acceder a los nuevos discos lanzados en Estados Unidos y Europa. Pero estas comparaciones se vuelven simples vanidades al escuchar el disco, donde uno se encuentra con un rock progresivo de primerísima calidad, al nivel de Pink Floyd, Yes, y de las principales bandas progs de aquellos años.
El álbum debut de La Máquina de Hacer Pájaros tiene un rock progresivo con mucha esencia sinfónica y psicodélica, también con algo de ácido, al buen estilo de King Crimson. Abre el disco, como dije antes, "Bubulina", rock progresivo sinfónico, con tintes de psicodelia, donde el sonido de los teclados es magnífico, y digo los teclados porque fueron justamente Charly y su Máquina, los primeros en introducir con éxito en una banda el uso de dos teclados de manera simultánea, en el Argentina y si no me equivoco, en América Latina también. Con unos quiebres alucinantes, el sonido de la batería es espectacular, cosa obvia, ya que la banda contaba con el mejor baterista argentino; Oscar Moro... Y bueno, en "Bubulina" no podemos dejar de mencionar la genial trabajo de la guitarra, con unos solos simplemente hermosos, bastante psicodélicos. Le sigue "Cómo mata el viendo norte", donde la guitarra acústica, acompañada del sintetizador y la suave y melodiosa voz de García, nos llevan de viaje por el paraíso del prog-rock. En esta canción, la batería, rítmica y sin aspavientos, acompaña demasiado bien, y a la vez el bajo, uff, "Cómo mata el viento norte" es una señora canción, digna de los más grandes y sublimes aplausos.
Aparece después, en tercer lugar "Boletos, pases y abonos", un tema muy sinfónico, con una estética que por momentos se acerca al sonido funk, sobre todo por el trabajo que cumple el bajo en este tema. Cabe resaltar también el magnífico solo de teclado, realmente es esencial el trabajo en teclados de La Máquina de Hacer Pájaros. "No puedo verme más" es el cuarto tema del disco, un rock progresivo bastante ácido, donde la guitarra cumple un rol básico dentro de la grandeza de esta canción.
Después viene "Rock and roll", que es básicamente un R&B, con algunos arreglos progresivos.
"Por probar el vino y el agua salada", el penúltimo tema del álbum, un folk rock que al igual que su predecesor, tiene arreglos prog.
Cierra el disco homónimo de esta gloriosa banda argentina "Ah, te vi entre las luces", la canción más larga del álbum, más de once minutos de voces melódicas, coros espectaculares, rock sinfónico, psicodelia ácida y rock progresivo que nada tiene que envidiarle a los grandes del rock progresivo británico.
Por eso y muchas cosas más, vamos a Argentina esta navidad!
La Máquina de Hacer Pájaros se separó a finales de 1977, dejando un efímero pero grandioso legado a todos los amantes del rock, que como yo, y otros miles más de personas, disfrutan mucho y demasiado de este género musical.
Nunca me cansaré de repetirlo, le duela a quien le duela, Argentina es el país que mejor rock en español ha lanzado... Ni siquiera España logra alcanzarle...
Aguante el rock che!
Fuente del contenido histórico: Wikipedia en español.
Aunque ya separados, y con Aphrodite's Child desaparecido, Vangelis y Demis Roussos siguieron colaborando juntos como ya les he contado en alguna otra ocasión, si mal no recuerdo, de manera esporádica. El día de hoy les dejo este super disco, que no es tan fácil de conseguir, pero lo que sí podemos encontrar sin mucho problema son las canciones que lo componen, en YouTube.
"Magic" fue lanzado el año 1977, con música compuesta por Vangelis y cantada por Roussos. Contiene un total de once canciones, con letras bastante felices, al igual que las melodías que contienen, que discurren entre los sonidos de pop melódico, típicos de Roussos durante la mayoría de su carrera, y el sintético new age de Vangelis, que recuerda en muchos momentos al popular pero posterior BSO que hizo para la película "Blade Runner", del '82. Lo adornan también pasajes que tienen cierto sabor a reminiscencia de Aphrodite's Child, con su psicodelia y progresividad.
Y mientras ustedes se distraen con Vangelis y Demis, yo voy a seguir preparando los post prometidos acerca de Daft Punk.
Bien, hoy les traigo un álbum sencillamente espectacular, uno de los mejores de la historia... "Days of Future Passed", de The Moody Blues, lanzado en diciembre del '67, considerado por muchos como el precursor del rock progresivo, es más, yo personalmente, junto a algunos otros, considero este álbum el primer gran álbum conceptual y el primer álbum progresivo. No puedo asegurar que sea el primer álbum conceptual, lo dudo mucho, pero sí puedo asegurar que es el primero de los grandes... Mis conocimientos musicales no dan para tanto por ahora, pero con los años me imagino, al crecer mis conocimientos, tendré la suficiente sabiduría musical como para poder dar un personal veredicto al respecto...
"Days of Future Passed" es mi disco favorito de los Moody Blues, es también el primer disco de esta banda británica que escuché de manera íntegra, aunque paradójicamente no contiene la primera canción que escuché de ellos, que es la popular "In Your Wildest Dreams", del año 1986. Cuando por primera vez escuché este hermoso álbum, me di cuenta que era justo lo que andaba esperando escuchar en una banda progresiva, algo super sinfónico, mi lado clásico me hacía sentir obligado a encontrar algo de esas dimensiones, y pues, al final lo terminé encontrando, y me fascinó.
Cabe recordar que de ese mismo año, 1967, es lanzado el primer disco de Pink Floyd; "The Piper at the Gates of Dawn", aunque este, pese a tener su lado progresivo, es más psicodélico, y en verdad, pese a ser de Pïnk Floyd, no se merece los aplausos y el renombre que le doy a "Days of Future Passed"... Una nota antes de continuar, el álbum de Pink Floyd es del mes de agosto, mientras que "Days of Future Passed", es de diciembre.
Este disco es el segundo de los Moody Blues, el primero es del año 1965, "The Magnificent Moodies", pero este primer disco tiene algunas distancias con el segundo, primero, que tira más hacia el R&B y el clásico pop rock británico de aquellas épocas, al estilo de los Beatles, Rolling Stones y bandas similares, segundo, que cuenta con dos miembros que se retirarían el año '66.
The Moody Blues contaba inicialmente con cinco miembros, primero: Ray Thomas (flautas, armónica, voz) y Mike Pinder (teclados y voz), ambos fundadores, a quienes se uniría más tarde Denny Laine (guitarra y voz), Graeme Edge (batería) y Clint Warwick (bajo), y serían estos cinco quienes compondrían los primeros Moody Blues, y quienes grabarían juntos su primer LP, ya en 1966, luego de algunas giras, Laine y Warwick decidirían pasar a retirarse, llenando su sitio Justin Hayward y John Lodge respectivamente, quedando así la formación más duradera de la banda, aunque unos años más tarde Patrick Moraz sustituiría a Pinder.
Bien, ya tienen algo de su historia, ahora sí, nos metemos de lleno a "Days of Future Passed".
The Moody Blues reagrupados, se proponen, antes que nada, mantenerse a flote financieramente, y deciden tocar principalmente en Europa. El despegue esperado se da cuando Deram Records, un sello de Decca Label, en 1967, decide que necesita un disco de larga duración para promover su nuevo equipo de sonido "Deramic Stereo". The Moody Blues es escogido para el proyecto propuesto, y les encargan elaborar los arreglos de una versión en rock de una pieza clásica llamada Dvorak’s New World Symphony, inmediatamente ellos convencen al productor y al ingeniero del staff, abandonar el material propuesto y permitir al grupo usar una serie de sus propias composiciones que denominaban “Un día arquetípico, de la mañana a la noche”. Estos aceptan y usando las cintas de la nueva música realizada por la banda, con arreglos de orquesta sinfónica ejecutados por el conductor Peter Knight, se realizo el álbum "Days of Future Passed", el cual se volvió un hito en la historia del grupo. La mezcla de rock y los sonidos clásicos era nueva, al principio confundió a la compañía disquera, pero al final se convenció y el disco fue producido y sacado a la venta. Este álbum, y sus temas "The Night: Nights in White Satin" y "The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?)/Time to Get Away”, enganchadas armónicamente en el álbum, dieron como consecuencia su siguiente disco "In Search of the Lost Chords", del año 1968, en este nuevo proyecto la banda desecha la orquesta en favor del mellotron (instrumento musical electro-mecánico polifónico que apareció a mediados de los años '60), que rápidamente se volvió parte del sonido de la los Moody Blues.
El disco nos narra la vida, el ser de un día común y corriente, y en cierta manera, es una crítica a la monotonía diaria. Con unas letras espectaculares y a la vez simples, nos lleva a través de sus múltiples y suaves acordes, por un mundo donde un día común y corriente se convierte en algo más que eso, se convierte en la vida...
Yo creo que más que en las letras, sin despreciar a estas que son muy bellas y geniales, como el poema al inicio del álbum, recitado al final de la primera canción, que lamentablemente mucho se ha criticado por lo pomposo y clásico, lo más importante de este álbum se centra en la melodía, que también se ha criticado según he leído, por lo clásica y un tanto pasada de era que es, pero para mí, estos comentarios son sinceramente irrelevantes, porque creo a ciencia cierta, que en las melodías clásicas combinadas con las distintas afluencias rock, sobre todo de orden progresivo y psicodélico, se encuentra el secreto de lo maravilloso de "Days of Future Passed".
La melodía es estupenda, el sonido de la flauta y de los violines se llevan los aplausos a la hora de analizar el lado clásico, pero sin desmerecer al piano, que es hermoso en temas como "Evening: The Sun Set/Twilight Time". Del lado rock, obviamente progresivo y psicodélico, lo que me hace mucha gracia es en el tema "Lunch Break: Peak Hour" cuando el rock toma una esencia que dentro de su psicodelia, toma rasgos de surf rock y de proto-punk, algo super increíble...
Y las voces, melódicas, acompasadas, llenas de vida... Todo lo que compone "Days of Future Passed" es genial!
Y bueno, "Days of Future Passed" contiene en total siete piezas, todas increíbles, no puedo resaltar ninguna, todas engranan en absoluta y perfecta armonía, dando una continuidad sonora al álbum que deja sorprendido al más conocedor, convirtiéndola en una pieza única e inestimable que todo melómano y amante del prog-rock debería tener en su colección, o al menos, escucharla íntegra una vez en su vida...
Tracks:
The Day Begins
Dawn: Dawn Is a Feeling
The Morning: Another Morning
Lunch Break: Peak Hour
The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?)/Time to Get Away
Evening: The Sun Set/Twilight Time
The Night: Nights in White Satin
Bien, como escuchar una sola pieza del disco, se los dejo completo, escúchenlo y viajen por el hermoso mundo del rock progresivo... Más adelante veremos más discos de esta increíble banda británica.
Bien, mientras termino de preparar un material que quería mostrarles hace un tiempo, les traigo este álbum que es sencillamente espectacular, "End of the World", del año 1968, álbum debut de la banda griega Aphrodite's Child, de donde luego se lanzarían en solitario tanto el popular intérprete de pop melódico Demis Roussos, como al que ya mencionamos algunos post atrás, el compositor de new age Vangelis, aunque ambos ya venían de haber estado en otras bandas, cuyos nombres no recuerdo, pero bueno. Aphrodite's Child luego del lanzamiento de su primer disco, se volvió muy popular en Francia, donde vivían por esos días tres de sus cuatro miembros, ya que el último se había quedado cumpliendo servicio militar en su país natal, Grecia, debido a que la dictadura andaba en el poder aquellos días en la tierra Zeus, es por eso que los miembros de Aphrodite's Child, y de otras bandas griegas más, habían tenido que migrar al país de Víctor Hugo, unos de quedada y otros de paso a Inglaterra, como fue el caso de Vangelis y compañía, aunque al final se vieron obligados a permanecer en Francia por algunas revueltas que hubieron por allá y que no les permitieron partir a Inglaterra.
Imagino que todos los lectores saben al menos qué es Queen ¿no? Dudo que el caso sea lo contrario. Pues bien, el día de hoy hablaremos del más popular de todos sus discos; "A Night at the Opera", que obligatoriamente debería ser parte de la biblioteca musical de todo melómano... Y bueno, Queen siempre ha estado presente dentro de la cultura popular por temas como "We Will Rock You", "We Are the Champions" ("News of the World", 1975), "Another One Bites the Dust", "Crazy Little Thing Called Love" ("The Game", 1980), "Under Pressure" ("Hot Space", 1982) y "Radio Ga Ga" ("The Works", 1984)... Del disco de hoy resalta sobre todas en popularidad una canción con la que mi estimada amiga Ana Cecilia atormentaba mi existencia cada vez que se aparecía de visita por mi hogar, dulce hogar; "Bohemian Rhapsody"... "A Night at the Opera" (Una noche en la ópera) es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock ya citada, publicado en 1975. Coproducido por Roy Thomas Baker y Queen, "A Night at the Opera" fue, en el tiempo de su lanzamiento, la producción más cara producida. Un éxito comercial, el álbum fue votado por el público y citado por publicaciones musicales como uno de los más excelentes trabajos de Queen. El álbum toma el nombre de la película "Una noche en la ópera" de los hermanos Marx, que la banda vio una noche en el complejo de estudios durante la grabación.
El sonido de este álbum discurre entre el hard rock, el rock progresivo y la ópera rock. Las letras son de índole diversa y no se centra en un solo tema. La que a mí más me gusta es "'39", aunque claro, eso es ya cuestión de gustos. "A Night at the Opera" contiene en total doce temas. Las más populares son "Bohemian Rhapsody", como ya dije antes, y "You're My Best Friend".
La primera pieza del disco es "Death On Two Legs", que tiene una letra bastante sucia y dura, pero una melodía espectacular, sobre todo en el trabajo del piano y la guitarra eléctrica. Le sigue "Lazing On A Sunday Afternoon", una canción que suena a opereta de los años '20, con la voz de Mercury distorsionada, que habla exactamente de lo que su nombre indica, el andar de holgazán un domingo en la tarde, personalmente esta canción, aunque corta (es la más corta de Queen, con 1:07 minutos), me encanta, por el piano y su solo de guitarra. El tercer tema del álbum es "I'm In Love With My Car", que está dedicada a una persona con gran pasión por los automóviles.Tiene una letra bastante divertida, además de una melodóa arrolladora, ¿qué coincidencia no?. Le sigue "You're My Best Friend", que fue escrita por John Deacon para su esposa Verónica, donde resalta el sonido del piano eléctrico. La quinta canción en aparecer es "'39", la temática de este tema es sobre la Teoría de la Relatividad, y la letra habla sobre unos voluntarios que viajan en una nave espacial en busca de nuevos mundos. Al volver a la Tierra un año después, descubren que en ella han pasado cien años, que los viajeros han percibido de forma diferente por la dilatación del tiempo. El protagonista se encuentra con que todos sus amigos y conocidos han muerto, incluida su esposa; entonces, al ver a su hija, ve en ella los ojos de su esposa. Lo que amo de "'39" son los coros, el sonido simple de la guitarra acústica y el ritmo de la canción en general... Es preciosa... Luego, se aparece el tema "Sweet Lady", que no me simpatiza tanto pero bueno, después de esta viene una canción muy, pero muy divertida, a ritmo de foxtrot, con una letra muy romántica; "Seaside Rendezvous"... "The Prophet's Song" es el track número ocho y dura 8:19 minutos, no es de mis favoritas. Le sigue "Love Of My Life", un tema muy simpático y bonito, donde el piano es el dominante, aunque contiene una aparición pequeña pero espectacular del arpa... La letra es muy triste, habla de un amor que se va y la súplica que se hace para no ser abandonado... Después viene "Good Company", que tampoco me simpatiza tanto, seguida de la ultra-popular "Bohemian Rhapsody", de la que no diré nada pues ya se ha hablado a montones de ella. Cierra el disco "God Save The Queen", una versión rock del himno inglés.
Y bueno... Espero que puedan escuchar íntegro este álbum al igual que yo, va a ser de gran ayuda para sus oídos, y estos se lo agradecerán.
Les dejo "'39", espero que lo disfruten!
El año pasado, o sea ayer, porque hoy es primero de enero, ja ja ja, les hablé sobre The Alan Parsons Project (si no lo leyeron sólo deben hacer clic aquí), y les dije que apenas escuchara los tres últimos álbumes que lanzaron, les hablaría de ellos, y así lo hice, anoche me puse a escucharlos de manera íntegra y como primer artículo de este año que empieza, completaremos el tema sobre la afamada banda inglesa.
En el post anterior mencioné que me faltaban por mencionar tres álbumes, pero anoche estuve pensando y me doy cuenta que al final son cuatro. Este cuarto disco que tendría que mencionar es "Freudiana", del año 1990, y aunque The Alan Parsons Project históricamente va de 1975 a 1987, "Freudiana" es un proyecto que venían trabajando Parsons y Woolfson antes que su proyecto desapareciera, además este fue el último trabajo que hicieron en conjunto, por eso en sí se le considera el onceavo y último trabajo del grupo. Por eso el día de hoy no hablaremos de tres discos sino de cuatro; "Vulture Culture", "Stereotomy", "Gaudí" y "Freudiana".
Para escribir sobre The Alan Parsons Project hay que ser valiente, lo estuve evitando, pero ya no pude más, es mi banda favorita de rock progresivo, una de las bandas que más me gustan de rock y uno de mis grupos favoritos en general... Así que acá me tienen, el deber y el placer se juntan, acá les traigo a The Alan Parsons Project. Primero, antes de contarles su historia, darles mi opinión y mostrarles los álbumes que he escuchado de ellos (que son casi todos, sólo me falta escuchar los tres últimos), les nombraré mis canciones favoritas de esta banda británica; "Prime Time", "Since the Last Goodbye", "Don't Answer Me", "You Don't Believe", "Lucifer", "Sirius", "Eye in the Sky", "You're Gonna Get Your Fingers Burned", "I Wouldn't Want to Be Like You", "Voyager", "A Dream Within a Dream", "The Raven", "The Tell-tale Heart" y "Time"... Pero claro, estas son para escucharlas de manera individual, porque la gracia de todas las gracias que existen es la de escuchar el álbum de manera íntegra, como siempre digo, sobre todo si se trata de álbumes conceptuales o de rock progresivo, como lo son los discos de The Alan Parsons Project... Así que sujétense los cinturones que aquí vemos... Este sí que será un largo viaje!
Continuando con nuestra serie de artículos sobre el rock peruano, el día de hoy les traigo a una banda de finales de los 60's y principios de los 70's, como ya habrán adivinado, se trata de Laghonia. Lanzaron dos LP's, en el '68 y el '71. Al disolverse la banda, varios de sus componentes pasarían a integrar We All Together, junto a Carlos Guerrero, que era el único que no había sido parte de Laghonia, aunque ya había participado en una de las grabaciones de esta, pues la banda grababa en el estudio MAG, propiedad del padre de Guerrero. Sobre We All Together ya les he contado antes, y si no leyeron lo que escribí sobre ellos, sólo deben hacer clic aquí.
La banda se inició en el año 1965, por idea de Saúl Cornejo (vocalista y guitarra), Miguel Cornejo (batería) y Eddy Zarauz (bajo). Más tarde se sumarían Alberto Miller y Alax Abad (guitarra y percusión respectivamente). Su primer LP fue lanzado en 1968; "Glue", después del cual, a finales de ese mismo año, Miller dejaría la banda y sería reemplazado por Davey Levene, quien le daría nuevos aires y sonidos a la banda, como el soul y el R&B. Después de 3 años Laghonia lanzaría "Etcétera", el '71, antes de disolverse.
La banda se llamó originalmente The New Juggler Sound. Tiene claras influencias del rock británico, como The Beatles, The Kinks, Yardbirds y The Rolling Stones. En 1967 sacarían sus primeros singles; "Baby" y "I Must Go". Posteriormente, para sacar su primer disco, cambiarían su nombre a Laghonia (pues era "La Agonía" de la inminente separación de una de las bandas que más los influenció, The Beatles).
Como ya dije y voy repitiendo, en 1968 lanzaron su primer álbum; "Glue", con claras influencias del rock británico. Contiene 4 de sus 5 primeros singles, a los cuales se sumó dos temas que grabaron junto a Carlos Salom ("Neighbor" y "My Love") quien tocaba el órgano Hammond que habían decidido incluir. Este disco consta de 10 temas, que va desde temas más a lo rock n' roll hasta algunos con claro sonido psicodélico.
En 1970 Zarauz se va de viaje y es reemplazado por Ernesto Samamé
"Glue" es uno de mis discos favoritos de rock peruano, principalmente por su sonido e influencias claras... Es por este disco que he decidido ponerme a escuchar a The Beatles...
Tracks:
Baby, Baby
I Must Go
Neighbor
The Sand Man
Billy Morsa
Trouble Child
My Love
And I Saw Her Walking
Glue
Bahia
"Etcétera" es el segundo y último disco de Laghonia, lanzado en 1971, en este disco participó Carlos Guerrero haciendo los coros. Este disco es el más progresivo y psicodélico de los dos, además que denota una madurez mayor en el sonido de la banda, que se había vuelto más complejo. La carátula de "Etcétera" es una de las carátulas más psicodélicas en la historia del rock peruano.
Es el álbum que más me gusta de Laghonia.
Consta de 8 tracks y 4 bonus tracks (4 singles que no aparecieron en "Glue"), de los cuales mi favorito es "Everybody on Monday", ...
Tracks:
Someday
Mary Ann
I'm a Nigger
Everybody on Monday
Lonely People
Speed Fever
Oh! Tell Me July
It's Marvellous
World Full of Nuts [*]
We All [*]
No Solution [*]
Bengal Tiger [*]
Y bueno... Como ya saben, en 1971 se disolvieron, viajes, alejamientos, se trajeron abajo la banda, pero después de todo, gracias a ello salió otra obra maestra del rock peruano... We All Together.
Datos curiosos de Laghonia son que el 2004 la ya mencionada en otros post, Repsychled Records, sacaría al mercado "Unglue", con algunos demos, instrumentales y jammings (improvisaciones) que la banda grabó durante su periodo de actividad.
"Glue" y "Etcétera" serían reeditados en diversas disqueras en el extranjero.
Inicialmente su disquera fue RCA Victor, pero luego se pasaron a MAG.
De "Glue": Baby Baby.
De: "Etcétera": Everyboy on Monday.
Para terminar, les dejo esta imagen como pequeño regalito, espero que les guste.
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